La Compagnie « Soleil de nuit » regroupe trois chanteuses (Kareen Durand, Muriel Montel, Julie Horreaux), une pianiste (Émilie Moutin), et un violoncelliste (Frédéric Dupuis).

Cette formation, qui reprend le nom d’un recueil de poèmes de Jacques Prévert, s’ingénie à réarranger la musique populaire dans un cadre plus conforme à leur formation de musiciens classiques.

Ce disque reprend ainsi les chansons de Barbara, faisant suite à un premier opus centré sur les compositions de Prévert et Kosma.

Si ce second enregistrement est sans nul doute le fruit d’un travail d’équipe, il faut particulièrement rendre hommage au travail d’arrangement de la pianiste Émilie Moulin, qui transcende les compositions originales pour magnifier encore davantage l’émotion qui s’en dégage généralement.

On se rend compte ainsi que la qualité d’un arrangement permet vraiment, lorsqu’il est bien conçu, de sublimer une composition.

Pourtant, les chansons de Barbara ne sont pas si faciles à s’approprier pour des musiciens classiques. En effet, les chansons de Barbara sont bien souvent autoporteuses, à un point tel qu’on a du mal parfois à faire la séparation entre l’air, la mélodie (généralement assez simple) et l’interprète.

L’écueil de ce type de projet est de restituer finalement un résultat musicalement intéressant mais à la force émotionnelle amoindrie.

C’est sous doute aussi la polyphonie de ces trois voix, ainsi que le timbre chaud du violoncelle, qui permettent de gagner en émotion et en sensualité sur cet enregistrement.

Le répertoire de cet album met sans nul doute en exergue l’amour de la vie et de la musique qui animaient Barbara.

Les arrangements apportent beaucoup de clarté au texte tout en l’illustrant musicalement.

La composition instrumentale d’Émilie Moulin « Ramages » est une subtile évocation du plus grand tube de Barbara, L’Aigle noir, et un bel exercice de réécriture.

En effet, les membres du Soleil de nuit ont souhaité ne pas reprendre telle quelle, ni arranger, cette trop célèbre chanson, mais lui faire un petit clin d’œil musical. Le pari est à mon avis largement gagné.

La tonalité globale de cet enregistrement est certainement plus gaie que la triste mélancolie du style inimitable de Barbara. Cela offre une perspective nouvelle, plus légère et moins grave, du répertoire de la chanteuse française.

J’ai au final vraiment apprécié cet album, alors que je suis généralement assez insensible aux hommages rendus à cette grande dame de la chanson française. Alors, est-ce que les inconditionnels de Barbara s’y retrouveront ?

Je ne pourrais le dire avec certitude mais c’est très certainement un bien bel hommage, qui lui vaut un Grand Frisson.

• Titre : Barbara – du bout des lèvres, du bout des doigts.
• Artistes : Compagnie Soleil de Nuit (Julie Horreaux, Emilie Moutin, Kareen Durand, Muriel Montel, Frédéric Dupuis).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Alban Moraud.
• Editeur/Label: Anima.
• Année: 2025.
• Genre: Chanson française.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

Klarthe nous réserve régulièrement de jolies surprises avec des collaborations originales, sortant des sentiers battus.

C’est le cas de cet album qui offre un superbe métissage entre les représentants du Fado traditionnel portugais et l’Ensemble des Équilibres, à l’avant-garde de la scène contemporaine française.

Une des plus belles voix du Portugal, celle de Cristina Branco, accompagnée de son guitariste Bernardo Couto, s’associe ainsi à la formation d’Agnès Pyka pour interpréter les créations de trois compositrices portugaises contemporaines : Fátima Fonte, Florentine Mulsant et Anne Victorino D’Almeida qui ont, chacune, imaginé l’image musicale de ces textes du Fado, écrits par l’écrivain Gonçalo M. Tavares, dans leur style très différent.

