Cette nouvelle version du quatrième opéra de Richard Strauss met l’accent sur la fidélité au texte original, c’est-à-dire sans les coupures traditionnelles. 

C’est une distribution totalement germanique, emmenée par le jeune chef, mais déjà pleinement confirmé, Julien Salemkour. En effet, il a reçu en 2011 le titre de Staatskapellmeister (directeur musical) au Staatsoper de Berlin, une distinction accordée auparavant seulement à Herbert von Karajan et Sebastian Weigle. 

Julien Salemkour a dirigé notamment Turandot au Metropolitan Opera New York, Le Lac des cygnes à la Scala de Milan, Die Zauberflöte, Il Barbiere di Siviglia, Rigoletto au Semper Oper de Dresde, et Salomé avec la Philharmonie d’Israël. Il a dirigé plus de deux cents opéras au Staatsoper de Berlin depuis 2003.

On découvre ou redécouvre également l’excellente Barbara Krieger dans le rôle-titre, une artiste récemment célébrée dans les rôles d’Elektra, de Fidelio-Leonore et d’Isolde. D’autres interprètes de renom de Strauss viennent enrichir cette prestigieuse distribution, à l’instar d’Astrid Weber, Sanja Anastasia et Jochen Kupfer. À souligner également Le ténor Sotiris Charalampous qui fait des débuts remarqués dans le rôle d’Aegisth. 

L’enregistrement se caractérise par une fidélité sans compromis à l’oeuvre, qui permet de vivre pleinement , voire intégralement, le chef-d’oeuvre de Richard Strauss. 

Tous les passages qui sont habituellement annulés, et essentiels pour comprendre l’oeuvre et sa puissance, ont été ici enregistrés. 

Mais c’est surtout l’excellente balance entre voix et orchestre qui contribue pleinement au plaisir d’écoute.

C’est d’autant plus remarquable que cet enregistrement initié en pleine pandémie Covid 19 a été enregistré séparément entre orchestre et chanteurs.

Ainsi, l’orchestre devait d’abord être enregistré, et les solistes ont chanté ensuite leurs parties sur l’enregistrement orchestral existant. Cela a permis à un certain nombre d’artistes internationaux d’être réunis en dépit des conditions de confinement imposées par la pandémie mondiale.

Et pourtant, l’illusion du spectacle vivant fonctionne totalement sur cet enregistrement, preuve que la qualité technique est irréprochable.

Le chef d’orchestre et l’équipe de production offrent ainsi aux chanteurs un espace de chant et de respiration particulièrement appréciable. 

Et puis, le jeu des contrastes, entre obscurité et clarté, permettent à cette version de conserver toute l’intelligibilité du texte alors que l’atmosphère, dans laquelle on se trouve immergé, est complètement sombre et inquiétante. 

C’est d’ailleurs ce que souhaitait Richard Strauss, qui aurait toujours bataillé contre une trop forte omniprésence de l’orchestre dans cette œuvre dont l’instrumentation est sans doute la plus fournie de ce qu’il a jamais composé.

Et bien, force est de constater que le résultat est à la hauteur de la complexité de cet opéra en un acte.

Barbara Krieger est par ailleurs une Elektra forte, éloquente, parfois grandiose, faisant preuve preuve d’une énergie et d’une verve impressionnante. Ses partenaires au chant sont tout aussi convaincants et l’orchestration est également à la hauteur de cette distribution.

Ne boudons-donc pas notre plaisir. C’est une excellente version, à écouter d’urgence pour tous les amateurs d’opéra, car elle tiendra sa place dignement au sein d’une discothèque straussienne !

• Titre : Gesamtaufnahme – ELEKTRA Op.58.
• Artistes : Barbara Krieger, Sanja Anastasia, Astrid Weber, Jochen Kupfer, Sotiris Charalampous, Orchestre Experience, Julien Salemkour (direction).
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieur du son: Moritz Bergfeld.
• Editeur/Label: Solo Musica.
• Année: 2025.
• Genre: Opéra.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Avec ce nouvel enregistrement de Madama Butterfly de Puccini, le chef octogénaire Lawrence Foster revient à la tête de l’Orchestre de la Fondation Gulbenkian dont il fut le chef entre 2002 et 2013. C’est aussi l’occasion pour lui de retrouver la cantatrice américaine Melody Moore dans le rôle-titre, avec laquelle il avait déjà enregistré Otello de Verdi et La Fanciulla del West du même Puccini pour le label Pentatone. 

