Le dialogue est ici celui de deux instruments : le violoncelle et la viole de gambe.

Mais c’est aussi la succession de deux styles : l’Italie et la France, à la croisée du 17ème et du 18ème siècle.

L’Ensemble Art of Nature nous livre des sonorités précieuses, et joliment saturées, parfois trop sages, et d’autres fois plus enjouées.

Esmé de Vries et Oleguer Aymamí jouent chacun la viole et le violoncelle sans vouloir favoriser un instrument en particulier. Si je devais caricaturer ma pensée, je dirais que la viole de gambe illustre la solennité du style français, alors que le violoncelle évoque plutôt cette fantaisie italienne qui fera chavirer l’Europe entière par la suite.

Je ne m’attarderai d’ailleurs pas davantage sur l’intérêt historique ou musicologique de cette initiative, d’autant plus que le répertoire regroupant viole de gambe et violoncelle est quasiment inexistant.

Car c’est bien la sonorité chaude de cet enregistrement qui m’a séduit, au delà de son intérêt historique.

La prise de son met en lumière ces deux instruments ainsi que le clavecin, omniprésent, qui s’intègre harmonieusement, sans aucune touche d’acidité.

Que ce soit la première partie, centrée sur la viole de gambe (avec des compositions de Marin Marais, Jean Barrière, François Couperin ou bien encore Louis de Caix d’Hervelois), que la dernière, mettant en scène les violoncelles, le plaisir d’écoute est à son apogée.

La prise de son aide, bien évidement, en amenant cette illusion de faire entrer les musiciens dans sa salle d’écoute. Mais cette polyphonie instrumentale des deux violes et des deux violoncelles dépasse l’émotion purement audiophile, tant elle est d’une grande élégance, tout étant dosé à la perfection.

Si cette beauté tonale, magnifiée par des sons saturés et généreux, ne fait aucun doute, c’est aussi l’articulation et le rythme dont font preuve les deux musiciens stars, Esmé de Vries et Oleguer Aymamí, qui me captive dans la sonate en sol mineur de Jean Barrière. Tout semble couler naturellement. J’entends par là que je n’ai jamais perçu un maniérisme forcé, ou une volonté d’augmenter la cadence sans que cela fasse sens.

La sonate da chiesa en mi mineur d’Arcangelo Corelli est un autre parfait exemple de cette plénitude tonale évoluant dans un tempo vif et gracieux.

A noter également deux très belles pièces pour clavecin de Francesco Geminiani qui ponctuent les compositions pour viole et violoncelles dans cet album de bien belle manière. Le clavecin d’Hadrien Jourdan est d’ailleurs un vrai pilier soutenant chacune de ces œuvres avec élégance et retenue.

Voici donc un (trop) rare disque de musique baroque alliant des qualités techniques et artistiques particulièrement remarquables.

Une vraie petite pépite musicale.

• Titre : Dialoguer.
• Artistes : Ensemble Art of Nature, Esmé de Vries (direction).
• Format: PCM 24 bit, 88,2 kHz.
• Ingénieur du son: Marie Delorme.
• Editeur/Label: VDE-Gallo.
• Année: 2024
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

Ces onze caprices pour violoncelle, relativement méconnus du grand public, sont le fruit du travail du fils d’Evaristo Felice Dall’Abaco, Joseph Clément Ferdinand Barone Dall’Abaco.

Sans doute restent-ils éclipsés par les suites de Bach pour violoncelle seul, premières œuvres dédiées au violoncelle solo qui ont changé le destin de l’instrument en démontrant qu’il ne se limitait pas au seul rôle d’accompagnateur.

Le but poursuivi par ce compositeur bruxellois du 18ème siècle au travers de l’écriture de ces onze caprices était apparemment d’explorer tout le potentiel dramaturgique du violoncelle en magnifiant sa palette tonale.

C’est sans doute tout autant la préoccupation d’Estelle Revaz qui joue ces œuvres courtes sur un instrument d’époque datant de 1679 avec des cordes métalliques accordées en 442 Hz.

Et cela fait mouche immédiatement : la sonorité de cet instrument est fabuleuse, totalement captivante de par sa tessiture riche et variée.

On tombe ainsi amoureux de cette sonorité particulière et envoûtante.