Cette collaboration inédite était loin d’être gagnée d’avance puisque les deux spécialistes du Fado ne lisaient pas les partitions, travaillant tout « à l’oreille ». Il a fallu que la formation d’Agnès Pyka réévalue et ajuste son travail à leur besoin tout en s’appropriant cette mélancolie si particulière inhérente à l’univers du Fado.

La concrétisation de ce partage d’influences et de culture, voire de différents rapports à la musique, est admirable.

L’Ensemble des Équilibres nous offre encore une fois une intensité dramatique, une expressivité qui rend cette musique si vivante. Je n’aurais personnellement jamais imaginé que le Fado puisse revêtir une dimension d’une telle modernité. Et pourtant, cette musique vous emporte totalement dans cet élan récitatif, cette puissance évocatrice hors norme…

Le travail d’écriture n’est clairement pas en reste, que ce soit le charme des arabesques de Fátima Fonte, l’intensité dramatique d’Anne Victorino d’Almeida, ou bien encore celle de Florentine Mulsant.

La partie purement instrumentale, celle écrite par Florentine Mulsant prend la forme d’un trio pour violon, alto et violoncelle.

Cette création est tellement théâtrale qu’on ne ressent à aucun moment l’absence de parole. Le niveau de l’écriture m’a semblé de très haut niveau, voire ce qui se fait de mieux dans le cadre de la création contemporaine aujourd’hui.

Et lorsqu’on revient au chant, la voix de Cristina Branco se fond parfaitement dans ce Fado hyper contemporain. Jamais elle ne semble en faire trop, préférant distiller un vibrato serré et se comporter presque comme une accompagnatrice, alors que l’essentiel des compositions est centré sur sa personnalité et son univers musical…

Cet album est une délicieuse parenthèse musicale, sorte de creuset mêlant tradition et modernité, et qui mérite sans hésitation notre meilleure recommandation.

• Titre : Fado em movimento.
• Artistes : Ensemble des Equilibres, Agnès Pyka (direction, violon), Cristina Branco (chant), Bernardo Couto (guitare).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Erwan Boulay.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2024.
• Genre: Fado.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

Voici un album qui plaira aux audiophiles, puisqu’il est centré sur une voix chantant a capella dans un environnement réverbérant, mais néanmoins contrôlé.

C’est typiquement ce genre d’enregistrement qui permet d’apprécier le naturel d’une voix, surtout lorsque celle-ci est de toute beauté.

La soprano Anne Warthmann se lance ici en effet dans un exercice périlleux mais o combien stimulant, celui de chanter seule sans accompagnement, alors même que la Covid 19 invitait les artistes du monde entier à entamer ce type de projet introspectif…

Cette prestation, à la fois surprenante et virtuose, nous démontre que la voix peut surpasser tous les autres instruments de musique en matière de diversité et d’intensité émotionnelle.

On n’a finalement jamais rien fait de mieux, même si l’éloquence, celle dont fait preuve Madame Warthmann, est loin d’être une qualité universelle.

Ce disque ne surprend d’ailleurs pas que par la beauté et le naturel de cette voix, mais aussi par l’originalité et la hardiesse des œuvres proposées, essentiellement tirées du répertoire contemporain.

Anne Warthman bénéficie notamment du soutien du compositeur contemporain Thierry Pécou, interprétant sur cet album cinq de ses œuvres miniatures.

Celles-ci paraissent presque sages en comparaison d’autres extraits très insolites, comme « Persephone » de Stevie Wishart pour voix et chant de merle, ou bien encore « Alphabet pour voix seule » de Jean-Christophe Rosaz.

J’ai vraiment aimé « De nuit deux chants à voix seule » de Betsy Jolas. Ces deux poèmes lyriques (« J’ignore » et « Dans l’obscurité ») empruntés à Victor Hugo sont de petits bijoux de sensibilité et de mysticisme qui vous envoûtent pleinement.

