Loan Cazal est un altiste français qui, s’il est sollicité comme alto solo par différents orchestres internationaux, ne délaisse ni l’orchestre de chambre, ni les collaborations permettant de mettre en lumière toute l’expressivité de son instrument de prédilection.

C’est assurément le cas de cet album paru chez Klarthe, mettant pleinement en valeur la chaleur des timbres et le lyrisme de cet instrument.

Pour l’occasion, Loan Cazal est accompagné de ses confrères de l’Ensemble Libertalia conduit par Nicolas Krüger, ainsi que par le pianiste Guillaume Masson dans la sonate pour violoncelle de Rachmaninov.

L’album débute par la « Sonata per la grande viola » en do mineur de Paganini.

C’est sans nul doute la partie la plus lyrique de cet enregistrement. Le violon alto Guadagnini de 1775 joue les ténors dans cette sonate pour alto et orchestre, particulièrement virtuose, dans le style typique du compositeur génois. Si la partition originale intègre une importante section d’instruments à vent, ici l’accompagnement est exclusivement fait d’instruments à cordes.

Le jeu de Loan Cazal est particulièrement généreux et on tombe immédiatement sous le charme de cette sonate concertante.

L’altiste continue avec une touche profondément romantique en interprétant la sonate pour violoncelle de Rachmaninov opus 19.

Si l’archet de Cazal reste particulièrement volontaire et engagé, le pianiste Guillaume Masson révèle un jeu tout en finesse.

L’osmose entre les deux interprètes est à son apogée dans l’Allegro scherzando. Je trouve que la balance piano – alto fonctionne même mieux par rapport au violoncelle. Sans doute l’expressivité de l’instrument de Loan Cazal permet-il d’apporter une dimension plus chantante, et moins sombre à ce second mouvement.

L’Andante nous amène d’ailleurs ce chant très pur et lyrique de la part des deux interprètes. C’est un moment quasiment magique, le temps en est presque suspendu.

L’Allegro mosso est en revanche un peu moins dynamique que certaines versions au violoncelle plus animées, à l’instar de celle enregistrée par Gautier Capuçon avec la pianiste Gabriela Montero pour le label Virgin Classics.

La Romance opus 85 en fa majeur de Max Bruch vient clore cet album.

Lyrique un jour, lyrique toujours ? L’éloquence de l’altiste reste bien présente dans cette œuvre du compositeur allemand, qu’il aborde d’ailleurs sur un tempo assez lent.

Les versions au violon sonnent assez maigres, voire un peu fades en comparaison. J’ai trouvé que l’alto représentait la tonalité idéale pour restituer cette œuvre, tout autant avec l’orchestre chambriste Libertalia ici, qu’en version réduite pour alto et piano sur d’autres enregistrements.

C’est donc au final une très jolie démonstration du pouvoir émotionnel du violon alto qui nous est donnée au travers de ces trois œuvres.

Et Loan Cazal emporte totalement notre adhésion autour d’une vision très humaine de son instrument, jouant pleinement la carte de la similitude avec la voix, comme certains violoncellistes aiment aussi à le faire. Un grand bravo.

Le chaos, c’est l’absence de structure, la désorganisation la plus complète.

Depuis Mahler, la perte de repères, les changements de direction incessants, la déstructuration de la musique peut éventuellement faire penser à cela.

Aussi, à quoi renvoie précisément la notion de chaos lorsqu’on se penche sur la musique de chambre de Haydn, Ligeti et de Fanny Mendelssohn ?

Le quatuor à cordes opus 20.5 de Joseph Haydn en fa mineur est le cinquième d’une série de six. Il est le reflet des tourments agitant le compositeur en 1772, ainsi qu’une forme d’écho de l’effervescence philosophique de cette fin de 18ème siècle.

Alors, « chaos » ou « auberge espagnole » ? J’ai l’impression que ce quatuor est en fait davantage un patchwork stylistique qu’une véritable référence à une quelconque réalité chaotique.

