Le dialogue est ici celui de deux instruments : le violoncelle et la viole de gambe.

Mais c’est aussi la succession de deux styles : l’Italie et la France, à la croisée du 17ème et du 18ème siècle.

L’Ensemble Art of Nature nous livre des sonorités précieuses, et joliment saturées, parfois trop sages, et d’autres fois plus enjouées.

Esmé de Vries et Oleguer Aymamí jouent chacun la viole et le violoncelle sans vouloir favoriser un instrument en particulier. Si je devais caricaturer ma pensée, je dirais que la viole de gambe illustre la solennité du style français, alors que le violoncelle évoque plutôt cette fantaisie italienne qui fera chavirer l’Europe entière par la suite.

Je ne m’attarderai d’ailleurs pas davantage sur l’intérêt historique ou musicologique de cette initiative, d’autant plus que le répertoire regroupant viole de gambe et violoncelle est quasiment inexistant.

Car c’est bien la sonorité chaude de cet enregistrement qui m’a séduit, au delà de son intérêt historique.

La prise de son met en lumière ces deux instruments ainsi que le clavecin, omniprésent, qui s’intègre harmonieusement, sans aucune touche d’acidité.

Que ce soit la première partie, centrée sur la viole de gambe (avec des compositions de Marin Marais, Jean Barrière, François Couperin ou bien encore Louis de Caix d’Hervelois), que la dernière, mettant en scène les violoncelles, le plaisir d’écoute est à son apogée.

La prise de son aide, bien évidement, en amenant cette illusion de faire entrer les musiciens dans sa salle d’écoute. Mais cette polyphonie instrumentale des deux violes et des deux violoncelles dépasse l’émotion purement audiophile, tant elle est d’une grande élégance, tout étant dosé à la perfection.

Si cette beauté tonale, magnifiée par des sons saturés et généreux, ne fait aucun doute, c’est aussi l’articulation et le rythme dont font preuve les deux musiciens stars, Esmé de Vries et Oleguer Aymamí, qui me captive dans la sonate en sol mineur de Jean Barrière. Tout semble couler naturellement. J’entends par là que je n’ai jamais perçu un maniérisme forcé, ou une volonté d’augmenter la cadence sans que cela fasse sens.

La sonate da chiesa en mi mineur d’Arcangelo Corelli est un autre parfait exemple de cette plénitude tonale évoluant dans un tempo vif et gracieux.

A noter également deux très belles pièces pour clavecin de Francesco Geminiani qui ponctuent les compositions pour viole et violoncelles dans cet album de bien belle manière. Le clavecin d’Hadrien Jourdan est d’ailleurs un vrai pilier soutenant chacune de ces œuvres avec élégance et retenue.

Voici donc un (trop) rare disque de musique baroque alliant des qualités techniques et artistiques particulièrement remarquables.

Une vraie petite pépite musicale.

• Titre : Dialoguer.
• Artistes : Ensemble Art of Nature, Esmé de Vries (direction).
• Format: PCM 24 bit, 88,2 kHz.
• Ingénieur du son: Marie Delorme.
• Editeur/Label: VDE-Gallo.
• Année: 2024
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

C’est un enregistrement singulier puisqu’il réunit une viole de gambe et un clavecin sur ces suites françaises de Jean-Sébastien Bach, n° 1,2 et 5 (BWV 812, 813 et 816).

Cette transcription d’un répertoire centré sur le clavecin constitue en quelque sorte une prolongation des trois sonates BWV 1027, 1028 et 1029.

L’introduction d’une seconde voix comme la viole semblait plausible pour ce répertoire des Suites Françaises. Mais encore fallait-il partir de cet instrument comme figure centrale et essayer de redéfinir la place du clavecin autour de la mélodie distillée par la viole de gambe.

J’avoue adorer ce type d’initiative, le fait de rendre hommage tout en désacralisant ce qui ne devrait pas l’être pour la grande majorité, la musique de Bach.

Il faut en effet laisser ses habitudes d’écoute au vestiaire, comme si on écoutait ces œuvres pour la première fois, faire fi des conventions, et se concentrer sur l’instant présent.

J’avoue que j’aurais sans doute tenté dans cette aventure de m’éloigner davantage du tempo naturel attribué au clavecin. Cela aurait peut-être amené une meilleure homogénéité contrapuntique, la viole de gambe étant faite à mon avis pour des tempi plus lents.

J’ai eu d’ailleurs l’impression que parfois c’était le clavecin qui ne ralentissait peut-être pas assez.