Autre point remarquable, la diction et l’articulation sans faille de la chanteuse qui permet de profiter pleinement de la poésie des paroles. Sans doute la qualité de la prise de son n’y est pas non plus complètement étrangère. On se délecte ainsi des « Five poems » de D.H. Lawrence, avec un délicieux et discret accent français mais tellement clair et puissant à la fois…

Difficile aussi de classer l’inclassable. Cet album mérite pourtant plus qu’un succès d’estime, car au delà de l’originalité, il y a une impressionnante culture musicale, servie par une performance vocale de grande classe.

Tout cela me pousse à décerner un Grand Frisson à un disque dont je n’aurais sans doute jamais imaginé vanter les mérites.

Mais l’écoute de cette voix est tout simplement un enchantement, au sens propre comme au sens figuré.

On attend donc avec impatience le prochain opus de Madame Warthmann, puisque celui-ci est sous-titré Solovoice 1. Vivement Solovoice 2, et bravo pour cette talentueuse initiative !

• Titre : En Songe – Solovoice 1.
• Artiste : Anne Warthmann.
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieur du son: Luc Fourneau.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2024
• Genre: Chant.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

C’est à proprement parler le disque audiophile par excellence : une belle voix féminine bien captée avec un accompagnement minimaliste à la guitare.

Voilà, à peine j’écris, et je dois déjà m’excuser auprès de Jérôme Brajtman, dont le jeu et les arrangements sont particulièrement réussis, pour avoir employé ce qualificatif de minimaliste…

Ce côté très naturel de l’enregistrement fait que l’illusion d’avoir les interprètes présents chez soi est facilement reproductible.

La réverbération subtilement dosée permet de recréer cette ambiance live.

Autre point technique mis en avant par les artistes eux-mêmes : le choix du diapason en 432 Hz, en lieu et place du la en 440 Hz.

Le référentiel du la à 432 vibrations par seconde a été imposé à l’initiative de Giuseppe Verdi à la fin du XIXe siècle. Cette fréquence a ainsi fait l’objet d’un décret, aujourd’hui exposé au conservatoire Giuseppe Verdi de Milan. Il fut alors approuvé à l’unanimité par la commission des musiciens italiens.

Cette fréquence a constitué la première norme majoritairement reconnue avant d’être remplacé par les Allemands en 1939 par le la à 440 Hz, qui sera universellement normalisé en 1975, généralisant son utilisation dans tous les conservatoires de musique.

La volonté du Duo Mino / Brajtman d’enregistrer ce disque en la 432 Hz fait écho à un certain nombres de choix d’artistes, à l’instar de Jim Morrison, Janis Joplin, John Lennon ou Prince, qui considéraient cette fréquence plus harmonieuse, en quelque sorte une vibration parfaite, et plus proche de la nature.

En l’occurrence, ici il s’agit de se rapprocher le plus possible du bruit de l’eau et de faire « résonner cette musique plus intimement avec notre mélodie intérieure ».

Mais au delà des choix techniques de cet album du duo Mino / Brajtman, il y a bien un indéniable intérêt artistique.

Il réside selon moi dans l’association du monde de la musique classique à celui de la variété, comme si finalement le chant se voulait universel, le thème de l’eau n’étant finalement qu’un vecteur pour mieux fusionner encore ce « pot pourri »…

Je tiens d’ailleurs à saluer la performance d’accompagnateur de Jérôme Brajtman qui fait varier subtilement les différentes influences et couleurs données à ces standards de la musique populaire et classique, allant du jazz au flamenco, en passant par la bossa nova et le tango.

Le talent de la soprano Fleur Mino, tout aussi louable, réside dans cette capacité à passer très naturellement de Gabriel Fauré à Guy Béart avec un naturel confondant.

Bref, un joli moment musical, où simplicité rime avec authenticité et émotion, offert par un duo qu’on souhaite entendre à nouveau à l’occasion d’un futur enregistrement.