Le final et ses deux fugues en sont une parfaite illustration, clôturant une œuvre relativement déséquilibrée mais trouvant pourtant ses repères dans les différents courants stylistiques en vogue.

Le Chaos String Quartet fait usage d’une accentuation marquée, propre à souligner ces différents changements stylistique.

Les interprètes apportent à cette œuvre une urgence toute particulière, qui permet de l’aborder en comprenant mieux l’audace et la dimension dramatique qui la caractérisent.

C’est une lecture inhabituelle. Je ne saurais dire si elle est forcée ou surjouée, mais elle est en tous cas totalement captivante.

Je dois reconnaître que ce premier mouvement moderato m’a vraiment tenu en haleine tout au long de ces 11 minutes et trente-quatre secondes (ce qui est par ailleurs un tempo plutôt lent).

Le premier quatuor des « Métamorphoses nocturnes » de Ligeti est de toute évidence une évocation plus concrète du chaos. Le contraste avec le quatuor de Haydn est total.

Mais dans un second temps, on pourrait y trouver une forme de continuité, celle du patchwork stylistique. 

En effet, cette composition totalement disruptive fait se succéder, voire s’enchevêtrer, différents styles comme les chants et litanies du folklore hongrois, la valse, les pizzicati et les glissandi de l’univers de Bartok, et bien évidemment de nombreux clins éléments de la musique sérielle et contemporaine.

Tout ça rentre dans un kaléidoscope sonore sans ordre logique particulier.

La tonalité de l’œuvre est dans cette version plus sombre, un peu moins hypnotique ou obsédante que l’enregistrement du Quatuor Artemis chez Erato, pour ne citer que cette autre interprétation.

Le violoncelle impose ici sa tonalité en instaurant une atmosphère plus pesante, plus angoissante, certainement plus dramatique.

Le jeu des quatre musiciens est aussi plus fondu, moins aérien, plus massif.

Est-ce là une expression du chaos ou une volonté d’échapper à toute lecture plus ou moins académique d’une œuvre qui ne l’est sans doute pas vraiment… ?

Cet album se termine avec le seul quatuor à cordes jamais composé par Fanny Mendelssohn, le quatuor en mi bémol majeur H277.

Comme avec le quatuor d’Haydn, les interprètes mettent l’emphase sur les débordements, les changements de ton, à l’instar de cette romance qui passe de la guimauve au drame en l’espace de quelques mesures, ou de cet allegro final qui s’apparente à certains moments à une danse folle.

Il y a énormément d’énergie, de lâcher prise dans cette interprétation, c’est un fait indéniable, et le Chaos String Quartet nous emmène vers des horizons instables et changeants. 

À nous alors de lâcher prise !

• Titre : Chaos String Quartet : Haydn – Ligeti – Hensel.
• Artistes : Chaos String Quartet.
• Format: PCM 24 bit – 96 kHz.
• Ingénieur du son: Benedikt RoB.
• Editeur/Label: Solo Musica.
• Année: 2024
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

Cet album fait partie des effets secondaires du Covid. Les orchestres n’ayant pas le droit de se réunir pendant la pandémie, Yo-Yo Ma eut l’idée de « prendre la chance » de jouer des transcriptions des symphonies de Beethoven pour formation réduite.

Au programme les symphonies de Beethoven 2 et 5. La transcription pour trio de la symphonie 2 a été écrite par Ferdinand Ries, élève de Beethoven , celle de la symphonie 5 par Colin Matthews.

Cependant, ni Ries ni Matthews n’ont le génie de Liszt quand ce dernier transcrit la cinquième symphonie pour piano seul! Bien sur, on aurait pu s’attendre à ce que 3 musiciens émérites transcendent ces transcriptions pour en faire jaillir le génie de Beethoven. Mais hélas, à mon avis, cela n’a pas été le cas.

