L’Orchestre du Minnesota et son directeur musical, Thomas Søndergård, explorent le répertoire de Thomas Adès, compositeur et chef d’orchestre britannique. 

La Symphonie de l’Ange exterminateur – enregistrée en première mondiale – est une suite symphonique d’une vingtaine de minutes tiré de l’opéra du même nom créé en 2026 « The Exterminating Angel ». Cette suite a été créée aux Proms le 5 août 2021 et jouée en octobre de la même année à la Maison de la Radio et de la Musique.

C’est une œuvre puissante et sombre, basé sur la folie d’un couple, piégeant ses hôtes en les maintenant enfermés dans un salon sans aucun espoir de pouvoir s’en échapper.

L’orchestre du Minnesota exprime à merveille cette histoire angoissante et totalement folle. Pas forcément si simple que de faire naître le juste niveau de tension permettant à l’auditeur de visiter rapidement cet opéra.

Le quatrième et dernier mouvement faisant naître une sorte de valse infernale et funèbre est totalement saisissant de dramaturgie.

On se croirait presque au cinéma. La prise de son est à ce titre plutôt remarquable.

L’utilisation des ondes Martenot (instrument de musique électronique) rajoute à la dimension fantastique de l’œuvre.

Le Concerto pour violon, sous-titré « Chemins concentriques », est une œuvre pour violon solo et orchestre de chambre.

Commandée conjointement par le Festival de Berlin et l’Orchestre philharmonique de Los Angeles grâce au soutien financier des philanthropes Lenore et Bernard Greenberg, elle a été composée pour le violoniste Anthony Marwood, qui en a donné la première mondiale avec l’Orchestre de chambre d’Europe à Berlin le 4 septembre 2005.

Ici, c’est la violoniste canadienne Leila Josefowicz qui vient électriser l’atmosphère d’une œuvre déjà très tourmentée.

La soliste fusionne parfaitement avec l’orchestre, et le travail de prise de son est encore une fois excellent, offrant une grande clarté ainsi qu’une belle dynamique, venant souligner l’extraordinaire précision de cet orchestre.

Cet enregistrement constitue finalement une très belle occasion de découvrir ou redécouvrir l’univers de Thomas Adès grâce à une production soignée et un chef d’orchestre particulièrement inspiré. Un très bon disque.

• Titre : Adès : Violin Concerto & the Exterminating Angel Symphony.
• Artistes : Leila Josefowicz (violon), Minnesota Orchestra, Thomas Sondergard (direction).
• Format: PCM 24-bit, 96 kHz.
• Ingénieurs du son: Michael Osborne, Jay Perlman, Thomas Garneau.
• Editeur/Label: Pentatone.
• Année: 2025.
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

La violoniste suisso-russe Maria Solozobova rencontre la pianiste Martha Argerich pour la seconde fois, après avoir joué ensemble la sonate en do mineur de César Franck. 

Cette seconde rencontre s’est conclue par un enregistrement live à la Tonhalle de Zurich de la Sonate opus 47 de Beethoven et la Sonate n° 2 en ré majeur opus 94a de Prokofiev. 

La sonate opus 47 de Beethoven, appelée communément « Sonate Kreutzer » est une sonate virtuose.

Choc des générations ou émulation propre à la façon dont Martha Argerich mène ses duos, la jeune violoniste prend la lumière avec une confiance bien affirmée ou une prise de risque délibérée (sans doute un peu des deux).

Martha Argerich ne s’en laisse pas compter et relance la violoniste avec autant de vigueur. 

C’est sur un rythme effréné que ce duo progresse tout au long des trois mouvements de cette neuvième sonate. J’ai été abasourdi à certains moments par la synchronisation démoniaque des deux musiciennes. 

Duo ou duel ? Je répondrais « Duo » car le courant passe assurément entre les deux musiciennes. On a l’impression qu’elles prennent même un infini plaisir à jouer ensemble…

L’entrain manifeste de la pianiste argentine est globalement similaire à celui de son enregistrement antérieur de la « Kreutzer » avec Isaac Perlman, avec peut-être ici un soupçon de nervosité en plus. Martha Argerich l’a beaucoup enregistrée, cette sonate, et celle avec Gidon Kremer pour DG est également excellente.