C’est d’ailleurs une jolie prouesse technique pour Agnès Boissonnot-Guilbault de suivre ce tempo rapide.

Puisque j’en suis au stade des compliments, je félicite également le preneur de son qui a réussi à obtenir une balance très homogène entre les deux instruments, ce qui ne me semble pas forcément évident de prime abord. Il n’y a pas non plus d’excès de réverbération (comme on peut trop souvent l’entendre sur de nombreux enregistrements de musique baroque), ce qui est aussi un bon point pour conserver un juste niveau de précision tonale et spatiale.

La Suite en sol majeur n°5 devient, grâce à la tessiture de la viole de gambe, encore plus chantante.

Le fait de jouer à trois voix (mains droite et main gauche de la claveciniste, viole de gambe) améliore beaucoup l’intelligibilité et permet ainsi de conserver ce tempo rapide. 

L’osmose rythmique dans la Gavotte est remarquable, et la polyphonie est particulièrement séduisante.

La Bourrée peut en revanche sembler un peu trop rapide, et la Gigue est jouée uniquement au clavecin. On peut imaginer qu’insérer la viole dans cette ultime partie représentait un défi technique quasi insurmontable. Mais c’est aussi sans doute une façon de ressentir combien le chant de la viole de gambe vient à nous manquer… 

La Suite en do mineur de Marin Marais est un élégant interlude. Elle met en lumière la viole de gambe et son côté langoureux. L’ambiance est aussi bien plus théâtrale. Et c’est totalement cette sonorité plantureuse de la viole de gambe que nous retrouvons dans la Suite en do mineur n°2 BWV 813. La tessiture de la viole est plus sombre, plus grave. Pourtant, je n’ai pas trouvé que l’équilibre général en pâtissait pour autant.

La Sarabande est magnifique, même si elle pourrait être encore plus lente. Peut-être que ce tempo assez rapide évite de tomber dans le piège d’une interprétation trop théâtrale et narcissique…

On paie néanmoins cette rapidité dans l’Air qui semble parfois faire jouer les deux instruments de façon trop séparée, amenant une moindre homogénéité.

On retrouve néanmoins une parfaite fusion instrumentale et rythmique dans le Menuet et la Gigue.

Dernier intermède musical, le Prélude de la Suite en ré mineur de Louis de Caix d’Herveloix (élève de Marin Marais) nous prépare à la tonalité de la dernière suite de cet album, celle en ré mineur BWV 812.

C’est à mon avis celle qui se prêtait le plus facilement à cette polyphonie viole – clavecin. On oublie dans l’Allemande le tempo, et seul le contrepoint régule le jeu des deux protagonistes. Ce fut en ce qui me concerne une totale redécouverte de cette Suite française n°1 de Jean-Sébastien Bach. 

La courante force le pas bien évidemment, presqu’à la limite de la rupture contrapuntique. Mais c’est pour mieux mettre en valeur cette Sarabande, très pleine, faisant jouer les deux instruments quasiment à l’unisson. Là encore, la prise de son est excellente et permet de capturer cette admirable polyphonie. 

Le premier menuet suivant est uniquement joué au clavecin. Le second, miroir, met la viole de gamme en lumière avec un accompagnement du clavecin d’une sobre élégance. 

La Gigue finale est une sorte d’apothéose baroque et contrapuntique. Un pur bonheur auditif…

En résumé, si je dois tenir compte de la quantité de travail de réécriture, de l’originalité, de la prise de risque, et du superbe jeu des deux instrumentistes, il m’est difficile de ne pas leur attribuer un Grand Frisson. Et puis n’est-ce pas tout simplement formidable de prolonger l’esprit de cette musique en lui ouvrant de nouvelles perspectives ? Un grand bravo à Mesdames Boissonnot-Guilbault et Dargazanli pour cette magnifique contribution.

• Titre : Bach – Suites Françaises.
• Artistes : Agnès Boissonnot-Guilbault (viole de gambe), Nora Dargazanli (clavecin).
• Format: PCM 24 bit – 96 kHz.
• Ingénieur du son: Augustin Lusson.
• Editeur/Label: Bathos Records.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

La pianiste Alexandra Lescure nous convie à un moment « d’extase baroque » autour des compositeurs Domenico Scarlatti et Joseph-Nicolas-Pancrace Royer.