Yo-Yo Ma, Emanuel Ax et Leonidas Kavakos nous livrent une interprétation plutôt « conventionnelle ». La pulsation y est faible, l’articulation un peu plate, les contrastes modérés. On a presque l’impression que les musiciens s’excusent d’éventuellement nous déranger pendant notre sieste. On est à des années lumière de la pulsation d’un Toscanini ou plus récemment d’un John Elliot Gardiner, ou d’un Cyprien Katsaris au piano seul dans la transcription de Liszt. S’il y a bien un compositeur dont la musique est écrite pour déranger et surprendre, c’est bien Beethoven. J’aurais préféré que ce Trio me bouscule un peu plus. La musique de Beethoven est souvent brutale, mais notre monde est déjà tellement brutal qu’il est peut-être délicat d’en rajouter.

La prise de son est bonne en terme de timbres, avec la volonté visible de « ‘centrer » piano et violoncelle tout en confinant le violon à gauche.

• Titre: Beethoven for Three
• Artiste : Leonidas Kavakos violon, Emanuel Ax piano, Yo-Yo Ma
• Format: CD, PCM 24/96
• Ingénieur du son: NC
• Editeur/Label: Sony Classical
• Année: 2022
• Genre: Classique
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel

Cet album est paru en 2019, il ne s’agit donc pas d’une « actualité ». J’ai néanmoins souhaité en parler parce qu’il s’agit d’un album exceptionnel et magistral de tous points de vue.

Ce Divertimento K563 est une oeuvre un peu atypique de Mozart. Il reprend la forme des compositions « galantes » des débuts de Mozart, musique d’ascenseur dirait-on peut-être aujourd’hui, puisque qu’elle était destinée à être jouée pendant que les « Princes » déjeunaient ou discutaient, pour les divertir, comme la « Petite Musique de Nuit ». Mais ce Divertimento a été écrit la même année que les trois dernières symphonies, il comporte 6 mouvements d’une durée totale de plus de 40 minutes. L’écriture en est d’une apparente simplicité, mais en fait d’une richesse inouïe.

Si la musique pour orchestre s’ajuste au centimètre, la musique de chambre doit s’ajuster au millimètre. Avec le Trio Taus, l’ajustement n’est simplement pas mesurable. La texture sonore et les équilibres d’un trio sont épouvantables à décider et à réaliser. Il suffit d’écouter cette Master Class à Juilliard School pour le percevoir, y compris pour des « non musiciens ».

Les trois jeunes femmes qui composent le Trio Taus ont une maturité incroyable et finalement surprenante vis à vis de leur âge. Leur discours musical, leur façon de mener les phrases individuellement, sont d’un tel naturel et d’une telle spontanéité qu’on oublie que l’on écoute finalement une oeuvre plutôt complexe. Quant aux dialogues musicaux, les échanges entre instruments, les soutiens harmoniques ou rythmiques des unes par rapport aux autres, on assiste à une mise en scène parfaite, sans finalement que l’on s’en rende compte à l’écoute, tant tout cela est naturel.

On est donc en présence d’une oeuvre exceptionnelle et de trois musiciennes exceptionnelles. Rajoutez-y un ingénieur du son exceptionnel, Morten Linberg de 2L, une prise de son magistrale dans l’église Sofienberg en Norvège, et on peut comprendre pourquoi j’ai souhaité écrire un article sur cet album auquel j’attribue naturellement la mention Grand Frisson.

• Titre: Mozart Divertimento K563
• Artiste : Trio Taus, Liv Hilde Klokk violon, Ida Bryhn alto, Torun Sæter Stavseng violoncelle
• Format: CD, SACD, PCM 24/44, 96, 192, 352, DSD x1, x2, x4, x8 et 5 canaux
• Ingénieur du son: Morten Lindberg
• Editeur/Label: 2L
• Année: 2019
• Genre: Classique
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel

Encore un compositeur méconnu , source une fois de plus d’un nombre impressionnant d’interprétations inédites au disque : en effet, sur les douze œuvres regroupées dans cet album, pas moins de huit n’avaient jamais été enregistrées. 