• Titre: Au bord de l’au, Mélodies et Chansons.
• Artistes : Fleur Mino (chant), Jérôme Brajtman (guitare).
• Format: PCM 24 bit / 96 kHz.
• Ingénieur du son: Luc Fourneau.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2023
• Genre: Chants classiques et populaires.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

C’est un répertoire qui a été souvent joué et enregistré, même si les enregistrements des dernières années n’ont pas vraiment marqué les esprits, à l’exception peut-être de la version de Philippe Herreweghe avec le Collegium Vocal Gent et l’Orchestre des Champs Élysées parue en 2011, ainsi que de la superbe performance live de Neeme Järvi pour Chandos tout début 2023. Herreweghe est sans doute pour moi l’exemple type de la clarté, et ces œuvres sont particulièrement appropriées à ce répertoire.

Mais ici, le sujet qui nous occupe est la cheffe polonaise Marzena Diakun à la tête d’une phalange et d’un chœur madrilènes.

« Schicksalslied » est parfois appelé le « Petit Requiem » car il partage de nombreuses similitudes stylistiques avec la composition chorale la plus ambitieuse de Brahms. 

Les caractéristiques romantiques du Schicksalslied confèrent cependant à cette pièce un lien plus étroit avec la « Alto Rhapsody » qu’avec le Requiem.

Cela ressort avec évidence dans l’interprétation de Marzena Diakun, alors qu’Herreweghe se veut plus liturgique, moins romantique qu’un Bruno Walter, pour faire un clin d’œil à une autre référence du répertoire.

La cheffe Marzena Diakun nous en livre ici une version particulièrement équilibrée, maîtrisant sa formation madrilène, qu’elle dirige depuis 2021. C’est une version subtile et musculaire à la fois. J’ai beaucoup apprécié la fusion organique du chœur et de l’orchestre, qui ne font quasiment qu’une seule entité. Je suis moins adepte des versions où les voix semble survoler l’orchestre : cela enlève une bonne partie de cette densité romantique pour confiner vers ce « petit requiem » qui n’est pourtant pas totalement le propos du compositeur ici.

Suivent quatre petits bijoux avec ces chants pour voix de femmes (avec harpe et 2 cors) que Brahms dédia à l’ensemble féminin qu’il créa et dirigea à Hambourg.

La prise de son permet de bénéficier d’une excellente balance instruments / voix. La transparence de l’enregistrement et de l’interprétation amène une clarté optimale pour une intelligibilité des paroles assez rare. Et puis ces voix de femmes sont de toute beauté !

Les six Valses Chants d’amour opus 52 sont originellement composées pour voix et piano. Cette version pour chœur et orchestre arrive pourtant à conserver cette pulsation ternaire avec une émotion intacte. C’est magnifiquement bien exécuté ! Amours déçus, idylles refoulées : la densité émotionnelle est à son comble.

Ô rage, ô désespoir avec cette Rhapsodie pour alto, chœur et orchestre (opus 53).

Il y a ici une grande dose d’amertume, alors que Brahms de voit éconduit par Julie, fille de Clara Schumann.

Mais il y a aussi un temps pour la renonciation, et l’œuvre nous offre un climat plus doux, pour ainsi dire apaisé.

La voix puissante de la mezzo Agnieszka Rehlis apporte une vraie dimension lyrique à cette rhapsodie. Le vibrato est néanmoins un peu trop marqué et systématique, ce qui limite la puissance émotionnelle de cette interprétation, et alors que la présence du chœur l’en dispenserait pleinement.

Mais l’orchestration est particulièrement réussie, arrivant à sonder la complexité de cette musique si intime.

Nänie opus 82 est une lamentation sur l’inéluctabilité de la mort, composition pour chœur et orchestre et adaptation d’un poème de Schiller.