Estelle Revaz se lance dans cette recherche singulière de ces expériences sonores d’époque, à l’instar de la violoncelliste canadienne Elinor Frey qui a beaucoup produit concernant l’art du violoncelle de Dall’Abaco, et avec un son lui aussi magnifique. Je n’ai néanmoins pas connaissance qu’elle ait enregistré à ce jour les onze caprices sur un même album.

La Suissesse emprunte globalement un tempo assez lent, sans doute plus en adéquation avec ceux empruntés à l’époque. Cela permet aussi d’amener davantage de respiration, de travailler les silences, les crescendi et diminuendi, de plus faire vibrer l’air autour de l’instrument.

La réverbération naturelle de la Chapelle des Capucins de Saint Maurice rajoute aussi à la sensation de présence de l’instrumentiste. 

La prise de son permet par ailleurs d’obtenir cette belle image tridimensionnelle de la musicienne positionnée dans son environnement acoustique réverbérant.

Si on additionne la qualité des timbres à celle de l’image stéréo, on obtient un album à la qualité technique quasi irréprochable.

Au delà de cette sonorité particulière, ces onze caprices sont tout simplement superbes, rivalisant parfois avec les Fantaisies pour viole de gambe de Telemann, et le caprice n°8 tutoie presque la densité des suites de Bach que d’All Abaco admirait. 

J’ai énormément apprécié cette nervosité, cette rapidité qui fait que le son n’est jamais lourd alors qu’il reste dense et incarné. C’est vraiment un jeu qui capte en permanence notre attention. Je ne saurais d’ailleurs dire à qui en revient le mérite, à savoir à l’interprète ou bien aux caractéristiques techniques de l’instrument d’époque, sans doute un peu aux deux…

Les variations d’ambiance et de rythme font aussi l’intérêt de cette intégrale des caprices de Dall’Abaco. Le caprice n°4 offre ainsi une aria particulièrement calme et mélancolique , quasi méditative, tandis que le n°3 nous invite à la danse, dans un tempo plus rapide et nerveux.

Et si la trame sonore de cet album semble totalement continue, Estelle Revaz nous régale par la quantité de nuances et de variations subtiles qu’elle fait naître de son instrument, et ce, sans jamais sombrer dans un pathos moelleux par trop caricatural.

Au final, que dire de plus si ce n’est que cet album est un merveilleux témoignage du potentiel émotionnel qui réside dans ce violoncelle, un vrai festival de chant et de couleurs !

Et c’est à nouveau un grand frisson décerné ce mois-ci au label Solo Musica. Bravo !

• Titre : Caprices for Violoncello Solo by DALL’ABACO.
• Artiste : Estelle Revaz (violoncelle).
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieur du son: Cécile Lenoir.
• Editeur/Label: Solo Musica.
• Année: 2024
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Cet album regroupe des compositions pour violoncelle et piano de six différents compositeurs et compositrices ayant pour point commun leurs racines francophones (ou du moins leur intérêt pour la musique française).

Le programme débute ainsi avec le Genevois Ernest Bloch, pas forcément le plus francophone de la bande, puisqu’il émigra rapidement aux États Unis avant d’y être naturalisé.

Il fut néanmoins influencé par la musique française dans la conduite de son œuvre.

Mais c’est avant tout la musique juive traditionnelle qui vient nous charmer ici avec une touche d’élégance à la française qui donne une perspective particulière à cette œuvre intitulée « From Jewish Life ». 

Sans doute l’emploi du violoncelle, au lieu du violon traditionnel, dans cette musique amène également ce côté plus chaleureux, moins lancinant, qui permet de magnifier la beauté de cette musique.

Cela permet aussi de passer de façon très naturelle aux Trois Mélodies opus 23 de Gabriel Fauré, alors que le style est pourtant bien distinct.

Même enchaînement très naturel, puisque nous restons chez le même compositeur, avec le Poème d’un jour opus 21, suivi de la Berceuse opus 16.

Le violoncelle d’Isabel Gehweiler remplace avantageusement le violon ou la voix.

C’est aussi le cas dans la Sonate en la majeur de César Franck.

La tonalité plus grave de l’instrument apporte davantage d’humanité et immédiatement dans l’allegro, le piano et le violon fusionnent à la perfection.

On ressent la nécessaire adaptation de la partition pour le violoncelle, et on n’atteindra pas ici le même niveau de virtuosité que les meilleurs enregistrements au violon.