Et si le tempo de ce nouvel enregistrement dans le final semble plus lent que ceux usités en général, on ressent cette impulsion, cette réciprocité chez les deux interprètes, chacune relançant l’autre tour à tour.

La générosité de Martha Argerich autorise sa partenaire à évoluer librement, tout en se sentant galvanisée, en donnant sans doute le meilleur d’elle-même. C’est bien la force de cette grande pianiste, celle de tirer vers le haut, de faire toucher les étoiles à ses partenaires…

Et puis il y a cette précision, cette puissance émotionnelle qui n’appartient qu’à elle et qui semblent intactes, comme aux premiers jours, et malgré ses 82 printemps.

La sonate pour violon et piano en ré majeur opus 94 de Prokofiev est une adaptation de celle initialement composée pour flûte et piano. Prokofiev l’a transformée en une sonate pour violon à la demande de son ami, le violoniste David Oistrakh.

Maria Solozobova démontre une maîtrise absolue de son art, nous livrant un scherzo flamboyant.

L’Andante est pleinement tempéré. J’ai vraiment apprécié le fait que le violon n’en fasse pas trop et reste dans une juste intensité, accompagné par un piano tout aussi mesuré et précis. J’avoue que je craignais un peu l’excès de pathos sur ce troisième mouvement, mais il n’en est rien, bien au contraire…

L’allegro con brio est tout bonnement superbe, magistralement interprété par ce duo. 

C’est un tempo plus vif, plus nerveux, que celui de l’interprétation de la même pianiste en 1992 avec Gidon Kremer pour DG. 

A cette époque , la balance violon / piano semblait plus équilibrée, alors que cette dernière version favorise davantage le violon. Mais le jeu de Martha Argerich est ici surprenant de précision. Je n’ai pas réussi à percevoir le plus petit décalage entre les deux musiciennes. Il y a un parfait équilibre entre cette nervosité et la précision des deux interprètes qui jouent ensemble comme si elles se connaissaient depuis toujours. Un véritable feu d’artifice !

Cette sonate, Martha Argerich la connaît aussi extrêmement bien et l’a enregistrée de nombreuses fois. Je garde une légère préférence pour la version récente avec Tedi Papavrami, offrant une meilleure interaction entre les deux instruments, et peut-être davantage de poésie.

Mais cet élan vital qui nous prend par la main tout au long de cette deuxième sonate est vraiment plaisant. Martha Argerich n’en finit pas de nous émerveiller par sa capacité à se renouveler, ainsi qu’à magnifier le jeu de sa partenaire.

Bravo, et mes respects les plus sincères !

• Titre : Magie.
• Artistes : Maria Solozobova (violon), Martha Argerich (piano).
• Format: PCM 16 bit – 44,1 kHz.
• Ingénieurs du son: Jakob Händel, Stefan Hächler.
• Editeur/Label: Antes Edition.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

C’est une petite intégrale, ne regroupant pas plus que 4 œuvres de César Franck, dont la fameuse sonate en la majeur.

Le reste de la programmation est en revanche bien moins connue, à l’instar de « Mélancolie », œuvre tardive, ou bien « l’Andantino quietoso » en si bémol majeur ou bien encore le « Duo pour piano et violon concertants sur des motifs de Gulistan de Dalayrac en si bémol majeur », œuvres de jeunesse…

La violoniste bulgare Darina Maleeva est une éminente experte du répertoire. Elle est en outre titulaire d’un doctorat dont la thèse concerne César Franck. 

Mais elle a surtout créé la première pièce de cet album, « Mélancolie », œuvre inédite du compositeur à l’époque.

Elle a aussi été à l’origine de la première intégrale de l’œuvre pour violon et piano de César Franck lors du festival Piano Roi de Brantôme en 2001.

C’est donc tout à fait normal de trouver ici une interprétation de qualité, habitée et respectueuse de l’œuvre.

« Mélancolie » ressemble par certains aspects à la sonate. Cette pièce abrite la même luminosité et ferveur d’un violon particulièrement émouvant. Il y a déjà cette respiration et cette tension qui préfigurent ce qui deviendra peu de temps après l’œuvre la plus jouée et enregistrée de César Franck.