On apprécie encore une fois la fusion manifeste entre l’orchestre et la chœur. Néanmoins, cette version adopte une tonalité plus sombre, plus douloureuse, avec une chorale plus contrastée entre les différentes tessitures, que les enregistrements plus lisses, misant davantage sur le thème de la beauté qui finit par s’éteindre progressivement, à l’instar de la performance de Claudio Abbado avec le Philharmonique de Berlin.

C’est donc une interprétation plus habitée que nous propose la cheffe Marzena Diakun, avec un chœur qui prend le pas sur la partie orchestrale, même si tout semble fusionner parfaitement. L’effectif instrumental est sans doute moindre par rapport à celui dont disposait Claudio Abbado, ce qui peut expliquer également la perspective sensiblement différente…

Le Chant des parques opus 89, dernière œuvre enregistrée sur cet album, s’inscrit dans la continuité de l’opus 82.

Le chœur reste omniprésent, et on ne distingue pas ces crescendos qui font la magie de la version d’Abbado pour Deutsche Gramophone. Abbado et le Philharmonique de Berlin restent à mon avis insurpassés dans ce registre.

Mais il réside dans l’interprétation de l’ensemble madrilène une forme de dramaturgie qui sied bien à l’œuvre, plus grave, moins lumineuse, plus tragique…

Peut-être que partir de Goethe pour arriver à ce que nous propose Brahms est finalement plus proche de ce que nous donne à entendre Marzena Diakun ?

Mais cela reviendrait également à cantonner Brahms à un élan dépressif alors qu’il a contribué à tellement de merveilleuses créations musicales…

Que dire aussi de l’interprétation d’un Gardiner avec le Monteverdi Choir qui sur le Chant des parques offre un chœur d’une lisibilité et d’une clarté exemplaire ?

Se pose vraiment alors la question de l’universalité de ce répertoire vocal et orchestral chez Brahms. La discographie abondante nous donne selon moi plusieurs clés de lecture.

Celle de Marzena Diakun ne manque de toute évidence pas d’intérêt.

• Titre: Brahms – Orchestral & vocal works.
• Artistes : Orquesta y Coro Comunidad de Madrid, Marzena Diakun (direction).
• Format: PCM 24 bit / 96 kHz.
• Ingénieur du son: Bertram Kornacher.
• Editeur/Label: IBS Classical.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Bacri, Duparc, Fauré : un trio de compositeurs post-romantiques français pour chanter les sentiments amoureux.

La voix de Roselyne Martel-Bonnal s’associe à celles des violons de Guillaume Latour et Tania Passendji, du violoncelle d’Hélène Latour, de l’alto de Maud Gastinel, de la contrebasse de Baptiste Andrieu et du piano de Lorène de Ratuld.

La soprano, arrière-petite fille du compositeur et organiste français Ermend Bonnal, semble particulièrement attachée à ce répertoire, après l’excellente performance de son précédent album « Reflets Solaires » sorti chez le même éditeur en 2020, et centré sur un autre trio de compositeurs : Bonnal, Chausson et Massenet.

En 2017, elle rencontrait d’ailleurs Michel Plasson pour les rôles de Thaïs de Massenet et de Louise de Charpentier.

C’est de cette expérience que germera en elle l’idée d’enregistrer un premier album de musique française… l’idée a fait son chemin depuis. 

La voix de la soprano est ici très naturelle, elle ne va pas chercher les étoiles et le vibrato assez large n’est pas exagéré, ni d’ailleurs l’articulation qui parfois me semble trop incisive sur certains enregistrements. Le mariage avec la section à cordes m’est apparu ainsi très cohérent. Pas de sifflante ni de grincements des violons qui restent soyeux en toutes circonstances.

Dans ces conditions particulièrement favorables, on se laisse aisément bercer par le chant des sirènes, et ces superbes textes tirés du répertoire de Baudelaire, de Verlaine ou encore de Victor Hugo.