C’est la même harmonie pourtant qui se dégage dans le recitativo : il y a une forme de gravité qui s’instaure, une dramaturgie qui flotte dans l’air.

Puis on retrouve une atmosphère très chantante dans l’Allegretto poco mosso,

J’ai apprécié cette complicité, cette parfaite fusion des deux instruments. Quelle vaillance et quelle intensité se dégagent du jeu de Fiona Hengartner et d’Isabel Gehweiler dans ce dernier mouvement !

C’est un climat totalement apaisé qu’on retrouve avec la « Berceuse » de Germaine Tailleferre, qui sert ici davantage d’interlude, ou de césure pour la Sicilienne de Gabriel Fauré.

On apprécie la retenue des deux interprètes qui évitent toutes deux l’écueil des excès de pathos et sur-interprétation. 

L’œuvre garde ici son caractère expressif et léger. Un excellent point ! C’est d’ailleurs avec la même élégance que les deux musiciennes enchaînent avec la Pièce Romantique opus 9 de Cécile Cheminade, interprétation tout aussi convaincante.

Cet enregistrement s’achève avec Märchen de Paul Juon, petit bijou d’émotion et de romantisme.

La encore, le duo piano – violoncelle fusionne admirablement et nous enchante à nouveau. Le niveau de jeu de mesdames Gehweiler et Hengartner est tout à fait remarquable.

Cet album constitue donc une jolie découverte en ce qui me concerne, et une énième version de la sonate en la majeur de César Franck pour venir compléter ma discographie de l’oeuvre, tout en y apportant une tonalité intéressante !

• Titre: Notre amour.
• Artistes : Fiona Hengartner (piano), Isabel Gehweiler (violoncelle).
• Format: PCM 24 bit / 96 kHz.
• Ingénieur du son: Max Molling.
• Editeur/Label: Solo Musica.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

C’est un véritable travail d’archéologue que de se lancer sur les traces de Giuseppe Torelli, artiste qui dissémina en Europe l’empreinte musicale de son passage dans différents pays.

À l’exception de la 1ere sonate en mi mineur, l’ensemble des œuvres pour violon et basse continue figurant sur cet album sont enregistrées ici en première mondiale.

Tout d’abord, félicitons le preneur de son qui nous offre une réelle qualité technique, permettant d’apprécier pleinement ces œuvres et d’en distinguer très nettement la diversité et les évolutions stylistiques dans le travail de composition de Giuseppe Torelli. 

L’image stéréo est large et profonde, le bruit des micros étant en revanche un peu trop présent sur les phases de silences. Cette grande résolution permet néanmoins d’obtenir une basse continue très lisible et modulée.

Force est de constater que les manuscrits des œuvres chambristes de Torelli offrent plus d’originalité que ses œuvres éditées sous forme d’opus. Le style m’est apparu ainsi plus libre, moins systématique. 

Ces sonates pour violon et basse continue sont en effet réellement distrayantes, en ce sens qu’on ne s’ennuie à aucun moment à leur écoute. Cette chose; assez rare dans l’univers de la musique baroque; est rendue possible par l’originalité de l’écriture mais aussi par la captation parfaite des différents instruments, sans effet de masque ni aplat sonore caricatural, et avec une juste dose de réverbération.

La sonate en la majeur pour violon et basse continue m’émerveille par son harmonie et par la façon dont chaque instrument joue crescendo et decrescendo en totale synchronisation.

Celle en sol mineur charme par son côté méditatif, et ses airs quasi médiévaux. La musique se veut sautillante, espiègle et puis rêveuse, attendrie dans l’Adagio, puis de nouveau virevoltante dans la gigue finale.

J’ai beaucoup apprécié également le jeu de la violoniste Sue-Ying Koang qui s’avère d’une grande pureté, presque imperturbable. La musicienne délivre une sonorité très lumineuse, parfaitement articulée et éloquente. On ressent cette forte expérience du baroque, et notamment les bénéfices de ses collaborations avec des formations aussi prestigieuses que celles de La Fenice ou des Arts Florissants.

La symphonie chambriste pour violon et violoncelle en ré mineur est sans doute un peu plus convenue dans son premier mouvement cantabile, mais elle se transforme en un somptueux feu d’artifice dès l’Allegro pour aborder par la suite un plantureux Largo, débouchant sur une gigue défendue par une violoniste particulièrement inspirée.