« Extase baroque », cela marque l’ambition de la française dans un exercice aussi compliqué que celui de vouloir faire naître l’émotion tout en essayant d’analyser et de communiquer à l’auditeur ce qu’évoque pour elle ce répertoire musical…

La sonate K.35 de Domenico Scarlatti, qui ouvre le bal, est jouée sur un tempo légèrement plus lent que celui de Clara Haskil, qui reste ma référence personnelle en la matière. Cela ne donne évidemment pas le même sentiment de flux vital ininterrompu que j’apprécie tant chez la pianiste roumaine.

Néanmoins, reconnaissons que cette première sonate est très bien interprétée par la jeune pianiste, avec une énergie et une densité de jeu qui nous font penser d’emblée que nous allons passer un agréable moment, sans pour autant être sûr d’arriver jusqu’à l’extase.

La sonate K.109 en la mineur étire le temps, à un point tel où les ornements sont un peu trop présents à mon goût. Le respect du contrepoint en souffre un peu également et je ne parviens pas à rentrer totalement dans la musique. Trop plein d’extase peut-être ?

La K.6 en fa majeur reprend une pulsation plus rapide mais avec beaucoup de liberté prise vis-à-vis de la partition, ce qui ne me dérange pas plus que ça, mais enlève un peu de fluidité et de cohérence générale, émoussant un peu le côté sautillant de cette sonate. En comparaison, la prestation de la grande Alicia de Larrocha chez Decca donne une cadre rythmique plus en osmose avec les interprétations au clavecin. Toujours compliqué au final de se faire une idée précise de jusqu’où peut-on aller au piano ?

La Zaïde de Royer apporte en revanche au piano, sous les doigts d’Alexandra Lescure, une grande tendresse et une jolie part de poésie. Cela vient indubitablement renouveler l’intérêt de cette pièce pour clavecin. On aurait aimé néanmoins quelques ornementations plus franches et quelques accélérations de tempo judicieusement placées.

En revenant à Domenico Scarlatti et sa superbe sonate en ré mineur K.213, on comprend mieux finalement cette notion d’extase baroque qui correspond, d’après mon ressenti, à une forme d’abandon personnel chez la pianiste, qui revient sur un tempo très lent, avec un phrasé tout en délicatesse.

On peut bien évidemment faire aussi délicat, mais plus rapide, à l’instar de la très belle version de Valerian Shiukashvili ou celle de l’américain Steven Spooner.

C’est bien là en fait le trait caractéristique de ce disque qui privilégie cette forme d’abandon et d’intériorité qui parlera ou ne parlera pas à l’auditeur. 

Cela est en quelque sorte un pari risqué, car certains se perdront en cours de route, alors que d’autres seront pleinement subjugués.

Alexandra Lescure nous offre des compositions de Joseph-Nicolas-Pancrace Royer qui sont extrêmement rares au piano et au disque, interprétation empreinte d’une grande humanité et d’une sensibilité touchante.

Notons également la très bonne captation du Steinway dans une acoustique très naturelle, sans excès de réverbération, ce qui permet d’apprécier ce phrasé tout en douceur et subtilité.

• Titre: Extase baroque.
• Artistes : Alexandra Lescure (piano).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Frédéric Briant.
• Editeur/Label: Calliope.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

Le contre-ténor italien Carlo Vistoli nous emmène au pays de l’éloquence, faisant preuve d’une aisance et d’une musicalité peu communes.

Le chant de Vistoli est en effet d’une homogénéité remarquable sur l’ensemble de sa tessiture : des graves définis et des aigus d’une grande clarté, le naturel se mettant au service de l’éloquence.

Ce sont en effet cette précision remarquable ainsi que cette technique parfaitement maîtrisée qui permettent de dépeindre avec tant de justesse une grande palette de sentiments, de l’amour profane jusqu’à la noirceur du dépit amoureux et du désespoir.

Le programme de ce disque regroupe cinq cantates profanes, dont trois sont signées Haendel, composées pour la majorité durant son séjour en Italie.

Carlo Vistoli commence d’ailleurs par le morceau de bravoure, « La Lucrezia », presque un opéra version chambriste à elle seule.

Il y a beaucoup de justesse d’interprétation chez le contre-ténor italien qui réussit à faire passer chaque émotion de manière ostensiblement naturelle, sans exagération ou maniérisme.

On ressent tour à tour la tristesse de la femme violée, puis la colère et le désespoir qui la mènera au suicide.