Difficile alors de se forger une opinion circonstanciée de la valeur du travail des interprètes. Reste la musique et l’écriture. Nous irons donc à l’essentiel, les impressions très personnelles ressenties à l’écoute de ce répertoire.

Lorsqu’on écoute les compositions de Philippe Gaubert, on pense inévitablement à Gabriel Fauré et aux autres compositeurs français de cette époque. Ce compositeur, également flûtiste et chef d’orchestre, a d’ailleurs été un ami proche de Maurice Ravel avec lequel il partageait un profond attachement au Pays basque.

Sa musique s’inscrit ainsi dans ce courant élégant, où l’intelligence de l’écriture rivalise avec l’humour et la légèreté de ton ou bien encore avec un certain sens de la mise en scène.

Cet album « Miniatures » regroupe un ensemble de compositions de musique de chambre, dont une part importante est dédiée sans grande surprise à la flûte. On trouve néanmoins certaines pièces écrites pour violon alto et piano, des chansons (pour se consoler d’être heureux !), et même un Cantabile et Scherzetto pour cornet à pistons et piano !

Il y a en ce qui me concerne moins de puissance émotionnelle chez Gaubert que dans la musique de Fauré, et bien que le premier semble s’être largement inspiré du style du dernier.

Je dirais que Gaubert reste un peu plus en surface, dans une élégance et une clarté assez constante. On cherche à un moment la fêlure mais on ne la trouve pas vraiment.

Difficile aussi de rivaliser avec ses monstres sacrés contemporains…

Cela n’empêche pas pour autant de distinguer dans cette programmation quelques jolies pépites ainsi que, plus globalement, une grande dose de poésie.

La Fantaisie Fugue pour flûte et piano en regorge. C’est une première mondiale dans le sens où ont été enregistrées jusqu’à présent l’édition finale mais pas le manuscrit original. On pense notamment à la belle interprétation de Vincent Lucas dans un best of de 2015…

Il y a en effet une belle part de délicatesse et de rêverie dans cette musique. Le poème élégiaque pour alto et piano en est un parfait exemple.

Mais d’autres facettes plus complexes de ces compositions sont également représentées, à l’instar des deux poèmes de Paul Arosa pour soprano et piano, interprétés par la pianiste Laurence Disse et la soprano Marie-Louise Duthoit.

Ces deux œuvres présentent en effet un tout autre niveau de complexité harmonique. Elles on été en l’occurence composées pour la chanteuse Hilda Roosevelt, soprano lyrique et parente de Théodore Roosevelt.

La suite pour flûte et piano reste selon moi le point central de ce disque. La perspective ravelienne impulsée par Vincent Lucas (toujours dans la même compilation de 2015) donne plus de force à l’œuvre. Ici, la flûte de François Bru se veut plus vagabonde, moins fusionnelle avec le piano. Cela accentue le côté poétique mais cède un peu de terrain du côté de l’émotion ressentie par l’auditeur.

Au final, ce disque représente un joli périple dans l’univers de la musique de chambre et pour flûte d’un compositeur injustement oublié et que nous offre ici Calliope, la fraîcheur des versions historiquement informées en prime !

• Titre: Philippe Gaubert – Miniatures.
• Artistes: Marie-Louise Duthoit (soprano), François Bru (flûte), Eric Aubier (cornet), Benoît Marin (alto), Laurence Disse (piano), Pascal Gallet (piano), Ariane Gendrat (piano), Catherine Legrand (piano).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz
• Ingénieurs du son: Gérard Guilloury.
• Editeur/Label: Calliope.
• Année: 2021
• Genre: Musique classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): format CD uniquement.