Difficile de porter un jugement de valeur sur la sonate, tant la discographie est riche. Et puis l’œuvre est d’une telle beauté que j’avoue bien humblement être subjugué assez facilement chaque fois que je l’écoute.

Mais cette version présente d’indéniables qualités, dont les principales me semblent ici la qualité de timbre de Darina Maleeva, avec ce vibrato bien dosé, assez large.

C’est aussi cette retenue de la part du pianiste, qui ne cherche pas à s’imposer, mais qui contribue à cette parfaite harmonie avec la violoniste.

Je conserve le souvenir très ému de l’interprétation de Maxime Vengerov avec Martha Argerich à Chantilly, madeleine musicale qui constitue pour moi un sommet de virtuosité dans cette œuvre. Mais parfois, en faire trop sur les passages plus calmes nous éloigne de l’émotion pure qu’est censée engendrer cette sonate.

Darina Maleeva ne s’inscrit pas vraiment dans un romantisme effréné, mais nous offre pourtant une interprétation vibrante et sensible. La réussite de cette sonate (comme bien d’autres d’ailleurs) dépend avant tout de la cohésion qui peut naître entre deux interprètes.

Il fallait aussi une partenaire aussi prestigieuse que Martha Argerich pour répondre au romantisme enflammé d’un Vengerov. Et, sur un tout autre plan, le jeu de Xavier Lecomte de la Bretonnerie sied parfaitement à celui de Darina Maleeva. Cette humilité envers l’œuvre me fait penser à l’excellente version du duo Ferras – Barbizet enregistrée pour Deutsche Grammophon, et bien que les tempi soient sensiblement différents et le vibrato plus resserré. Mais l’osmose qui naît entre les interprètes est tout simplement jubilatoire sur ces deux enregistrements.

L’ « Andantino quietoso » reste une œuvre de jeunesse, mais elle illustre néanmoins déjà cette capacité chez Franck à faire varier un thème de façon si subtile. On apprécie une fois de plus l’harmonie entre les deux interprètes. Peut-être jouent-ils d’ailleurs presque trop dans la même direction, alors que le duo Dumay / Collard chez Erato nous offrait une perspective plus franche, cette sensation de progresser et d’aller de l’avant. L’interprétation de la Bulgare et du Français me semble ici plus statique.

Cet album se termine avec le Duo concertant sur des motifs de l’opéra comique « Gulistan » de Nicolas Dalayrac, regroupant 3 opus, dont le dernier est pour moi le seul qui représente un intérêt particulier, alors que les deux instruments reprennent les rôles de la cantatrice et de l’orchestre avec une habileté sans faille, via une abondance de textures et de tonalités surprenantes.

Peu de références discographiques sont disponibles pour juger objectivement de cette dernière prestation. Mais pour revenir à l’enregistrement de Dumay, la Bulgare nous livre ici un bel canto bien plus séduisant et chaleureux. Il y a davantage de force et de présence de la part du violon et du piano dont la densité tonale illustre bien la partie orchestrale. C’est une vraie réussite, ainsi qu’une dernière démonstration de la formidable complicité entre les deux artistes de ce duo…

Un excellent disque au final, et reconnaissons-le, une très belle sonate en la majeur !

• Titre: César Franck – Intégrale pour violon et piano.
• Artistes : Darina Maleeva (violon), Xavier Lecomte de la Bretonnerie (piano).
• Format: PCM 24 bit / 88,2 kHz.
• Ingénieur du son: Aurélien Marotte.
• Editeur/Label: IndéSENS.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

C’est un véritable travail d’archéologue que de se lancer sur les traces de Giuseppe Torelli, artiste qui dissémina en Europe l’empreinte musicale de son passage dans différents pays.

À l’exception de la 1ere sonate en mi mineur, l’ensemble des œuvres pour violon et basse continue figurant sur cet album sont enregistrées ici en première mondiale.

Tout d’abord, félicitons le preneur de son qui nous offre une réelle qualité technique, permettant d’apprécier pleinement ces œuvres et d’en distinguer très nettement la diversité et les évolutions stylistiques dans le travail de composition de Giuseppe Torelli. 