Ce quatuor fonctionne ainsi à merveille et, franchement, on en redemande. Pour moi, c’est une très jolie découverte et un Grand Frisson sans aucune hésitation !

• Titre: Giuseppe Torelli – Travelling with a violin.
• Artistes : Sue-Ying Koang (violon), Vincent Bernhardt (clavecin / orgue), Diana Vinagre (violoncelle), Parsival Castro (théorbe / guitare).
• Format: PCM 24 bit / 192 kHz.
• Ingénieur du son: Jean-Daniel Noir.
• Editeur/Label: IndéSENS.
• Année: 2023
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

« Cet enregistrement est un véritable projet pandémique réalisé avec ma merveilleuse classe de violoncelle de l’université de musique de Detmold en Allemagne. Réaliser nous-mêmes tous les arrangements pour l’orchestre de violoncelles a également constitué une grande partie de ce projet. Je suis extrêmement heureuse que nous ayons obtenu la permission d’Irina Shostakovitch de sortir cet album avec notre arrangement du premier concerto pour violoncelle de son mari » déclare Xenia Jankovic.

Oui, à toute chose malheur est bon, et ce projet discographique n’aurait peut-être jamais vu le jour sans l’épidémie de Covid 19.

C’est indéniablement un joli projet pédagogique et musical pour ce groupe de 8 jeunes élèves violoncellistes de Xenia Jankovic et membres de l’Ensemble Inspirimus. 

Le Concerto pour violoncelle de Dmitri Shostakovich est fortement évocateur de cette époque trouble après la mort de Joseph Staline. Sous des airs conventionnels, se dévoile un monde plus sombre, inquiétant, parfois à la limite du sarcasme.

Il y a une vraie vision de chef d’orchestre chez madame Jankovic. Le deuxième mouvement (moderato) est à la fois d’une grande beauté et d’une angoisse quasi mystique, tandis que le troisième mouvement nous plonge dans une infinie tristesse.

C’est un magnifique hommage à cette tessiture si complexe du violoncelle, se rapprochant parfois de la voix humaine.

L’allegro con moto s’amuse avec les airs populaires russes, comme s’il souhaitait camoufler cette œuvre puissante derrière un trompe l’œil aux couleurs du Parti Communiste.

Il y a forcément moins de modernité dans les Variations sur un thème rococo de Tchaikovsky.

Originellement composé pour un violoncelle soliste accompagné d’une petite formation d’instruments à vent et à cordes, la version interprétée ici est arrangée pour une formation ne regroupant que des violoncelles.

Cet arrangement est une jolie réussite. Il tend à magnifier le jeu du soliste et à souligner la richesse de timbre de l’instrument. A aucun moment en effet, on ne ressent la moindre austérité tonale. Quelle belle diversité au contraire !

Comme c’est le cas parfois, le fait de concentrer la réécriture d’une œuvre concertante sur la tessiture d’un seul instrument, en une forme totalement chambriste, permet de mieux apprécier la structure même de la composition.

Il faut dire que l’élan imprimé par le violoncelle de la Maestra serbo-russe est essentiel, à un point tel que j’ai ressenti une envie quasi irrésistible de me lever pour applaudir à la fin de la dernière Variation (numéro 7, s’agissant ici de la transcription de Wilhelm Fitzenhagen, supprimant la 8eme à la grande déception de Tchaikovsky).

La prise de son est comme à son habitude d’excellente facture pour les enregistrements de Xenia Jankovic, ce qui permet de distinguer les subtiles variations et nuances du jeu de l’ensemble et d’obtenir une image stéréo crédible, grandeur nature.

Bravo !

• Titre: Shostakovich & Tchaikovsky – Cello Concerto N°1, Variations on a rococo theme.
• Artistes : Xenia Jankovic, Ensemble Inspirimus.
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieur du son: Sascha Etezazi.
• Editeur/Label: Calliope.
• Année: 2022
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Le trio Chausson est constitué du violoniste Matthieu Handtschoewercker, du violoncelliste Antoine Landowski et du pianiste Boris de Larochelambert.

Cet enregistrement est dédié à deux trios en ré mineur composés par une sœur et son frère : Fanny Hensel-Mendelssohn et Félix Mendelssohn.