Les deux autres cantates de Haendel n’ont jamais été enregistrées auparavant (constituant donc ici une première mondiale) et sont aussi moins pesantes : « Ninfe e pastori » annonce la couleur avec une ambiance bucolique dans le plus pur style italien de l’époque, et peut-être un meilleur équilibre entre chanteur et orchestre. Le concours de l’ensemble Le Stagioni contribue à l’épanouissement du chant, sans pour autant égaler l’instrumentation d’un William Christie et ses Arts Florissants (qui reste peut-être la référence absolue en la matière).

La dernière cantate de Haendel « Deh, lasciate e vita e volo » se veut plus lassive ou méditative, mais amène par ailleurs de chatoyants arias, et une forme de suave sensualité, presque vénéneuse…

La cantate « O se fosse il mio cor in libertà » fait partie d’un cycle de douze cantates dédiées par Porpora au prince-électeur de Hanovre et publiées en 1735. Elle vient s’inscrire assez logiquement après la dernière composition haendelienne. 

J’ai beaucoup apprécié la beauté des passages dédiés au violoncelle ainsi que les acrobaties vocales du dernier mouvement.

Cet album s’achève sur une cantate de Vivaldi «Pianti, sospiri e domandar mercede » qui fait partie d’un ensemble de huit cantates pour alto écrites vers 1730 et qui se démarque des compositions précédentes par son niveau de difficulté technique, voire par la qualité de pyrotechnicien vocal qu’elle requiert !

Carlo Vistoli démontre une dernière fois, si cela était par ailleurs nécessaire, une aisance singulière dans ce registre, développant des ornementations très sophistiquées et très pures à la fois.

Il y a une connivence évidente entre l’ensemble de musiciens et le chanteur, qui permet à cette interprétation de dépasser le stade de l’exercice de style pour livrer un festival d’émotions et d’intentions musicales. C’est bien cela qui fait la différence entre une prestation moyenne et une excellente performance. Objectif pleinement rempli pour La Lucrezia !

• Titre: La Lucrezia.
• Artistes : Carlo Vistoli (contre-ténor), Paolo Zanzu (clavecin), Marco Frezzato (violoncelle), Simone Vallerotonda (théorbe).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Giuseppe Maletto.
• Editeur/Label: La Musica.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): format CD uniquement.

Drôle de découverte que celle du quatuor Venerem.

Et bien difficile de ranger ces musiciens dans un répertoire précis. Ce disque fusionne le chant opératique d’une soprano qui ne fait pas semblant, la musique baroque, médiévale, le jazz, l’électro et la musique classique.

Pas simple donc de coller une étiquette sur ce quatuor bien que ce disque dévoile globalement une identité électro-baroque . Mais quand la sonorité d’un piano électrique Fender Rhodes se superpose à des percussions et à une basse électrique sur des airs de musique ancienne, cela reste un brin déstabilisant.

La formation est composée de la soprano Laureen Stoulig-Thinnes, du pianiste classique Marlo Thinnes , du bassiste Simon Zauels et du batteur Elmar Federkeil. Rien que ce quatuor est un creuset où se mélangent les influences classiques et jazz, voire jazz-rock.

Le programme de cet album regroupe des arrangements et des improvisations sur des compositions de Purcell, Arbeau, Strozzi, Händel, ou bien encore Vivaldi. Je devrais d’ailleurs retenir le terme d’adaptation plutôt que d’arrangement, car cette prestation ne se limite clairement pas à une simple relecture de tubes de musique baroque mis à la sauce électro.

Le résultat est plutôt convaincant : cela serait presque un nouveau genre musical, une musique radicalement nouvelle, même si elle est alimentée à base de partitions anciennes.

Les improvisations du quatuor font d’ailleurs parfois voler en éclat le carcan de la partition et contribuent fortement à cette sensation d’entendre des créations musicales actuelles tout en restant familières.

Laureen Stoulig-Thinnes impressionne par sa puissance vocale et son sens de la nuance, lui conférant ainsi une grande polyvalence, et servant complètement le projet musical de Venerem.

La question est de savoir si ce projet restera un simple exercice de style, ou s’il sera à même de s’épanouir et d’évoluer dans le temps. On attend donc avec curiosité la sortie du prochain album. Un grand bravo à cette initiative qui sort clairement des sentiers battus.

• Titre: Venerem – Early Art Music.
• Artistes: Laureen Stoulig-Thinne (chant), Marlo Thinnes (clavier), Simon Zauel (basse), Elmar Federkeil (percussions).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz
• Ingénieur du son: Asparuh Tashev.
• Editeur/Label: Telos Music.
• Année: 2021
• Genre: Inclassable.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): format CD uniquement.