L’image stéréo est large et profonde, le bruit des micros étant en revanche un peu trop présent sur les phases de silences. Cette grande résolution permet néanmoins d’obtenir une basse continue très lisible et modulée.

Force est de constater que les manuscrits des œuvres chambristes de Torelli offrent plus d’originalité que ses œuvres éditées sous forme d’opus. Le style m’est apparu ainsi plus libre, moins systématique. 

Ces sonates pour violon et basse continue sont en effet réellement distrayantes, en ce sens qu’on ne s’ennuie à aucun moment à leur écoute. Cette chose; assez rare dans l’univers de la musique baroque; est rendue possible par l’originalité de l’écriture mais aussi par la captation parfaite des différents instruments, sans effet de masque ni aplat sonore caricatural, et avec une juste dose de réverbération.

La sonate en la majeur pour violon et basse continue m’émerveille par son harmonie et par la façon dont chaque instrument joue crescendo et decrescendo en totale synchronisation.

Celle en sol mineur charme par son côté méditatif, et ses airs quasi médiévaux. La musique se veut sautillante, espiègle et puis rêveuse, attendrie dans l’Adagio, puis de nouveau virevoltante dans la gigue finale.

J’ai beaucoup apprécié également le jeu de la violoniste Sue-Ying Koang qui s’avère d’une grande pureté, presque imperturbable. La musicienne délivre une sonorité très lumineuse, parfaitement articulée et éloquente. On ressent cette forte expérience du baroque, et notamment les bénéfices de ses collaborations avec des formations aussi prestigieuses que celles de La Fenice ou des Arts Florissants.

La symphonie chambriste pour violon et violoncelle en ré mineur est sans doute un peu plus convenue dans son premier mouvement cantabile, mais elle se transforme en un somptueux feu d’artifice dès l’Allegro pour aborder par la suite un plantureux Largo, débouchant sur une gigue défendue par une violoniste particulièrement inspirée.

Ce quatuor fonctionne ainsi à merveille et, franchement, on en redemande. Pour moi, c’est une très jolie découverte et un Grand Frisson sans aucune hésitation !

• Titre: Giuseppe Torelli – Travelling with a violin.
• Artistes : Sue-Ying Koang (violon), Vincent Bernhardt (clavecin / orgue), Diana Vinagre (violoncelle), Parsival Castro (théorbe / guitare).
• Format: PCM 24 bit / 192 kHz.
• Ingénieur du son: Jean-Daniel Noir.
• Editeur/Label: IndéSENS.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Mais qui est donc Bernardo Stalman ?

Bernardo Stalman est né à Buenos Aires en 1910 au sein d’une famille de musiciens originaire d’Odessa. Son père jouait déjà du tango et sa voie n’était déjà peut-être pas complètement tracée, mais il y avait quand même de fortes chances de voir le fiston suivre la tradition familiale…

C’est un autre Argentin, Roberto Sawicki, spécialiste du genre, qui salue ce répertoire particulièrement riche qu’à laissé Bernardo Stalman. 

Si Roberto Sawicki a émigré en Suisse pour fonder en 1975 l’orchestre de Lancy-Genève, les deux hommes ont eu l’occasion de se rencontrer plusieurs fois en Argentine.

C’est à l’occasion de leur troisième rencontre que Bernardo Stalman proposera à Sawicki des pièces pour violon et orchestre. Cela sera un quasi coup de foudre et Roberto Sawicki les intégrera définitivement à son répertoire.

Sawicki déclare d’ailleurs dans la préface du livret de ce double CD : 

« Entendre les œuvres de Bernardo Stalman, c’est parcourir les rues de Buenos Aires, percevoir l’atmosphère de la ville, la façon d’être et de penser de ses habitants où se mêlent les origines les plus diverses. Ses tangos, ses œuvres d’inspiration folklorique, zambas, vidalas, malambos, milongas et celles issues du jazz choisies pour ce double album, reflètent cette diversité ».

Difficile d’écrire plus juste, et puis cela change des sempiternels Piazzolla ou Ginastera qui trustent aujourd’hui la grande majorité des références à la musique argentine.

Et ce n’est pas peu dire que ce double album regorge de pépites et témoigne d’une qualité d’écriture évidente.