Roselyne Martel livre ici une prestation pleine de douceur et d’intense luminosité. Elle parvient incontestablement à magnifier la poésie de ces œuvres post romantiques et impressionnistes de notre patrimoine, faisant preuve d’un sens remarquable de l’équilibre entre chant et accompagnement.

Un très joli moment musical.

• Titre: Bacri – Duparc – Fauré : Chants d’amour.
• Artistes : Roselyne Martel (soprano), Lorène de Ratuld (piano), Guillaume Latour (violon), Tania Passendji (violon), Maud Gastinel (alto), Hélène Latour (violoncelle), Baptiste Andrieu (contrebasse).
• Format: PCM 24 bit / 88,2 kHz.
• Ingénieur du son: Aurélien Marotte.
• Editeur/Label: Indésens / Calliope
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

La mezzo-soprano Sonja Leutwyler nous offre un second opus dédié aux trios voix, violon et piano. 

Comme dans le précédent album «Hymne à la beauté », sa sœur violoniste l’accompagne ainsi que le pianiste Benjamin Engeli.

La thématique de deuxième album est double : les mystères de la nuit et de la nature, mais aussi les compositrices du début du vingtième siècle.

S’il semble assez stérile de développer ces thématiques, il m’a semblé en revanche important de saluer cette voix puissante et ensorcelante, celle de Sonja Leutwyler, ainsi qu’un jeu au piano et au violon qui rivalise de prestance avec la chanteuse (il n’y a pour s’en convaincre qu’à écouter le superbe « Nocturne » de Lili Boulanger), pour former un vrai trio qui fonctionne à merveille.

Ajoutez à cela une belle prise de son, avec le juste niveau de réverbération, une excellente balance, et vous obtiendrez un candidat potentiel au Grand frisson.

L’essai est transformé par une sélection d’extraits musicaux originale, particulièrement expressive, et parfaitement interprétée.

Le compositeur Carl Reinecke est à l’honneur avec ses lieders opus 26 et ses liebeslieders opus 195. C’est un répertoire de toute évidence intime et maîtrisé par les interprètes. On ressent l’engagement des musiciens sans que cela devienne une guerre d’égo ni une mise en avant d’une cantatrice superstar. Les interprètes partagent de toute évidence la même passion pour ces œuvres, et la complicité est bien présente.

J’ai apprécié cette profusion d’expressivité et d’entrain dans le répertoire français de Cheminade et Saint-Saëns. La langue est également maitrisée et on passe de l’allemand au français sans que cela représente une rupture trop brutale.

Le choix des pièces courtes du Suisse Othmar Schoeck est également une jolie surprise. 

On se plaît à (re)découvrir les travaux du hongrois Erwin Schulhoff, et plus particulièrement ici « Drei Stimmungsbilder, Opus 12 », avec un très bel équilibre instrumental et rythmique, ainsi qu’une tension supérieure à l’enregistrement de Magdalena Kožená chez DG (sans doute trop réverbéré).

Que dire de la poésie d’Amy Beach, si bien restituée ici, avec un lyrisme si confondant. « A mirage » et « Stella viatoris » en sont deux magnifiques illustrations.

Enfin, si cet album regorge de pépites, le joyau de cet album est sans doute tiré du répertoire du compositeur contemporain germano-iranien Arash Safaian.

Les deux poèmes « Styx » et « Zur Nacht » sont tellement envoûtants que je les ai écoutés en boucle tout un après-midi.

Quelle voix, et quelle sens de l’éloquence !

C’est finalement un album assez indéfinissable, à l’instar de ces nuits secrètes qui doivent par définition garder leur part de mystère…

Et sans surprise, et sans grand mystère, cet album se voit récompensé de notre Grand frisson 2023. Un très beau disque !

• Titre: Secret Nights.
• Artistes : Sonja Leutwyler (chant), Astrid Leutwyler (violon), Benjamin Engeli (piano).
• Format: PCM 16 bit 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Andreas Werner.
• Editeur/Label: Solo Musica.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

Karol Beffa est un boulimique de la création musicale. Plus souvent attaché à la composition d’œuvres instrumentales, son album « Media Vita » fait ici la part belle à la musique vocale.