C’est une réédition d’un disque paru en 2003, et remasterisé en 2017 par Alessandra Galleron, et disponible à nouveau en cette année 2021 dans les bacs des quelques commerçants essentiels ayant été autorisés à rester ouverts…

Cet enregistrement avait été victime de son succès, à un point tel que la cote du disque, plus édité, était montée en flèche chez nos amis disquaires. Le label La Musica permet donc de démocratiser à nouveau l’accès à ce petit bijou de musique baroque. 

Et même si on peut être allergique au star système auréolant la carrière de notre contre-ténor préféré, il convient de saluer la performance de Philippe Jaroussky dans ce répertoire méconnu, et celle de son ensemble Artaserse.

Car c’est bien d’un compositeur oublié dont il s’agit. Et bien que Benedetto Ferrari ait signé pourtant l’auteur d’un des plus beaux duos d’opéra, le « Pur ti miro » d’Il Pastor Regio, récupéré par la suite par Monteverdi lui-même, sa musique reste encore aujourd’hui assez confidentielle.

Le récital que nous livre Philippe Jaroussky captive néanmoins du début à la fin : aucun temps mort, aucune baisse de régime. Le Français enfile des perles de nacre d’identique beauté. L’accompagnement, la prise de son, la post production sont d’ailleurs à la hauteur (vertigineuse) de la performance du chanteur.

C’est un disque totalement addictif, une de ces tablettes de chocolat que vous ne pouvez entamer sans la finir complètement.

Mais dans le cas présent, aucun sentiment de honte d’avoir péché par excès de gourmandise ou d’avoir cédé trop facilement à la tentation, non, juste la sensation d’avoir touché de si près au divin.

Jetez-vous donc sur ce disque si ce n’est pas encore fait, il est de nouveau disponible et ravira tant les aficionados de la musique baroque que tous les amoureux du beau son.

• Titre: Benedetto Ferrari – Musiche Varie, Libri I,II e III
• Artiste: Philippe Jaroussky (contre-ténor), Ensemble Artaserse. 
• Format: PCM 24 bit, 44,1 kHz
• Ingénieur du son : Alessandra Galleron.
• Editeur/Label: La Musica.
• Année: 2021 (réédition)
• Genre: Baroque
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

Ce qu’il y a d’intéressant dans cet énième enregistrement des partitas pour violon de Bach est la motivation de l’artiste.

Cette recherche de paix intérieure pour oublier des moments difficiles, comme la vie en réserve de temps à autres, est en ce qui me concerne un pari risqué, celui de la corde raide. Est-ce que Bach peut-être vu comme un remède, un anxiolytique, un cheminement vers une forme d’apaisement ?

Cette tension n’arrive pourtant pas à s’évacuer complètement au travers du disque, et on ressent, voire on partage, cette recherche de quiétude intérieure et, surtout, une forme de tristesse, de souffrance.

Rachel Kolly a attendue d’être prête pour se mesurer au répertoire mais était-ce vraiment tant un problème de préparation que de choix du bon moment ?

Le timbre légèrement acide du Stradivarius de Rachel Kolly n’aide pas à métamorphoser le climat. On peut préférer la sonorité chaude d’une Viktoria Mullova, ou celui moins éloigné d’Isabelle Faust. Mais ces deux interprétations contemporaines de haut niveau illustrent bien le détachement de soi et l’abandon complet requis pour toucher au divin.

J’espère que Rachel Kolly saura y revenir, à un moment plus propice, dans une ère post Covid il faut espérer, afin de se libérer complètement. Elle en a clairement les moyens et le talent.

• Titre: Rachel Kolly – Bach Partitas.
• Artistes : Rachel Kolly.
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz 
• Ingénieur du son : Ines Kammann.
• Editeur/Label: IndéSENS !
• Année: 2020
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD : Réel.

Après le répertoire de Boccherini, Ophélie Gaillard et le Pulcinella Orchestra consacrent un nouveau double album à Antonio Vivaldi.

C’est vrai qu’il y a de quoi faire pour le violoncelle chez le Vénitien et notamment dans les concerti (28 au total pour le violoncelle seul). On notera d’ailleurs la reconstruction inédite par Olivier Fourés du Concerto RV788 « per Teresa », qui fait partie des deux derniers incomplets (respectivement 787 et 788).