C’est avant tout ici l’enregistrement d’un violoniste, et l’accompagnement est vraiment là pour épauler le soliste, sans jamais prendre le dessus sur le violon.

C’est d’ailleurs tout autant une sonorité vintage, de celles qu’on n’entend plus beaucoup, plus chaleureuse, plus authentique, moins élitiste (à supposer que cela veuille vraiment dire quelque chose) que celles qu’on nous propose aujourd’hui.

Cela ne diminue en rien le niveau de virtuosité dont fait preuve un Roberto Sawicki toujours très alerte en dépit de ses quatre-vingt printemps. Il maîtrise complètement cette émotion du tango argentin, avec une justesse d’interprétation qui évite de tomber dans les pièges de tout excès caricatural.

Il y a aussi une intimité évidente avec cette musique populaire argentine, une forme de chant naturel qui nous entraîne tout au long de ces 31 œuvres courtes, qu’on imaginerait aisément reprise par une belle mezzo-soprano.

Un joli moment plein de délicatesse !

• Titre: Bernardo Stalman, Le Poète du Tango.
• Artistes : Roberto Sawicki (violon), Elisabeth Dönni Kocher (piano), solistes de l’Orchestre de Lancy-Genève..
• Format: 16 bit / 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Bernard Seidler.
• Editeur/Label: VDE-Gallo – Cascavelle.
• Année: 2023
• Genre: Tango.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement.

C’est sous le signe de la légèreté et du romantisme que s’inscrit cet enregistrement des deux complices à la scène (lorsque leurs agendas respectifs les y autorisent) et au disque, le violoniste Jean-Samuel Bez et le pianiste Jean-Luc Therrien.

La fantaisie est une forme musicale fluctuante, vagabondant aux frontières de l’improvisation. C’est en tout cas l’expression d’une certaine liberté, celle d’un monde fantasque, particulièrement harmonieux et joyeux.

Après deux années de Covid, cela n’est pas encore pris en charge par l’assurance maladie mais ce n’est pas un médicament très onéreux.

La fantaisie reste en ce qui me concerne l’expression musicale ultime de la poésie.

Les compositions de Robert Schuman et de Lili Boulanger constituent ici une belle entrée en matière.

Quelques jolies perles figurent également sur cet album et méritent qu’on s’y attarde sérieusement (car la fantaisie n’est pas toujours à prendre à la légère), a l’instar de la « Viennese Rhapsodic Fantasietta » de Fritz Kriesler.

Je serais également peu enclin à contester le sérieux de Schoenberg lorsqu’il composa sa « Phantasy opus 47 ». Preuve en tout cas que les oppositions de styles ne gênent en aucun cas notre duo d’interprètes.

Le duo s’accorde quelques pauses pleines de douceur lyrique, comme les deux œuvres courtes du compositeur canadien André Mathieu, injustement méconnu.

Mais la palme de la fantaisie revient en ce qui me concerne à cette partition de la « Fantaisie pour piano et violon » d’Olivier Messiaen trop longtemps oubliée et symbolisant à elle seule toute la puissance de cette forme musicale.

« La Fantaisie élégiaque » de Gustave Samazeuilh clôture cet album, et du même coup ce voyage initiatique au pays de la fantaisie. C’est une œuvre presque méditative. Sa forme contrapuntique nous renvoie à d’autres fantaisistes comme Frank et Chausson. Un rêve s’achève, et nous voilà à nouveau confrontés aux tourments du monde réel… 

• Titre: Fantaisies.
• Artistes : Jean-Samuel Bez (violon), Jean-Luc Therrien (piano).
• Format: 24 bit / 96 kHz.
• Ingénieur du son: Arthur Delzescaux.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Nemanja Radulovic et ses amis de l’ensemble Double Sens nous proposent un voyage à la fois étourdissant et émouvant à travers ce que l’Humanité, si durement malmenée d’abord par la pandémie puis par la guerre, sait faire de Divin: la Musique.

Cherchant à abolir les frontières, Radulovic nous entraîne à travers Serbie, Macédoine, Italie, Chine, Espagne, Israël, Brésil, France, Quebec, Irelande, Ecosse, Japon, Cuba, Russie, Argentine, Autriche, Grèce, Bosnie, Moldovie, Inde.