Tout le monde ne se passionne pas forcément pour l’opéra au disque et beaucoup préfèrent le live, ou considèrent que la seule dimension sonore ne peut arriver à recréer l’émotion du spectacle vivant et visuel qu’est l’opéra.

Je pense pour ma part que cet abandon du visuel nécessite a minima une prise de son favorisant une image stéréo tridimensionnelle crédible. C’est bien évidemment l’apanage des enregistrements modernes et de certains enregistrements en studio, qui permettent d’optimiser la prise de son, mais qui sont également devenus un luxe aujourd’hui au regard du public moins nombreux et du coût d’une telle production.

Il y a aussi l’osmose technique entre les chanteurs et l’orchestre qui entre en ligne de compte et qui disqualifie parfois certaines prises de son live.

C’est pour cela que j’adore la version studio de Karajan avec Mirella Freni et Luciano Pavarotti. 

La fusion entre l’Orchestre Philharmonique de Vienne et les chanteurs est de tout premier ordre, quitte à reprocher à Karajan une vision trop esthétique et pas assez théâtrale. Je suis néanmoins d’avis que le théâtre doit rester au théâtre, et que le chef doit s’adapter au médium pour recréer une émotion, dut-elle être différente de celle originale.

L’enregistrement de ce nouvel opus a été réalisé à Lisbonne, à l’été 2019, avec une distribution internationale avec Stefano Secco dans le rôle de Pinkerton, le baryton Lester Lynch dans le rôle de Sharpless, et la soprano Elisabeth Kulman dans celui de Suzuki, la servante de Cio-Cio San. 

Cette nouvelle version, à l’instar de celle de Karajan avec l’Orchestre Philharmonique de Vienne, fait la part belle à l’orchestre et à la plastique sonore.

L’air de « Ah ! Ah ! quanto cielo… Ancora un passo o via » restitue cette magie de l’apparition de Cio-Cio San. Si le chant de Melody Moore n’est pas aussi envoûtant que celui de Mirella Freni, le chœur est plus présent, moins diaphane, que dans la version de Karajan. 

La qualité de l’image stéréo est également d’excellente facture, supérieure même à la version Karajan Pavarotti Freni.

L’orchestre ne parvient pas tout à fait au même niveau fusionnel avec les chanteurs mais semble parfois, notamment dans le « Gran Ventura » suivant, mieux ponctuer les chants des différents protagonistes.

« Un bel di vedremo » reste un moment jouissif de la collaboration Freni / Karajan, la fusion entre l’orchestre et la soprano étant tout simplement magique. On se trouve dans le bel canto le plus pur qui soit.

Difficile aussi de passer après un tel monument musical. Néanmoins, Melody Moore délivre davantage d’émotion, un chant plus naturel, moins coloré que celui de Mirella Freni.

Certes, la puissance de Karajan semble incommensurable, mais la respiration et le naturel, sans doute l’intention également, me semblent plus justes dans cette dernière version de Lawrence Foster.

Peut-être tout simplement la prestation de Moore est un juste équilibre entre la volupté sonore de Freni et la théâtralité de Maria Callas… Elle incarne une Cio-Cio San plus fragile, certainement plus humaine et moins cette icône inaccessible qu’on imagine trop souvent dans ce rôle.

« Bamba dagli occhi pieni di malia » met en scène un Pinkerton plutôt convaincant en la personne de Stefano Secco.

C’est un beau duo, encore une fois très équilibré, avec sans doute un vibrato un peu trop large chez Melody Moore, mais cette caractéristique parvient aussi à amener bien souvent ce supplément d’humanité.