Cette intégrale de duos pour piano et cordes de Camille Saint-Saëns publiée par le label Ad Vitam fait écho au centenaire de sa mort et s’attache à mettre en lumière un répertoire chambriste, moins populaire peut-être que le reste de son œuvre. C’est donc un triple album que nous propose Ad Vitam records, regroupant l’ensemble Le Déluge et l’insatiable Laurent Wagschal, qui entreprend un marathon pianistique de 21 duos avec violon et violoncelle.

Au violoncelle, on retrouve l’excellente Pauline Bartissol, et au violon le trio Ayako Tanaka, Sébastien Surel, Pierre Fouchenneret.

Cette musique de chambre est particulièrement exigeante d’un point de vue technique. Cette intégrale a d’emblée le mérite de nous faire prendre conscience de la complexité des compositions de Camille Saint-Saëns, et de la sensibilité ainsi que du romantisme dont elles regorgent.

D’entrée de jeu, avec la 1ère sonate en ut mineur opus 32 pour piano et violoncelle, puis la 1ère sonate en ré mineur opus 75 pour piano et violon, les duettistes font preuve d’une énergie particulièrement convaincante. Le violoncelle et le piano semblent se relancer constamment l’un l’autre. Idem avec le violon d’Ayako Tanaka.

Ce ne sont sans doute pas les sonates les mieux enregistrées, ni les plus spectaculaires, mais on y trouve un feu intérieur qui semble perdurer tout au long de cette intégrale, et qui donne cette vitalité et ce rythme si important dans la musique de chambre. 

Dans le troisième mouvement Allegro moderato de la 1ère sonate pour piano et violoncelle, on apprécie le chant et l’équilibre qu’apportent les interprètes. On évite ici à coup sûr la caricature des mouvements d’archet trop appuyés, et également celle d’un phrasé au piano trop mécanique noyant la ligne mélodique du violoncelle.

Au même titre, la 1ère sonate pour piano et violon présente ce bel équilibre. Même si techniquement au violon, on est loin du monument que représente Jascha Heifetz dans son enregistrement avec Emanuel Bay, la part dédiée au piano de Wagschal est bien plus importante que celle attribuée à l’accompagnateur russe.

Et puis, il y a cette impression de sans cesse progresser et aller de l’avant, on sent que les duettistes veulent nous emmener quelque part.

La fameuse romance en fa majeur opus 36 interprétée en duo se libère de la relative pesanteur d’un accompagnement orchestral, pour s’installer dans une dimension plus schubertienne.

Le « sarabande et rigaudon » opus 93 est joué sur un tempo particulièrement lent, invitant pour moi davantage au recueillement qu’à la danse. Je leur préfère néanmoins la version assez récente et plus chantante du tandem Clamagirand / Cohen parue chez Naxos en 2013.

Difficile exercice de limiter le prélude du Déluge au seuls piano et violon. Cette transcription donne aussi une vision assez différente de la version orchestrale, et de celle pour orgue.

Je ne connaissais pas cette adaptation et j’avoue avoir été agréablement surpris par l’éloquence et la dramaturgie qui ressortent du violon de Pierre Fouchenneret dans l’Adagio, autant que par son lyrisme et son vibrato dans l’Andantino.

C’est Pierre Fouchenneret qui poursuit sur sa lancée avec la deuxième sonate pour piano et violon en mi bémol majeur opus 102.

On retrouve cette fusion entre violon et piano déjà appréciée sur la première sonate. C’est tout l’intérêt de cette interprétation et du travail de Laurent Wagschal. Le violon star ne vient pas ici occuper tout le devant de la scène, et le piano insuffle l’élan vital qui permet au duo d’aller de l’avant de bien charmante façon.

C’est pour moi la version de l’équilibre. Sur le scherzo vivace, les deux instruments jouent à l’unisson, comme si le chant de cette sonate les portait vers une seule et unique direction. L’interprétation pleine de légèreté et d’entrain de Laurent Wagschal est une pure merveille.