Le message de Radulovic est éminemment universaliste et fraternel. Il fait chaud au coeur et aux oreilles dans cette période plutôt anxiogène.

Radulovic renoue avec la tradition multi séculaire d’alternance de pièces exaltées pendant lesquelles il est strictement impossible pour l’auditeur de rester en place et les pièces de douce rêverie.

Tel un divin Maître de Chai, Radulovic nous a concocté un assemblage de tanins plus enivrants les uns que les autres.

Et cela fait un bien fou!

• Titre: Roots
• Artistes : Nemanja Radulovic – Ensemble Double Sens
• Format: 24 bit / 96 kHz et CD.
• Ingénieur du son: NA
• Editeur/Label: Warner
• Année: 2022
• Genre: World
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel

C’est un premier enregistrement de six compositions d’Elise Bertrand.

Le chiffre 6 est d’ailleurs symbolique puisque cet album permet de graver le fruit de six années de travail, en retenant six œuvres écrites par la jeune violoniste, pianiste et compositrice française durant cette période.

En ouverture, les Quasi Variazioni, Op.7, indiquent le niveau du travail de composition, pas vraiment celui d’une « débutante » mais d’une artiste confirmée. C’est impressionnant compte tenu de son jeune âge.

Maitrise de la dissonance, des harmoniques distendues : cette première œuvre est servie par l’excellente pianiste roumaine Dana Ciocarlie, ainsi que par une belle prise de son.

La Sonate pour violon et violoncelle, Op.8, est la première œuvre qu’Elise Bertrand a composée pour le violon. L’ambiance lyrique et dramatique nous fait penser autant à Ravel qu’à d’autres compositeurs plus contemporains. On ressent l’influence de Bacri ou Beffa entre autres. 

Cette sonate est portée à un tel niveau fusionnel entre les deux pupitres qu’on a la sensation d’écouter non plus un duo mais un trio.

L’interprétation du duo Élise Bertrand – Hermine Horiot est particulièrement convaincante. C’est un exercice à la fois virtuose et très complémentaire. La prise de son, encore une fois de très bonne facture, autorise une grande lisibilité des deux instruments, ce qui rend l’illusion du trio encore plus exceptionnelle.

Ces deux premières œuvres, composées à la même période, forment un diptyque miroir des trois œuvres suivantes, principalement centrées sur la flûte.

Profondément influencée par le Requiem de Maurice Duruflé, Élise Bertrand a composé ses Impressions Liturgiques Op.2 pour flûte et piano à l’âge de quinze ans. C’est avec cette œuvre que son intérêt pour la composition pour flûte a grandi et l’a amenée à composer par la suite Mosaïque et Lettera Amorosa.

J’avoue être séduit par cette œuvre, qui n’est pas sans me rappeler quelques créations de Philippe Chamouard, la parenté avec le Requiem de Duruflé ne m’apparaissant pas évidente.

Mosaïque Op.4, est une œuvre composée à la table, basée sur un duo flûte – clarinette en trois mouvements courts, alternant la quiétude avec la nervosité.

Le quatuor Lettera Amorosa, Op. 10, est sans aucun doute la composition la plus intéressante et aboutie de cet album. Cette œuvre concertante, en 4 mouvements, est inspirée du recueil de poèmes homonyme de René Char. Mention également à l’excellente prise de son.

Enfin, l’hommage à Nicolas Bacri des 12 Préludes pour piano, Op.1, qu’Elise Bertrand interprète elle-même, est un moment à part. Précurseur d’un style musical qu’on a vu s’épanouir durant les précédentes œuvres.

C’est un disque particulièrement dense, original et cohérent à la fois. Pas à proprement parler ce que j’aurais attendu d’une si jeune artiste et compositrice. Je suis totalement admiratif…

• Titre: Elise Bertrand – Lettera Amorosa
• Artistes : Elise Bertrand (compositions, violon, piano), Dana Ciocarlie (piano), Caroline Debonne (flûte), Ionel Streba (piano), Hermine Horiot (violoncelle), Joë Christophe (clarinette), Paul Zientara (alto).
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieur du son: Ken Yoshida.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2022
• Genre: Contemporain.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Un programme exclusivement dédié à Felix Mendelssohn pour le violoniste parisien Augustin Dumay : le Concerto pour violon en mi mineur, avec l’Orpheus Chamber Orchestra, la sonate pour violon et piano en fa majeur avec le pianiste Jonathan Fournel, ainsi qu’une sélection de Romances sans paroles (arrangement pour violon et piano par David Walter et Fritz Kreisler) avec le même pianiste.