Pour s’inscrire dans un contexte historique, il est utile de mentionner que le Trio opus 11 en ré mineur a été composé par Fanny un mois avant sa mort. Elle choisit pour cet unique trio la tonalité en ré mineur pour faire écho à celui composé par son frère quelques années plus tôt. Elle aura d’ailleurs l’occasion de le jouer en public, événement qui ne se sera produit que deux fois au cours de sa courte existence.

Le but avoué du trio Chausson est alors de réhabiliter l’importance du rôle de la pianiste, non pas seulement dans son propre travail de compositrice, mais aussi dans celui de son frère. Cela permet aussi de mettre en lumière la relation fusionnelle qui a pu exister entre le fils et la fille Mendelssohn, ainsi que la jalousie développée par Félix vis-à-vis du génie musical de son aînée, qu’il essaiera d’étouffer à maintes reprises, s’accaparant même une partie de son travail.

Le disque s’ouvre sur l’œuvre de la compositrice, honneur aux dames. 

La ferveur du Trio Chausson transparaît immédiatement. Cet élan romantique vous submerge, aidé par une excellente qualité technique de la prise de son et du mastering.

Bref, j’adore, je suis d’emblée totalement conquis.

La comparaison des deux trios de la fratrie Mendelssohn est inévitable. L’intention de Fanny, lorsqu’elle a composé un trio dans la même tonalité que son frère, n’était-elle pas de lui faire un pied de nez affectueux, de prendre sa revanche ou de se libérer pleinement de l’emprise de Félix ?

Les membres du Trio Chausson prennent de toute évidence parti pour la cause de la sœurette.

Le premier mouvement, allegro molto vivace, du trio de Fanny Mendelssohn n’observe aucun préliminaire et fait parler le feu de bien jolie manière. La construction est particulièrement équilibrée entre les trois instruments, et cette interprétation le souligne à la perfection. Les membres du Trio Chausson jouent à l’unisson.

Je n’ai pas eu le loisir d’écouter des versions aussi équilibrées, où la partition est exprimée avec autant de clarté.

J’avais pourtant apprécié dernièrement l’enregistrement du trio hispanique Alejandro Bustamante, Lorenzo Meseguer, et Alberto Rosado. Mais il y a une perspective et une qualité de son qui place cette dernière version des Chausson au dessus de la mêlée, même si le jeu peut paraître moins bouillonnant, plus sage, dans son ensemble.

L’Andante espressivo vient confirmer cet esprit de communion chez le trio. Il est particulièrement délicat et poignant.

Par rapport à de nombreuses versions, ce que j’apprécie ici est la pulsation juste et continue, une sorte d’élan vital, qui est insufflée par les Chausson. Dans de nombreuses versions, le piano semble un peu à la traîne, ou décalé, par rapport au violon et au violoncelle, alors qu’il imprime ici un rythme qui va au delà de la pause contemplative qu’ont peut percevoir bien souvent.

Dès le commencement du dernier mouvement, allegretto moderato, le phrasé du piano est bien plus modulé, les intentions plus fines, et autant le violon que le violoncelle rivalisent de délicatesse et d’entrain. Quel merveilleux trio !

En abordant le molto allegro ed agitato du trio opus 49 de Felix Mendelssohn, on ne peut que remarquer l’étonnante symétrie des deux compositions.

On ressent néanmoins davantage de liberté et de sensibilité chez la sœur, plus d’inspiration peut-être ?

Les qualités d’interprétation du Trio Chausson sont en tout cas immuables. Cette pulsation qui m’avait tant plu dans le premier trio reste une fondamentale solide du second. Et puis quelle cohérence dans l’andante !

Le troisième mouvement scherzo est joué sur un tempo rapide mais sans aucun impact sur la cohésion du trio. Ces trois jouent remarquablement ensemble. On frôle la perfection…

Après le final allegro, assai moderato, de toute beauté, mon opinion est arrêtée : quel dommage que la sœur aînée se soit si souvent effacée. C’est bien son trio qui constitue la pépite de cet enregistrement et que je réécouterai avec un ineffable plaisir renouvelé.

Un Grand Frisson amplement mérité pour cette superbe initiative !