Ce nouvel opus regroupe des pièces composées entre 2010 et 2020 avec deux pièces chorales interprétées par le Chœur Media Vita sous la direction de Lionel Sow (“Media Vita” (2010) et “De Profundis” (2010)), deux cycles de mélodies (“Deux Poèmes de Guillaume Apollinaire” (2019), “Fragments of China” (2017)) et des pièces pour piano seul interprétées par Karol Beffa lui-même et servant souvent de liaison avec les pièces chantées.

La captation du piano est vraiment magnifique et l’alliance du clavier de Karol Beffa avec la voix cristalline de la soprano Jeanne Gérard sur les deux poèmes d’Apollinaire confine au sublime.

Les deux œuvres pour chorale jouent avec les ombres et les lumières. On aurait presque aimé pouvoir compter sur un effectif de chanteur encore plus vaste, afin que ces jeux d’ombres et de lumières soient encore plus fascinants.

Le cycle “Fragments of China” s’appuie sur des textes de la poétesse chinoise du XIIe siècle Lǐ Qīng zhào et interprétés par Jeanne Gérard. 

On obtient là une sorte de concentré d’un monologue d’une Cio-Cio San de Puccini, traversant à vive allure les différentes phases de l’amour et du désespoir. C’est en tout cas très joliment interprété, et je me répète à nouveau en faisant un parallèle entre cette luminosité limpide de la voix de la soprano et de celle du pianiste-compositeur qui met un point final à cet album avec un exercice très habilement réalisé, et consistant à reprendre les notes symbolisées par les lettres de son nom.

Un très bel album à mettre encore à l’actif d’un des plus brillants musiciens de notre génération.

• Titre: Media Vita.
• Artistes : Karol Beffa (piano et compositions), Jeanne Gérard (chant).
• Format: 24 bit / 96 kHz.
• Ingénieur du son: Studio Sextan.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Louanges sacrées et profanes du monde…

Un peu d’appréhension avant d’écouter la première piste de ce double CD, et puis finalement une belle surprise.

Oui, j’ai toujours peur en écoutant une création musicale apparemment inclassable de me trouver confronter à un patchwork vide de sens.

Cet album sort bien évidemment des sentiers battus, tout en les traversant sans cesse. Un projet hybride entre musique du monde et univers baroque. Et cela fonctionne plutôt bien, voire même étonnement bien.

Ce projet est servi il est vrai par une très belle voix, celle de la mezzo soprano (mais aussi pianiste) Clara Pertuy. Artiste éclectique s’il en est, cette jeune dame s’autorise en effet énormément de liberté avec néanmoins ici un fil conducteur, celui de la spiritualité.

Elle est accompagnée par l’accordéoniste et compositeur Jan Myslikovjan, avec qui elle forme un duo baptisé « D’or et de Paille ».

Les qualités d’arrangeur des deux artistes, leur goût pour l’improvisation et les musiques traditionnelles, en font un duo complice et complémentaire.

C’est donc avec un premier double album que ce duo nous invite à naviguer entre musiques sacrées et profanes, dans un élan global visant à célébrer la vie (Ayu en sanskrit).

Souvent j’ai eu l’occasion d’entendre un accordéon se substituer à un orgue pour évoquer le sacré, mais il faut reconnaître que la dimension spirituelle qu’insuffle Jan Myslikovjan avec son instrument est saisissante.

La virtuosité des deux interprètes n’a d’ailleurs d’égale que leur insatiable curiosité pour explorer toutes ces ambiances différentes qui se succèdent tout au long de ces 14 morceaux. La voix de Clara Pertuy joue les caméléons pour nous emmener dans un vrai périple musical.