Augustin Dumay revient ainsi au Concerto en mi mineur de Mendelssohn après une interruption de plus de 30 ans, depuis son premier et unique enregistrement de l’œuvre pour EMI. 

Avec cette nouvelle version, il collabore avec l’Orpheus Chamber Orchestra, l’orchestre sans chef, qu’il dirige lui-même depuis son archet, pour donner une nouvelle perspective à cette œuvre populaire, et à la discographie abondante.

Si l’histoire de ce concerto au disque ne manque d’ailleurs pas de chefs convaincants, cette version met l’accent sur l’interprétation d’un grand violoniste, aux timbres chatoyants, mais accompagné par un orchestre plutôt timide, ou du moins trop linéaire. J’eu aimé qu’il puisse ralentir à certains moments, gérer un peu mieux les silences, ce que fait d’ailleurs admirablement le soliste.

Difficile en effet de se renouveler totalement dans un répertoire aussi richement enregistré.

Mais ce violon est incroyablement charmeur, et je suis resté accroché à cette partition de bout en bout, me délectant de cette belle et plantureuse sonorité. Augustin Dumay est toujours sans conteste un des très grands interprètes de son époque.

Le reste du programme comprend la dernière Sonate pour violon et piano en fa, à laquelle le compositeur a travaillé en même temps que le concerto pour violon mais qu’il n’a jamais publiée. 

Dumay est accompagné ici par un jeune prodige, Jonathan Fournel, ayant récemment remporté le prestigieux Concours Reine Elisabeth. Cette sonate, contrairement au concerto, est rarement enregistrée et elle est interprétée avec beaucoup de spontanéité par les deux musiciens. Cette fois-ci, Augustin Dumay se sent de toute évidence davantage épaulé.

La prise de son vient d’ailleurs renforcer le plaisir d’écoute avec un champ sonore réverbérant mais sans excès, ce qui procure une belle sensation de présence des deux instrumentistes.

Il y a de l’engagement dans cet allegro vivace, davantage que chez le duo Mutter / Previn chez DG, et tout autant, voire un peu plus, que la paire Mintz / Ostrovsky chez le même éditeur, ou Mintz / Prosseda chez Decca, pour évoquer deux de mes références personnelles pour cette sonate de Mendelssohn.

On passe ainsi un délicieux moment à l’écoute des deux musiciens, qu’on retrouve ensuite dans une sélection de Romances Sans Paroles, œuvre initialement composée pour piano et constituée de huit recueils et quarante-huit pièces brèves, arrangées ici pour violon et piano.

Même impression d’élégance et de grande complémentarité entre le piano et le violon dans l’exécution de ce florilège de romances, qui s’avèrent plus complexes qu’elles ne paraissent de prime abord.

Au final, Augustin Dumay remporte notre totale adhésion au travers d’un programme particulièrement soigné, vivant et émouvant. Un excellent disque !

• Titre: Mendelssohn – Violin Concerto in E minor, Violin Sonata in F major (1835), Songs without words.
• Artistes : Augustin Dumay (violon), Jonathan Fournel (piano), Orpheus Chamber Orchestra.
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieurs du son: Tim Martyn, Jean-Martial Golaz.
• Editeur/Label: Onyx.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Le trio Chausson est constitué du violoniste Matthieu Handtschoewercker, du violoncelliste Antoine Landowski et du pianiste Boris de Larochelambert.

Cet enregistrement est dédié à deux trios en ré mineur composés par une sœur et son frère : Fanny Hensel-Mendelssohn et Félix Mendelssohn.

Pour s’inscrire dans un contexte historique, il est utile de mentionner que le Trio opus 11 en ré mineur a été composé par Fanny un mois avant sa mort. Elle choisit pour cet unique trio la tonalité en ré mineur pour faire écho à celui composé par son frère quelques années plus tôt. Elle aura d’ailleurs l’occasion de le jouer en public, événement qui ne se sera produit que deux fois au cours de sa courte existence.