• Titre: Trio Chausson – Fanny et Felix Mendelssohn.
• Artistes : Matthieu Handtschoewercker (violon), Antoine Landowski (violoncelle), Boris de Larochelambert (piano).
• Format: PCM 24 bit, 192 kHz.
• Ingénieur du son: Olivier Rosset.
• Editeur/Label: Mirare.
• Année: 2021
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

La violoncelliste Estelle Revaz et la pianiste Anaïs Crestin se sont rencontrées en 2012 lors du festival argentin de Mendoza. Depuis, elles se produisent régulièrement ensemble en Amérique du Sud et en Europe.
C’est donc ici une collaboration riche de leur précédentes expériences et de leurs voyages musicaux, et un hommage à la musique folklorique européenne, essentiellement, à l’exception près d’une petite escapade argentine avec la sonate pour piano et violoncelle opus 49 d’Alberto Ginastera.

Au programme européen, l’Espagne de Manuel de Falla et six chansons populaires, la Pohadka de Leos Janacek inspirée d’un conte russe de Vassili Andreïevitch Joukovski, cinq pièces, dans un style populaire, de Robert Schumann, et la Rhapsodie hongroise de David Popper.
De tous temps, les chants et danses populaires ont nourri la musique savante, laquelle a ainsi pu rester en phase avec l’âme et la conscience collective. Au 18ème siècle, chaque pays rêve d’avoir sa propre musique afin de se différencier de ses voisins et cultiver une identité nationale. Les règles de la musique classique très standardisées ont dû alors s’adapter aux caractéristiques des mélodies et des rythmes populaires.
L’inspiration populaire ne mène pourtant pas toujours chez ces compositeurs à l’apologie de la simplicité et un répertoire qui se voudrait « easy listening ».
La plus évidente manifestation en est sans doute cette rhapsodie hongroise de Popper qui ne fait que puiser dans la culture tzigane pour livrer une atmosphère très ancrée dans la musique contemporaine, en dépit d’un final plutôt enjoué et faisant clairement référence à cette tradition tzigane, ou bien encore l’atmosphère angoissée de Ginastera qui évoque dans sa sonate davantage la peine de l’exil qu’une évidente nostalgie pour son pays…

Le duo violoncelle / piano fonctionne à merveille, et les deux interprètes se révèlent autant à l’aise dans la folie insistante de la culture slave que sur les airs hispaniques plus dansants et chaleureux de Manuel de Falla.
J’ai retrouvé le style si convaincant de la violoncelliste que j’avais pu apprécié dans son avant-dernier opus « Journey to Geneva ». C’est une démonstration d’équilibre entre engagement, précision et modération. Un vibrato juste comme il faut, Estelle Revaz n’en fait pas des tonnes mais survole avec une aisance gracile les différents répertoires.
La pianiste vendéenne impressionne tout autant par sa fluidité, son timbre, et cette élégance naturelle qui se marie si bien au jeu de sa partenaire violoncelliste.

Deux musiciennes à la technique irréprochable, et pétries d’une belle sensibilité, qui mettent à l’honneur ces pans de folklore qui sont autant de fresques musicales que de madeleines de Proust pour les familiers et natifs des régions du monde évoquées ici.
C’est presque trop court, et on en redemande.

Un très chaleureux, sincère et vibrant Grand Frisson !

• Titre: Inspiration populaire
• Artistes: Estelle Revaz, Anaïs Crestin
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz
• Ingénieurs du son: Cécile Lenoir Editeur/Label: Solo Musica
• Année: 2022
• Genre: Musique classique
• Intérêt du format HD : format CD uniquement

Rien n’est vraiment « habituel » dans cet album, depuis le choix d’oeuvres assez peu connues jusqu’à la présentation de Patricia Kopatchinskaja et de Sol Gabetta sous forme d’une discussion à batons rompus, allant jusqu’à signaler les fausses notes dans Rizoma de Francisco Coll, oeuvre créée lors de cet enregistrement ou nous raconter que le premier concert dont est issu cet album a eu lieu dans une église en même temps que des démonstrations de l’armée de l’air… suisse, puis de la tondeuse d’un voisin.

L’album est donc issu de deux concerts données en 2014 et 2018. Sol et Pat ont décidé de nous offrir le témoignage de 20 années de complicité et de travail.