Un joli moment inclassable pour se remémorer que la musique est une matière vivante. La louange improvisée Ayu en est une parfaite illustration ! 

• Titre: Ayu – Duo d’Or et de Paille.
• Artistes : Clara Pertuy (chant), Jan Myslikovjan (accordéon).
• Format: 16 bit / 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Paul-Antoine Patin.
• Editeur/Label: Psalmus.
• Année: 2022
• Genre: Inclassable.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

Le contre-ténor italien Carlo Vistoli nous emmène au pays de l’éloquence, faisant preuve d’une aisance et d’une musicalité peu communes.

Le chant de Vistoli est en effet d’une homogénéité remarquable sur l’ensemble de sa tessiture : des graves définis et des aigus d’une grande clarté, le naturel se mettant au service de l’éloquence.

Ce sont en effet cette précision remarquable ainsi que cette technique parfaitement maîtrisée qui permettent de dépeindre avec tant de justesse une grande palette de sentiments, de l’amour profane jusqu’à la noirceur du dépit amoureux et du désespoir.

Le programme de ce disque regroupe cinq cantates profanes, dont trois sont signées Haendel, composées pour la majorité durant son séjour en Italie.

Carlo Vistoli commence d’ailleurs par le morceau de bravoure, « La Lucrezia », presque un opéra version chambriste à elle seule.

Il y a beaucoup de justesse d’interprétation chez le contre-ténor italien qui réussit à faire passer chaque émotion de manière ostensiblement naturelle, sans exagération ou maniérisme.

On ressent tour à tour la tristesse de la femme violée, puis la colère et le désespoir qui la mènera au suicide.

Les deux autres cantates de Haendel n’ont jamais été enregistrées auparavant (constituant donc ici une première mondiale) et sont aussi moins pesantes : « Ninfe e pastori » annonce la couleur avec une ambiance bucolique dans le plus pur style italien de l’époque, et peut-être un meilleur équilibre entre chanteur et orchestre. Le concours de l’ensemble Le Stagioni contribue à l’épanouissement du chant, sans pour autant égaler l’instrumentation d’un William Christie et ses Arts Florissants (qui reste peut-être la référence absolue en la matière).

La dernière cantate de Haendel « Deh, lasciate e vita e volo » se veut plus lassive ou méditative, mais amène par ailleurs de chatoyants arias, et une forme de suave sensualité, presque vénéneuse…

La cantate « O se fosse il mio cor in libertà » fait partie d’un cycle de douze cantates dédiées par Porpora au prince-électeur de Hanovre et publiées en 1735. Elle vient s’inscrire assez logiquement après la dernière composition haendelienne. 

J’ai beaucoup apprécié la beauté des passages dédiés au violoncelle ainsi que les acrobaties vocales du dernier mouvement.

Cet album s’achève sur une cantate de Vivaldi «Pianti, sospiri e domandar mercede » qui fait partie d’un ensemble de huit cantates pour alto écrites vers 1730 et qui se démarque des compositions précédentes par son niveau de difficulté technique, voire par la qualité de pyrotechnicien vocal qu’elle requiert !

Carlo Vistoli démontre une dernière fois, si cela était par ailleurs nécessaire, une aisance singulière dans ce registre, développant des ornementations très sophistiquées et très pures à la fois.

Il y a une connivence évidente entre l’ensemble de musiciens et le chanteur, qui permet à cette interprétation de dépasser le stade de l’exercice de style pour livrer un festival d’émotions et d’intentions musicales. C’est bien cela qui fait la différence entre une prestation moyenne et une excellente performance. Objectif pleinement rempli pour La Lucrezia !

• Titre: La Lucrezia.
• Artistes : Carlo Vistoli (contre-ténor), Paolo Zanzu (clavecin), Marco Frezzato (violoncelle), Simone Vallerotonda (théorbe).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Giuseppe Maletto.
• Editeur/Label: La Musica.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): format CD uniquement.