Au delà de la forme concertante, quelques apparitions de chanteuses comme la mezzo-soprano Lucile Richardot (Sovvente il sole, Andromeda liberata – Acte 2, scène 5) et la contralto Delphine Galou (Di verde ulivo, Tito Manlio – Acte 1) dans des airs d’opéra rarement interprétés (même si le dernier l’a été récemment par le couple Cécilia Bartoli / Sol Gabetta) ponctuent agréablement ce programme instrumental.

Premier de cette longue liste, le concerto en sol mineur RV. 416 démarre en trombe dans une acoustique de salle semi-réverbérante, sans doute la part d’ombre prend le pas sur la lumière…

En comparaison, les versions récentes comme celles de Jean-Guihen Queyras ou de Sol Gabetta sont plus posées, moins fougueuses certes mais plus harmonieuses et chatoyantes. C’est un peu le reproche qu’on peut faire à ce double album, celui d’avoir une prise de son favorisant davantage l’ambiance que la clarté.

Est-ce pour autant un parti pris ? Celui d’instaurer un carnaval de couleurs, entre ombres et clair obscur ? Il semble que cela soit effectivement le cas, celui de faire référence aux aspects sombres du 18ème siècle et de la culture vénitienne, l’utilisation du sfumato, des fonds noirs, des trompe-l’œil… et de l’emploi généralisé des instruments graves en musique.

Cela fait bien évidemment sens, et ce choix esthétique détonne néanmoins avec la grande majorité de la discographie relative aux concerti pour violoncelle de Vivaldi.

Le violoncelle d’origine vénitienne Francesco Goffriller, le fameux « kidnappé », donne le La, celui de la tonalité basse et chaude de la musique de Vivaldi.

Mais c’est aussi la nervosité et la fougue de la belle Ophélie et, par contagion, celles du Pulcinella Orchestra, qui constituent l’ADN de cet album.

Un superbe concerto RV531 pour deux violoncelles (dont celui d’Atsushi Sakaï) nous plonge dans un rythme bien plus soutenu que toutes les références discographiques que j’ai pu conserver en mémoire. Même l’Europa Galante de Fabio Biondi semble bien mollassonne en comparaison.

Et puis ce Largo sonne divinement bien : quelle densité, quelle éloquence ! C’est peut-être un des passages les plus émouvants parmi les nombreuses surprises que nous réserve cet enregistrement. Il y a une force toute particulière qui se dégage de ce concerto, qui m’évoque presque une toile de Caravage, excusez-moi pour l’anachronisme…

Le concerto RV409 pour violoncelle et basson offre à nouveau des couleurs ocres splendides. 

La symphonie pour cordes et basse continue RV112 est en quelque sorte un bel interlude, offrant un superbe équilibre, tel un rayon de lumière traversant la pénombre.

Ce passage où la musique respire davantage, où l’atmosphère se détend, est presque salutaire avant l’attaque du quadruple concerto RV575 qui nous refait basculer dans une densité organique et une confrontation rageuse entre les deux violons et violoncelles, ponctuée il est vrai par un second mouvement lent où les solistes s’inspirent de l’ornementation double esquissée sur le manuscrit du concerto pour deux violons RV507.

Le concerto en si mineur RV424 a remporté ma préférence. Cette œuvre tardive représente presque à elle seule une synthèse des différentes facettes de la personnalité du compositeur. Tout y est grâce et harmonie, on touche une forme de maturité. Le jeu d’Ophélie Gaillard est totalement envoûtant et fusionne parfaitement avec le reste de l’orchestre.

C’est au final une production très ambitieuse qui nous est présentée dans ce double album, tant sur le plan artistique que technique. L’audiophile pinailleur que je suis pourra penser que les ambitions esthétiques auraient mérité un travail de prise de son et de post production encore plus sophistiqué (et malgré tout le respect que j’ai pour le studio Little Tribeca). En effet, les passages instrumentaux chargés tendent parfois à saturer. C’est néanmoins un simple constat, mais le défi technique de coller aux choix esthétiques de la directrice musicale, tout en conservant la plus grande lisibilité, est tout sauf facile. Comme il est coutume de dire, la critique est facile, l’art est difficile. Ce programme et la quantité de travail qu’il a fallu pour le concrétiser n’en sont pas moins impressionnants !

• Titre: Vivaldi, I colori dell’ombra
• Artistes: Ophélie Gaillard (violoncelle), Pulcinella Orchestra
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz 
• Ingénieur du son : Nicolas Bartholomée
• Editeur/Label: Aparté
• Année: 2020
• Genre: Classique
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.