Les duos violon-violoncelle ne sont pas très nombreux. Au programme, la sonate pour violon et violoncelle de Ravel dont le dépouillement, l’influence du jazz autant que celle de Stravinsky en font une oeuvre majeure. Elle est ici interprétée avec subtilité mais détermination, et la double volonté d’être fidèle à l’oeuvre tout en la mettant à la portée du plus grand nombre, en rendant par exemple perceptibles les alternances paires et impaires. Les prises de risque y sont innombrables, notamment pour les tempi, pour notre plus grand plaisir.

Le duo de Kodály, qui prend ses racines dans le folklore hongrois était sans doute connu de Ravel. Sol & Pat le cisèlent comme un diamant dans une sorte de compétition entre instruments mais avec une vision commune assez confondante. Cette interprétation est bien loin d’une quelconque « sagesse » souvent pratiquée dans d’autres versions, avec un audacieux mélange d’énergie, de lyrisme et de douceur.

Comme on aurait pu s’en douter après l’histoire de l’armée de l’air Suisse et de la tondeuse, l’humour et la parodie sont aussi au programme, avec « La fête au village » de Julien François Zbinden, caricature affectueuse de la fête nationale Suisse selon le compositeur lui-même, hélas décédé cette année à l’âge de 103 ans.

Des oeuvres de Widmann, Markowicz, Xenakis et Ligeti finissent d’ancrer cet album dans la période contemporaine.

La prise de son et le réalisme qui en résulte sont par ailleurs excellents.

Sur les tables des restaurants en Inde, se trouve souvent de la noix de coco râpée destinée aux « étrangers » afin de tenter de neutraliser les épices un peu raides d’un plat avant de passer au suivant.
De la la même manière, Sol et Pat ont parsemé leur album de quelques courtes compositions du 18ème siècle, Jean-Marie Leclair , CPE Bach et JS Bach.

Devant autant d’intelligence, de vision fusionnelle des oeuvres, de complicité, de talent, j’ai le plaisir non feint de décerner à Sol et Pat notre récompense « Grand Frisson ».

• Titre: Sol & Pat
• Artistes: Patricia Kopatchinskaja et Sol Gabetta
• Format: PCM 24/96 et CD
• Ingénieur du son:  Peter Laenger
• Editeur/Label: Alpha Classics
• Année: 2021
• Genre: Classique et Contemporain
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel

C’est dans un cadre majestueux et inspirant que ce disque a été enregistré, celui du château de Fallot, surplombant le Lac Léman.

Ce lieu est chargé d’histoire musicale, et Louis Vierne (organiste et élève préféré de César Franck), Eugène Ysaÿe (violoniste, à qui Franck a dédié sa sonate), Jacques Thibaud, Alfred Cortot, Pablo Casals parmi tant d’autres musiciens et amis de la famille Fallot, passaient souvent du temps au château et jouaient dans ces mêmes salles.

Xenia Jankovic et Jacqueline Bourgès-Manoury se retrouvent ainsi au disque, après nous avoir marqué avec d’autres sonates en 2008, celles de Chostakovitch et Rachmaninov.

On prend plaisir à constater la même fraîcheur et élégance sur les sonates pour piano et violoncelles. Élégance est bien le maître-mot car ce n’est clairement pas un duel de solistes virtuoses qui ce joue ici mais deux instruments cherchant à fusionner dans un même creuset d’amour et de profond respect envers ces deux compositeurs. C’est la tendresse qui prévaut, sur un tempo assez langoureux, moins effréné que ce que proposent André Prévîn et Erick Friedman dans la Sonate de Franck en La majeur.

Sans doute l’emploi du violoncelle n’y est pas étranger, mais cela semble davantage un parti pris. L’enregistrement de 1953 de Léonard Rose et Leonid Hambro chez Columbia est d’ailleurs bien plus rapide.

C’est un style plus impressionniste, presque debussyien, qui transparaît dans cette interprétation de la sonate de César Franck. J’ai adoré le vibrato de Xenia Jankovic ainsi que la fluidité du phrasé de Jacqueline Bourgès-Manoury. Certains trouveront ce jeu un tantinet maniéré. J’avoue que cette façon de jouer me plait, me séduit davantage qu’une interprétation plus froide et folle à la fois.

Et puis il revient toujours cette sensation du jouer ensemble et non l’un contre l’autre. La complémentarité, l’aspect fusionnel culmine au début du second mouvement (allegro).