Après une berceuse pour violon, une romance puis un chant saphique pour violoncelle, et une élégie pour violon, la seconde sonate pour piano et violoncelle en la majeur opus 123 nous est servie avec une extrême délicatesse et un parfait contrôle. Autant j’ai pu apprécier la récente performance de Christian Poltera et Kathryn Stott parue en 2009 pour le label Chandos, dans une captation un peu plus lointaine et réverbérée, autant j’apprécie la progressivité du couple Wagschal Bartissol dans le Maestoso Largamente. Et puis il y a aussi cette sonorité pleine du violoncelle qui s’apparente vraiment à la voix humaine, un son indéniablement plus chaleureux.

Le Scherzo con variazioni est beaucoup plus nerveux ici que sur l’album Chandos, avec un échange bien plus intense, concertant et tourbillonnant. 

La Romance du troisième mouvement concède en revanche la victoire à Christian Poltera, dont la sensibilité et le vibrato représentent toujours à mes oreilles un véritable enchantement. 

Le dernier mouvement, Allegro non troppo, reste certainement plus équilibré sur cet enregistrement d’Ad Vitam Records et ne manque pas d’entrain, avec une sonorité très organique du violoncelle, ce qui fait au global de cette sonate une belle réussite. On aurait juste aimé une romance plus vibrante et inspirée.

Suit une troisième sonate pour piano et violoncelle et un andante sostenuto d’une grande délicatesse, empli de poésie et évitant tous les pièges d’un maniérisme ou d’un épanchement excessif.

Le troisième et dernier disque de cette intégrale abrite deux petits joyaux, le triptyque pour violon et piano opus 136, mettant en scène Sébastien Surel, et la Suite pour violoncelle et piano opus 16.

Il y a beaucoup de respiration dans le triptyque qui démarre selon moi avec le juste tempo, sans donner l’impression de vouloir aller trop vite, et qui permet ainsi de renforcer le lyrisme du violon, tout en installant une belle complicité entre les deux interprètes. L’accompagnement de Laurent Wagschal se veut à la fois sobre et élégant.

En comparaison, l’enregistrement de CPO réunissant Ulf Wallin et Roland Pöntinen, bien que particulièrement bien enregistré, ne délivre pas la même puissance émotionnelle, ni la même interaction entre violon et piano.

Enfin, la Suite pour violoncelle et piano opus 16 est une adaptation de l’original pour violoncelle et orchestre. Je trouve que la transcription pour piano fait inéluctablement perdre de la force à cette composition et l’équilibre entre soliste et accompagnateur n’est pas forcément toujours présent. Il manque clairement dans le prélude, mais est en revanche quasi parfait dans la Sérénade.

La Romance quant à elle, et sans son orchestre, devient un peu moins romantique, mais pas tant que ça… il en ressort un magnifique équilibre, une éloquence et une mise en valeur du jeu tout en nuances de Pauline Bartissol. Et que dire du bouillonnant final ?une pure merveille !

Mais s’il faut pour conclure rendre à César ses lauriers, on reconnaîtra que c’est Laurent Wagschal qui fait office de véritable colonne vertébrale à cette très recommandable intégrale, servie de surcroît par des interprètes de grande classe. C’est lui qui amène cette articulation, ce chant et cette pulsation qui font qu’on voyage d’un bout à l’autre de ce petit marathon musical de 3 heures et 30 minutes sans voir le temps passer.

Plus que recommandable, je dirais indispensable !

• Titre: Camille Saint-Saëns : Duos pour piano et cordes.
• Artistes: Laurent Wagschal (piano), Pauline Bartissol (violoncelle), Pierre Fouchenneret (violon), Sébastien Surel (violon), Ayako Tanaka (violon).
• Format: PCM 16 bit, 44,1 kHz
• Ingénieur du son : Julien Reynaud.
• Editeur/Label: Ad Vitam Records.
• Année: 2021
• Genre: Classique
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.