Le but avoué du trio Chausson est alors de réhabiliter l’importance du rôle de la pianiste, non pas seulement dans son propre travail de compositrice, mais aussi dans celui de son frère. Cela permet aussi de mettre en lumière la relation fusionnelle qui a pu exister entre le fils et la fille Mendelssohn, ainsi que la jalousie développée par Félix vis-à-vis du génie musical de son aînée, qu’il essaiera d’étouffer à maintes reprises, s’accaparant même une partie de son travail.

Le disque s’ouvre sur l’œuvre de la compositrice, honneur aux dames. 

La ferveur du Trio Chausson transparaît immédiatement. Cet élan romantique vous submerge, aidé par une excellente qualité technique de la prise de son et du mastering.

Bref, j’adore, je suis d’emblée totalement conquis.

La comparaison des deux trios de la fratrie Mendelssohn est inévitable. L’intention de Fanny, lorsqu’elle a composé un trio dans la même tonalité que son frère, n’était-elle pas de lui faire un pied de nez affectueux, de prendre sa revanche ou de se libérer pleinement de l’emprise de Félix ?

Les membres du Trio Chausson prennent de toute évidence parti pour la cause de la sœurette.

Le premier mouvement, allegro molto vivace, du trio de Fanny Mendelssohn n’observe aucun préliminaire et fait parler le feu de bien jolie manière. La construction est particulièrement équilibrée entre les trois instruments, et cette interprétation le souligne à la perfection. Les membres du Trio Chausson jouent à l’unisson.

Je n’ai pas eu le loisir d’écouter des versions aussi équilibrées, où la partition est exprimée avec autant de clarté.

J’avais pourtant apprécié dernièrement l’enregistrement du trio hispanique Alejandro Bustamante, Lorenzo Meseguer, et Alberto Rosado. Mais il y a une perspective et une qualité de son qui place cette dernière version des Chausson au dessus de la mêlée, même si le jeu peut paraître moins bouillonnant, plus sage, dans son ensemble.

L’Andante espressivo vient confirmer cet esprit de communion chez le trio. Il est particulièrement délicat et poignant.

Par rapport à de nombreuses versions, ce que j’apprécie ici est la pulsation juste et continue, une sorte d’élan vital, qui est insufflée par les Chausson. Dans de nombreuses versions, le piano semble un peu à la traîne, ou décalé, par rapport au violon et au violoncelle, alors qu’il imprime ici un rythme qui va au delà de la pause contemplative qu’ont peut percevoir bien souvent.

Dès le commencement du dernier mouvement, allegretto moderato, le phrasé du piano est bien plus modulé, les intentions plus fines, et autant le violon que le violoncelle rivalisent de délicatesse et d’entrain. Quel merveilleux trio !

En abordant le molto allegro ed agitato du trio opus 49 de Felix Mendelssohn, on ne peut que remarquer l’étonnante symétrie des deux compositions.

On ressent néanmoins davantage de liberté et de sensibilité chez la sœur, plus d’inspiration peut-être ?

Les qualités d’interprétation du Trio Chausson sont en tout cas immuables. Cette pulsation qui m’avait tant plu dans le premier trio reste une fondamentale solide du second. Et puis quelle cohérence dans l’andante !

Le troisième mouvement scherzo est joué sur un tempo rapide mais sans aucun impact sur la cohésion du trio. Ces trois jouent remarquablement ensemble. On frôle la perfection…

Après le final allegro, assai moderato, de toute beauté, mon opinion est arrêtée : quel dommage que la sœur aînée se soit si souvent effacée. C’est bien son trio qui constitue la pépite de cet enregistrement et que je réécouterai avec un ineffable plaisir renouvelé.

Un Grand Frisson amplement mérité pour cette superbe initiative !

• Titre: Trio Chausson – Fanny et Felix Mendelssohn.
• Artistes : Matthieu Handtschoewercker (violon), Antoine Landowski (violoncelle), Boris de Larochelambert (piano).
• Format: PCM 24 bit, 192 kHz.
• Ingénieur du son: Olivier Rosset.
• Editeur/Label: Mirare.
• Année: 2021
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.