L’orchestration m’a semblé un brin timide, notamment en comparaison de l’enregistrement d’Erich Leinsdorf avec Leontyne Price et Richard Tucker qui reste pour moi une des meilleures références sur ce passage bien précis.

La scène finale est à mes oreilles une des meilleures que j’ai pu écouter jusqu’à présent. Si on devait retenir ce dernier extrait pour donner un ressenti général sur la performance de Melody Moore, la cohérence et la qualité de la prise de son, ainsi que l’humanité, la fragilité et le désespoir de Cio-Cio San en sortiraient sans doute vainqueurs.

Car c’est bien ce naturel, ce drame relaté sans y apporter une dose de théâtralité excessive, qui séduisent à l’écoute de cet enregistrement de Lawrence Foster. Une version de la maturité ? C’est a priori dans les cordes du chef d’orchestre, et ce qu’on retiendra de cet enregistrement parfaitement bien capté.

• Titre: Puccini – Madama Butterfly.
• Artistes : Lawrence Foster (direction), Orchestre et Choeur Gulbenkian, Melody Moore, Stefano Secco, Elisabeth Kulman, Lester Lynch.
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz
• Ingénieur du son: Lauran Jurrius.
• Editeur/Label: Pentatone
• Année: 2021
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Voilà qui peut paraître banal, voire même un tantinet ringard, de jouer des transcriptions d’airs d’opéras archi connus pour violoncelle. Ophélie Gaillard est cependant là pour nous rappeler qu’un instrument à corde peut lui aussi chanter, et que le chant, quel que soit le vecteur au travers duquel il s’exprime, est l’essence même de la musique. Le violoncelle est sans doute d’ailleurs l’instrument dont la tessiture se rapproche le plus des cordes vocales.

Cette aventure opératique permet donc de passer en revue les plus beaux airs de Mozart à Offenbach, en passant par Puccini, Donizetti, Verdi, ou bien encore Tchaikovsky.

Et même lorsqu’on s’appelle Ophélie Gaillard, « tenter de sculpter chaque mot au gré des inflexions de l’archet, épouser chaque mouvement de l’âme pour dire l’indicible » relève du plus grand optimisme. Car c’est là qu’on s’aperçoit que la puissance émotionnelle d’une voix, l’infinie palette de nuances qu’elle peut offrir, est difficilement égalable par un instrument de musique, même un violoncelle.

Il n’en reste pas moins que l’interprète réussit le tour de force de s’adapter aux différents styles lyriques. Certains y verront un hommage aux plus beaux airs d’opéra, d’autres y verront davantage une performance technique et artistique. 

J’y vois personnellement un manifeste amoureux, celui dédié à son instrument et à sa sonorité pleine, mais aussi celui à un patrimoine culturel, celui de l’art lyrique dans sa représentation la plus populaire. On tombe en effet vite sous le charme de l’éloquence d’une violoncelliste qui dose juste, sans trop en faire, sans appuyer l’archet de façon excessive, écueil sur lequel aurait pu sombrer (n’y voyez aucune animosité personnelle) un Yo Yo Ma, mais qui est très élégamment esquivé par Mme Gaillard, conservant ainsi l’élan et la fraîcheur nécessaires à l’épanouissement de ce répertoire.

J’ai été assez surpris finalement d’entendre, au neuvième extrait, cette continuité instrumentale interrompue par la voix de Don Carlo, via le passage éclair de Nahuel Di Pierro.

Ces transcriptions ont également le mérite, ou du moins la caractéristique, de rendre le dialogue soliste / orchestre plus fusionnel que dans une interprétation conventionnelle. Et la connexion entre l’Orchestre de chambre Morphing de Vienne, conduit par Frédéric Chaslin, et Ophélie Gaillard m’a semblé excellente.

Un disque qui ravira très certainement les amateurs du genre.

• Titre: Cellopera
• Artiste: Ophélie Gaillard (violoncelle), Morphing Chamber Orchestra, Frédéric Chaslin (direction). 
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz
• Ingénieur du son : Nicolas Bartholomée (Little Tribeca).
• Editeur/Label: Aparté.
• Année: 2021
• Genre: Classique
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.