La Sonate pour violoncelle et piano de Chopin en sol mineur est également réussie.

Elle est bien évidemment plus disputée discographiquement parlant et celle-ci n’arrivera pas à éluder le couple Argerich / Rostropovich.

On quitte l’atmosphère impressionniste, pour un monde éminemment romantique, où la poésie est déclamée avec une évidente ferveur. On est clairement moins dans la retenue qu’avec Rostropovich, mais il n’en reste pas moins que la complicité et le plaisir que prennent les deux musiciennes à jouer cette œuvre sont pleinement communicatifs.

Je regretterais peut-être un excès de jeu chambriste qui se fait un peu au détriment du dialogue, ce qui nuit à la respiration de la musique et au suivi mélodique. C’est assez flagrant dans le final où les deux instruments s’enchevêtrent régulièrement. Peut-être est-ce le fruit de la prise de son ne séparant pas assez les instruments, et celle du choix du tempo, toujours très lent, n’aidant pas forcément à libérer complètement les interprètes…

Le son de l’instrument de Xenia Jankovic reste pourtant fabuleusement addictif, bien que le vibrato soit parfois un peu trop insistant. 

Un très bon disque au final, a recommander expressément pour le petit bijou que représente la Sonate de Frank, un peu moins pour celle de Chopin bien qu’elle ne démérite pas non plus.

• Titre: Franck & Chopin
• Artistes: Xenia Jankovic (violoncelle), Jacqueline Bourgès-Maunoury (piano).
• Format: PCM 24 bit, 48 kHz
• Ingénieur du son: Jacques Doll.
• Editeur/Label: Calliope.
• Année: 2021
• Genre: Musique classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.

Le concerto pour violoncelle et le concerto pour violon de Schumann font partie des très rares oeuvres que je trouve angoissantes voire terrifiantes pour le concerto pour violon, malgré son dernier mouvement lumineux.

Leur histoire est assez particulière.
Le concerto pour violoncelle n’a jamais été joué du vivant de Schumann, De nombreux violoncellistes (et non des moindres!) comme Pierre Fournier ou Mitslav Rostropovich en on réécrit des parties ou demandé des réorchestrations, pour finalement revenir plus tard à la version originale.
Le concerto pour violon dédicacé au violoniste Joachim qui ne l’a jamais joué parce que trop « ingrat » a été retiré du catalogue des oeuvres de Schumann. Il n’a été crée qu’en 1933, dans une sordide ambiance Nazie, avec des « adaptations » de Hindemith qui trouvait le concerto « injouable et inadapté » . Ce n’est qu’en 1938 que Menuhin enregistra le concerto dans sa version originale.

Quelle est la part de la maladie mentale, de la souffrance et des hallucinations de Schumann dans ces oeuvres? C’est naturellement impossible et savoir, et peu importe d’ailleurs, même si à leur audition je ne peux m’empêcher de, peut-être, en être imprégné.

Gilles Colliard, qui est aussi le soliste dans le concerto pour violon a décidé de transcrire la partie orchestrale pour une formation de musique de chambre à cordes. Les puristes hurleront sans doute. Personnellement, je trouve cela très pertinent, vu le caractère introverti de ces deux oeuvres comme le rappelle Gilles Colliard qui indique aussi: « toucher Autrui en ne parlant qu’à Soi ».

Nadège Rochat est la soliste du concerto pour violoncelle. Malgré son très jeune âge, son interprétation va de la douleur à la lumière dans un chemin à la fois proche du texte et personnel.

Je suis tombé amoureux de cet album que j’ai bien du écouter 10 fois depuis son arrivée et malgré le malaise qu’il engendre chez moi. Les cordes pleurent, sourient, sanglotent et construisent dans une excellente prise de son et une proximité qui procure d’autres sensations que la la version orchestrale.

Ce n’est sans doute pas la seule version à écouter, mais c’est pour moi, l’une des versions à ne pas manquer.

Un Grand Frisson Noir spécial pour cet album et cette musique si dérangeante.

• Titre: Schumann
• Artistes: Gilles Colliard, Nadège Rochat, Orchestre de Chambre de Toulouse
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz et CD
• Ingénieur du son: Jérôme Hallay
• Editeur/Label: Klarthe
• Année: 2021
• Genre: Musique classique
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel