Das Jahr (L’Année), est une œuvre que Fanny Mendelssohn commença à composer en 1841. Ce long cycle pour le piano d’une quarantaine de minutes est divisé en douze sections, suivant les douze mois de l’année.

Cette composition est dédié à son époux, le peintre Wilhelm Hensel. Elle est considérée également comme une forme de journal intime rétrospectif de ses deux années passées son passage en Italie.

C’est une belle interprétation que nous livre Marie Vermeulin sur cet enregistrement publié chez le label Présence Compositrices, dans un environnement acoustique un tantinet trop réverbérant mais pas forcément désagréable dans ce répertoire romantique.

J’ai également trouvé que le jeu de pédale était parfois un peu trop appuyé, et je préfère pour ma part davantage de modération.

Ceci dit, la prise de son et le jeu pianistique mettent bien en évidence ces motifs cycliques et la puissance harmonique de l’œuvre de Fanny Mendelssohn. Le.Bosendorfer Vienna Concert 280 de la jeune pianiste sert totalement les couleurs de cette œuvre pleine de mélancolie. C’est indéniablement un instrument puissant et à la sonorité envoûtante.

La puissance n’exclut d’ailleurs pas la finesse et la délicatesse. Le jeu de Marie Vermeulin en est particulièrement bien doté.

J’ai également apprécié cette humilité vis-à-vis de la partition, cette façon de la faire vivre sans pour autant chercher à y apporter une couleur supplémentaire ou forcer le trait sur les passages virtuoses.

C’est une interprétation que je qualifierais de pleinement équilibrée, et ce en dépit d’une discographie relativement limitée.

J’avais apprécié l’enregistrement de la pianiste italienne Gaia Sokoli paru chez Piano Classics en 2024 pour ces mêmes raisons, et je pense, qu’en comparaison, la française est sans doute moins conformiste dans sa présentation de ce cycle de 12 mois. Mais c’est sans doute ce qui fait l’intérêt de cette belle prise de son : elle apporte une ampleur sans précédent, ainsi qu’une impression de présence inégalée.

L’intérêt pour ce répertoire étant finalement récent, le disque ne donne pas beaucoup d’interprétations d’une telle ampleur. Diana Sahakian avait en 2022 sorti un album paru chez Kaléidos qui restitue ce son très ample, mais avec beaucoup d’effets et moins de nuances.

Je ne vois finalement dans la discographie que la première mondiale enregistrée en 2012 par le regretté Wolfram Lorenzen, éminent spécialiste du répertoire, ainsi que l’enregistrement de 2024 de la jeune pianiste allemande Sophia Weidemann (pour le label Genuin) qui puissent rivaliser en termes de plaisir d’écoute avec ce que nous offre Marie Vermeulin. Le chant du clavier de cette dernière me semble néanmoins encore supérieur à celui des deux interprètes allemands. Pas si mal pour une petite française !

• Titre : Fanny Mendelssohn – Das Jahr.
• Artiste : Marie Vermeulin (piano).
• Format: PCM 24-bit, 192 kHz.
• Ingénieur du son: Aline Blondiau.
• Editeur/Label: Présence Compositrices.
• Année: 2026.
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

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Mes meilleurs souvenirs de Varsovie

Je suis retourné après deux années d’absence au salon Audio Vidéo de Varsovie (Warsaw AVS). Autant dire d’ailleurs que la partie vidéo de cette manifestation est particulièrement modeste en comparaison de sa partie audio. Il faut dire que nous sommes ici au pays de Frédéric Chopin, et que les Polonais sont dans l’ensemble très intéressés par les systèmes de haute-fidélité, en tout cas beaucoup plus que le public hexagonal peut le manifester. Cet attrait pour la reproduction sonore de qualité n’a vraiment rien à voir avec ce qu’on peut expérimenter en France et même en Allemagne. La haute-fidélité reste en Pologne une vraie attraction, alors que dans le bloc de l’ouest, il ne reste plus qu’une dimension bassement mercantile, faite et organisée pour un public majoritairement professionnel. C’est pourquoi il est réconfortant pour nous, qui écrivons pour le grand public, ou du moins pour un groupe de consommateurs avertis, de voir qu’il y a encore autant de particuliers qui viennent en masse découvrir les nouveautés en matière de haute-fidélité. Les chiffres de l’édition de cette année démontrent que le Warsaw Audio Video Show compte parmi les plus grandes manifestations sur la planète avec 230 exposants et 188 salles et quelques 19 mille visiteurs. Cela le positionne dans le top trois des salons hi-fi mondiaux avec Munich et Hong-Kong. C’est ainsi, avec une certaine exaltation, que je suis retourné au salon de Varsovie dont l’importance grandit chaque année.

Autre élément passionnant : l’offre commerciale locale et en provenance des pays avoisinants. En effet, ces produits se destinent essentiellement au marché régional et on ne les croise quasiment nulle part ailleurs.

Les trois sites qui hébergent la manifestation ont chacun leur propre identité : Le Radisson Sobieski regroupe la grande majorité des acteurs régionaux et est sans doute celui des trois qui réserve le plus de surprises. Le Golden Tulip, situé à cinq minutes de marche du Sobieski, dispose de très peux d’emplacements, mais de plus grandes salles, qui permettent à certains fabricants de rester proche du site historique tout en bénéficiant de davantage d’espace. Enfin, le Stade National fait la place aux grandes marques internationales, comme aux blasons moins renommés, et élargit encore cette année sa superficie utile en offrant 14 salles additionnelles de très grande superficie.

Devant tant de diversité, il m’est difficile d’établir un classement de ce qui m’a le plus marqué durant ces trois jours. Je vais donc me contenter de faire une énumération des quelques démonstrations qui auront retenu mon attention.

Le Sobieski est vraiment le cabinet de curiosités, et c’est là que j’ai finalement passé le plus de temps. Il regroupe en fait un très grand nombre d’exposants sur 8 niveaux. J’y ai retrouvé beaucoup de personnes que j’avais pu croiser il y a trois ans, ainsi que quelques nouveaux venus, à l’instar de Anti-Matter qui faisait ses tous débuts sur ce salon. J’ai beaucoup apprécié le constructeur lithuanien Silent Pound. Si je n’avais pas été particulièrement impressionné la première fois que j’ai pu écouter ces enceintes en 2022, j’ai radicalement changé mon appréciation car ce transducteur compact 3 voies « Bloom » développait une image tellement structurée que cela en était vraiment bluffant. A l’instar de sa grande soeur « Challenger 2 », cette enceinte utilise le principe de directivité constante. Silent Pound revendique ainsi de pouvoir réduire par trois le rayonnement acoustique dans la pièce (avec un indice de directivité d’environ 4,8 dB), notamment via un travail très spécifique sur les basses fréquences. Le fabricant recherche un équilibre acoustique optimal entre les gammes de fréquences moyennes et basses, améliorant ainsi la qualité sonore globale et offrant une scène sonore nettement plus nuancée et détaillée que les systèmes traditionnels. Difficile d’en savoir beaucoup plus. En synthèse, l’écoute s’est révélée très surprenante pour une enceinte de ce niveau de prix (environ 15.000 €).

Facteur d’enceintes reconnu en Pologne, mais aussi à l’étranger, Horns était présent dans plusieurs salles, avec bien souvent des démonstrations très convaincantes. A tel point d’ailleurs, que je suis à nouveau très intrigué par cette marque et aimerais bien pouvoir tester un de leurs gros modèles comme les Symphony ou les Universum.

L’association des colonnes Aria III MK3 avec les électroniques Mavis Lab a constitué pour moi une des meilleures écoutes du salon, particulièrement vivante, définie et timbrée. J’ai adoré. Cette marque encore très discrète du constructeur vietnamien ThivanLabs a vraiment retenu mon attention et mériterait clairement d’être plus connue. Elle était d’ailleurs aussi présente dans une autre salle en partenariat avec les enceintes Eros 7 de ThivanLabs.

Le fabricant polonais J. Sikora a présenté sa platine vinyle Reference, fleuron de sa gamme, et proposée à 50 000 euros. La cellule, l’Aidas Mammoth Gold, utilise de l’ivoire de mammouth et coûte la bagatelle de 9 000 euros. Le préamplificateur phono J. Sikora Reference Line, conçu par Doshi Audio, était présenté en avant-première mondiale. Il s’agissait d’un prototype, dont le prix reste confidentiel.

Kharma démontrait ses enceintes Enigma Veyron 2D, dont le prix avoisine le demi-million d’euros. Les EV 2D bénéficient d’un coffret plus volumineux que les autres modèles de la gamme et utilisent largement des tweeters à dôme diamant, avec trois tweeters au centre de chaque enceinte.

Côté amplification, les blocs Golmund Telos 4800, capables de produire 1 kW de puissance par canal sous 4 ohms, faisaient leur job. Le préampli était un Mimesis Reference, toujours de chez Goldmund. Cela a été pour moi la meilleure démonstration de l’édition 2025.

L’association Kharma / Goldmund / J. Sikora fonctionnait à merveille. Le rendu était particulièrement dynamique et vivant. Je suis généralement habitué à ce son chez Kharma mais j’ai souvent eu l’impression qu’il n’était pas complètement naturel, voire un peu caricatural. Cette fois-ci, les grandes Enigma Veyron respiraient pleinement et développaient une scène sonore immense, fluide et organique sans aucun artefact. Certes l’addition commence à être lourdement salée, mais le résultat était clairement au rendez-vous.

Il s’agit ici d’une toute petite sélection des trois meilleures écoutes faites durant ce salon.

Mais ce qui est exaltant, c’est qu’il y en a beaucoup d’autres qui valaient assurément le coup de s’y attarder. Varsovie reste pour moi le meilleur évènement pour découvrir de nombreuses marques très qualitatives, confidentielles ou renommées.

Je suis définitivement fan, et j’y retournerai sans doute très bientôt ! Pour découvrir plus en détail l’édition 2025, je vous invite à consulter notre reportage fait au Sobieski, et au Stade National. Je vous souhaite une bonne lecture !

J. Chevassus

« Con silencio vibrante » a été enregistré par le Taller Sonoro, un ensemble sévillan de musique contemporaine, et est consacré à huit œuvres majeures de l’avant-garde espagnole et latino-américaine des années 1960 et 1970.

Avec des enregistrements en première mondiale d’œuvres de Joan Guinjoan, Aurelio de la Vega, Graciela Paraskevaídis et Jesús Villa-Rojo, cet album vous invite à un périple au cœur d’une des périodes les plus fécondes et les moins documentées de la musique de chambre contemporaine.

Cet enregistrement éclaire ainsi d’un jour nouveau cette époque en alternant les œuvres explorant le sérialisme et le hasard, la notation graphique, l’intertextualité littéraire, et tous les courants sonores si radicalement expressifs du vingtième siècle.

Cet album débute avec une composition de Mario Lavista qui fut influencé durant ses années passées dans des centres européens comme Paris, Cologne et Darmstadt, ainsi que durant son séjour au Japon, par les idiomes sériels et aléatoires, ainsi que les techniques électroacoustiques.

Lavista a distillé les fruits de ces rencontres pour créer un langage personnel renouant avec la notation traditionnelle tout en s’inspirant de la tradition musicale historique grâce à des citations tirées du répertoire ancien. Cette pratique est finalement devenue une caractéristique régulière de sa musique.

Dans « Quotations » œuvre dédiée au violoncelliste américain David Tomatz et créé à Mexico en décembre 1977, Lavista établit un double cadre intertextuel. D’une part, la partition porte en épigraphe les deux vers de Pierre-Jean de Béranger qu’Edgar Allan Poe a choisis pour préface à son conte La Chute de la maison Usher (« Son/Mon cœur est un luth suspendu; sitôt qu’on le touche, il résonne », servant de guide intentionnel aux interprètes, à qui l’on demande, selon les mots de Lavista, d’évoquer « la fragilité de quelque chose qui, au moindre contact, s’effrite ou résonne, comme l’image de ce luth suspendu, un cœur qui chante quand on le touche ». D’autre part, la partition du violoncelle est une évocation d’une multitude d’œuvres antérieures écrites pour l’instrument en passant par Brahms, Debussy, Ravel, Bartók et Webern jusqu’aux avant-gardistes tels qu’Isang Yun, George Crumb et l’Espagnol Tomás Marco.

Ces traces spectrales se déploient en dialogue avec le piano, au sein d’une texture intime et discontinue, où les deux instruments alternent presque entièrement à tour de rôle. Des dynamiques contrastées, l’utilisation éloquente du silence, et la récurrence persistante de la quinte juste (si♭-fa, mi-si) façonnent le cours de l’œuvre, qui se clôt dans une atmosphère de ténèbres et de mystère par une série d’arpèges rapides de violoncelle sur des notes de piano tenues.

« Miniaturas » a été composé en 1965 par Joan Guinjoan. Conçue pour violon, clarinette, piano et percussions, le compositeur lui-même la considérait comme une contribution particulièrement importante à son catalogue.

Guinjoan décrivait ces 3 pièces miniatures comme une forme de « tableau polyphonique de dynamiques, d’exploration tonale et d’invention rythmique ».

Les motifs nettement définis et les contrastes d’intensité et de tempo dans la pièce d’ouverture, puis le voyage de la désolation au lyrisme dans l’« intermezzo » mené par le violon de la seconde, culminent dans la miniature finale avec un scherzando fait de fragmentations rythmiques et de dislocations, avant d’atteindre, dans la coda, un point de régularisation et d’extinction, marqué par le pulsation immuable du métronome.

L’ œuvre suivante du compositeur cubain Aurelio de la Vega, « Labdanum », renvoie au milieu de l’assouplissement progressif de ses techniques sérielles, un processus qu’il poursuivait depuis la fin des années 1950 et qui, dans le domaine de la musique de chambre, se manifeste dans des œuvres telles qu’Exametron (1965) et Exospheres (1966) jusqu’à Septicilium (1974). En effet, comme le soulignaient les notes de programme de sa création, l’œuvre révèle même un retour délibéré à certains traits traditionnels qu’ils qualifiait de « vieux parfums du passé ».

L’attention méticuleuse portée au timbre — grâce à une maîtrise détaillée des registres, des modes et des types d’attaque, ainsi que des degrés de vibrato — crée une atmosphère fluide, un labyrinthe de relations instrumentales obliques, parfois agressives, jouant avec des niveaux changeants de synchronie et d’asynchronie et traçant un parcours imprévisible dominé par la flûte, ponctué de solos d’alto et de vibraphone.

« Con silencio vibrante », pour clarinette et alto, de Graciela Paraskevaídis, figure parmi les premières œuvres qu’elle a intégrées à son catalogue officiel, aux côtés de Magma pour ensemble instrumental et des pièces électroacoustiques mixtes Subliminal (1967) et la seconde version de Combinatoria II (1968).

C’est un climat microtonal et dont la partition est jouée sempre pianississimo dans ses sections d’ouverture et de clôture, autour d’un noyau central de sonorités délicatement tissées.

« Composición a cinco instrumentos », écrite au début de l’année 1965 par Gonzalo de Olavide, témoigne de l’expérience directe du compositeur au sein de l’avant-garde, tant à Darmstadt (1963-1965) qu’à Cologne à partir de 1964. Cette œuvre témoigne d’un grand raffinement tonal et d’une palette de timbres chatoyante. Cet intérêt pour les timbres marque, dans cette œuvre, le début de la combinaison par Olavide d’éléments diatoniques et chromatiques. La façon dont interagissent les 5 pupitres est assez spectaculaire, conférant à cette composition un côté surnaturel, balayé par des aplats sonores saccadés et des passages plus appaisés.

Le Barcelonais Enrique Raxach est également présent dans cet album via son œuvre « Imaginary Landscape » pour flûte(s) et percussions.

Le titre de cette composition, bien que coïncidant avec la célèbre série d’œuvres de John Cage composées entre 1939 et 1952, n’en présente aucune parenté esthétique ou sonore.

« Imaginary Landscape » est une œuvre d’une sonorité singulièrement captivante, caractérisée par son écriture raffinée et la création d’espaces internes hétérogènes : de l’ouverture, avec la ligne mélodique souple de la flûte alto sur fond de percussions et de vibraphone, à l’épisode suivant, aux allures de danse, pour flûte et bongos, qui précède l’établissement d’un rythme indépendant et chaotique — progressivement accéléré et régularisé jusqu’à atteindre son paroxysme. Dans la section finale, annoncée par un solo de percussions, la flûte traversière et la flûte alto alternent, rappelant quelque peu l’esprit de l’ouverture, mais avec les lignes mélodiques et rythmiques des percussions plus nettement mises en avant, avant de céder la place à une coda confiée à la flûte alto sur une palette de couleurs percussives variées.

Conçu pour violon, alto, violoncelle et piano, et dédié au Cantabrique pianiste Luciano González Sarmiento (plus tard membre du Trio Mompou), « Espaciado-rítmico » de Jesús Villa-Rojo, fait partie des grandes œuvres du compositeur et clarinettiste.

L’œuvre repose sur des prémisses simples : l’utilisation de blocs sonores proportionnels (d’une durée de une à quatre secondes), une maîtrise absolue du vibrato et l’opposition radicale de deux matériaux sonores fondamentaux — des notes tenues ppp, dominantes à partir du milieu de la composition, et des interventions isolées de deux ou trois notes seulement, souvent apparaissant comme des attaques sforzando soudaines, et unifiées par un tactus de croches régulier. Il en résulte la construction d’une mélodie fragmentée, évoluant progressivement vers un déclin quasi inéluctable.

Ce disque se termine par l’une des œuvres de chambre les plus importantes de l’avant-garde espagnole : Cesuras (pour flûte, hautbois, clarinette, violon, alto et violoncelle) de Luis de Pablo.

L’originalité du renouvellement des textures sonores internes, la rigueur dans l’attribution des registres, le travail nuancé sur les degrés de densité, et la gestion soignée des contrastes abrupts de tempo ou de dynamique et de matériaux sonores établissent un discours d’une remarquable clarté et d’une grande cohérence structurelle.

La section d’ouverture juxtapose deux épisodes Vivo (le premier marqué fff staccato, avec une sonorité tendue et aiguë ; le second soumis à une dynamique directionnelle) avec une « fenêtre » plus statique et diffuse de notes tenues et de relations contrapuntiques diagonales. Dans la section centrale, cette « fenêtre » s’ouvre deux fois, à un tempo lent ou lentissimo, par des sonorités verticales compactes, offrant un cadre à un ffff chaotique climax d’une durée de près d’une demi-minute, basé sur une synchronisation rythmique et une liberté dans le choix des hauteurs qui n’est qu’approximative. Enfin, un épisode de rythme irrégulier conduit à une coda brute et mécanique, poussée vers une interruption violente par une sonorité verticale ffff extrêmement aiguë.

On retiendra de cette initiative une heureuse initiation à la musique contemporaine hispanique, servie par une excellente prise de son et direction artistique. Ce n’est évidemment pas facile de remettre au goût du jour cette musique savante de nos jours, voire il ne peut qu’en résulter un pari risqué. L’ensemble Taller Sonoro l’a néanmoins remporté haut la main, nous livrant ici un enregistrement particulièrement varié, vivant et captivant.

• Titre : Con Silencio Vibrante.
• Artistes : Ensemble Taller Sonoro – Jesús Sánchez Valladares (flûte), Camilo Irizo (clarinette), Sarah Roper (hautbois), Baldomero Lloréns (percussions), Ignacio Torner (piano), Alejandro Tuñón (violon), Aglaya González (viole), María del Carmen Coronado (violoncelle).
• Format: PCM 24-bit, 92 kHz.
• Ingénieur du son: Cheluis Salmerón.
• Editeur/Label: Ibs Classical.
• Année: 2025.
• Genre: Contemporain.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Paul Kletzki est un chef d’orchestre et compositeur polonais du vingtième siècle, protégé de Toscanini et Furtwängler. Il passera une partie de sa vie à fuir la persécution des juifs par les régimes fascistes. Il finira par se réfugier en Suisse où il trouvera un climat plus propice à l’exercice de ses talents de musicien et compositeur.

Son répertoire est assez limité, le nazisme ayant fini par annihiler chez lui ses capacités créatives, et détruit son travail. Il aura d’ailleurs marqué son époque par ses talent de chef d’orchestre, plus que par ses propres créations.

C’est Wilhelm Furtwängler qui lui enseigna l’art de la composition et de la direction d’orchestre.

Durant les heures sombres du fascisme, le chef allemand s’éloignera de son ancien protégé, ce dernier étant voué à l’exil. 

C’est vers la fin de la guerre, en 1943, que Kletzki composa le Quatuor no 4, sa toute dernière oeuvre, quand il apprit la triste nouvelle du meurtre de ses parents et de sa soeur aux mains des nazis. Accablé par l’horreur de cet acte, Kletzki s’arrêta de composer.

Il avait alors 43 ans. L’avenir lui ouvrait néanmoins les portes d’une brillante carrière de chef d’orchestre, notamment lorsqu’il fut invité par Toscanini à diriger l’orchestre du Teatro alla Scala et, peu après, quand il commença à travailler en Grande-Bretagne à la tête du Royal Liverpool Philharmonic Orchestra, avant d’acquérir la citoyenneté suisse.

Paul Kletzki a pourtant laissé de très belles œuvres, à l’instar du Concerto pour piano, du Concerto pour violon, de trois symphonies et quatre quatuors à cordes, ces derniers faisant l’objet d’une intégrale parue chez Prelude Classics, interprétée par le Basewicz String Quartet.

Ce quatuor, formé par quatre musiciennes polonaises aimant la dissonance, s’est ainsi intéressé à un ensemble de 4 œuvres assez méconnues. Le dernier quatuor n’avait d’ailleurs jamais été publié et le troisième jamais enregistré. C’est le pianiste et compositeur polonais Adam Manijak qui a ici transmis son admiration pour l’œuvre de Kletzki aux quatre musiciennes, les ayant incitées à interpréter en 2016 le premier quatuor à cordes en la mineur.

C’est également lui qui a transcrit le manuscrit du quatrième quatuor qui sera ainsi joué pour la première fois par les Bacewicz en 2023.

Avec cet album, le quatuor Bacewicz présente la première mondiale discographique de l’intégrale des quatre quatuors à cordes de Kletzki, dans des interprétations d’une grande expressivité et d’une grande virtuosité.

Aucune référence au disque n’est ainsi disponible pour étalonner cette intégrale.

Il faut donc s’en remettre à sa propre sensibilité pour témoigner de cette expérience musicale. Tâche d’autant plus délicate que la musique de Paul Kletzki est difficilement classable…

Le langage harmonique de Kletzki est pour partie chromatique et empreint de dissonances typiques du début du modernisme. Mais il reste basé sur une écriture hybride, hésitant entre tradition et modernité, alors que ses contemporains s’inscrivaient généralement davantage dans la rupture.

Kletzki est resté globalement fidèle à une approche plus conservatrice, et la mélodie continua de jouer un rôle central dans sa démarche de compositeur.

L’écriture évolue néanmoins tout au long des quatre quatuors de cette intégrale. Le premier est très certainement le plus tourné vers le romantisme, mais il constitue déjà une forme de laboratoire, alternant les parties dissonantes et les accélérations avec d’autres beaucoup plus harmonieuses.

Cela en fait une œuvre assez exigeante du point de vue technique, d’autant plus que ces compositions sont globalement assez longues.

La structure de ce premier quatuor est assez simple. Deux thèmes assez contrastés forment la base du premier mouvement, alors que celui central expose un style plus narratif, et tandis que le troisième suit la forme traditionnelle du rondo.

Les passages incisifs et dissonants alternent ainsi aux passages plus conventionnels sans pour autant que la mélodie en pâtisse. 

Le Basewicz String Quartet fait part, dans l’exécution de ce premier quatuor en la mineur, d’une jolie verve avec une tonalité chantante et enjouée.

Le second quatuor en do mineur est plus ancré dans la modernité mais reste néanmoins très en phase avec le post-romantisme. Le Quatuor à cordes n° 2 fut composé deux ans plus tard, en 1925. Il s’avère encore plus expressif que le premier et va chercher une palette d’émotions aussi large que possible.

Si la structure présente des similitudes avec le précédent, il est plus audacieux, et plus évocateur, à l’instar de ce qu’on pourrait attendre d’une bande son cinématographique.

Le troisième et dernier mouvement se tourne davantage vers les canons moderne de l’époque, tout en maintenant une superbe intensité dramatique.

Le Troisième Quatuor à cordes en ré mineur a été composé en 1931 à Berlin. Dans ce troisième quatuor, Kletzki privilégie la texture, la juxtaposition d’aplats sonores. La résultante en est une subtile évolution vers un climat plus inquiétant, plus mystérieux.

Il est en ce sens beaucoup plus moderne que les deux premiers, bien que certains passages mélodiques viennent ponctuer ces sombres tableaux.

Il émane une grande puissance lyrique du troisième mouvement. Le violoncelle se taille la part du lion en servant de trait d’union avec les autres instruments.

Kletzki signe avec ce troisième mouvement, qu’on pourrait presque penser être le final de ce quatuor en ré mineur, une superbe oeuvre, plus fascinante que les deux premières, mais sans doute moins accessible.

Le quatrième et dernier mouvement retrouve un équilibre très narratif. Cela en fait sans doute le quatuor le plus abouti de cet ensemble de par sa densité et sa variété. J’ai vraiment adoré.

Le quatrième et dernier quatuor de cette intégrale semble quitter l’univers post romantique, pour basculer pleinement dans celui de la Seconde Ecole de Vienne.

Est-ce que cette toute dernière œuvre ne permettait-elle pas d’obtenir le niveau d’expressivité voulu par le compositeur pour juger bon de ne pas la publier ?

Difficile à dire. Ce climat fantasmagorique était de toute évidence en rupture avec ses précédents travaux. Le fait qu’il soit associé à l’annonce de la mort de ses proches a dû jouer un rôle également important.

L’ensemble Basewicz nous en livre pourtant une première version très poignante et expressive. J’ai à nouveau réellement apprécié ce juste équilibre entre harmonie et dissonance. 

Cela laisse presqu’une certaine amertume, celle de savoir ce qu’aurait bien pu composer Kletzki après ce dernier opus…

Une bien jolie découverte !

• Titre : Hidden Voices  : Paul Kletzki – The complete string quartets.
• Artistes : Bacewicz String Quartet.
• Format: PCM 16-bit, 44,1 kHz (enregistré en DXD) .
• Ingénieur du son: Michal Bryla.
• Editeur/Label: Prelude Classics.
• Année: 2025.
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Format CD uniquement disponible pour la critique.

L’Orchestre du Minnesota et son directeur musical, Thomas Søndergård, explorent le répertoire de Thomas Adès, compositeur et chef d’orchestre britannique. 

La Symphonie de l’Ange exterminateur – enregistrée en première mondiale – est une suite symphonique d’une vingtaine de minutes tiré de l’opéra du même nom créé en 2026 « The Exterminating Angel ». Cette suite a été créée aux Proms le 5 août 2021 et jouée en octobre de la même année à la Maison de la Radio et de la Musique.

C’est une œuvre puissante et sombre, basé sur la folie d’un couple, piégeant ses hôtes en les maintenant enfermés dans un salon sans aucun espoir de pouvoir s’en échapper.

L’orchestre du Minnesota exprime à merveille cette histoire angoissante et totalement folle. Pas forcément si simple que de faire naître le juste niveau de tension permettant à l’auditeur de visiter rapidement cet opéra.

Le quatrième et dernier mouvement faisant naître une sorte de valse infernale et funèbre est totalement saisissant de dramaturgie.

On se croirait presque au cinéma. La prise de son est à ce titre plutôt remarquable.

L’utilisation des ondes Martenot (instrument de musique électronique) rajoute à la dimension fantastique de l’œuvre.

Le Concerto pour violon, sous-titré « Chemins concentriques », est une œuvre pour violon solo et orchestre de chambre.

Commandée conjointement par le Festival de Berlin et l’Orchestre philharmonique de Los Angeles grâce au soutien financier des philanthropes Lenore et Bernard Greenberg, elle a été composée pour le violoniste Anthony Marwood, qui en a donné la première mondiale avec l’Orchestre de chambre d’Europe à Berlin le 4 septembre 2005.

Ici, c’est la violoniste canadienne Leila Josefowicz qui vient électriser l’atmosphère d’une œuvre déjà très tourmentée.

La soliste fusionne parfaitement avec l’orchestre, et le travail de prise de son est encore une fois excellent, offrant une grande clarté ainsi qu’une belle dynamique, venant souligner l’extraordinaire précision de cet orchestre.

Cet enregistrement constitue finalement une très belle occasion de découvrir ou redécouvrir l’univers de Thomas Adès grâce à une production soignée et un chef d’orchestre particulièrement inspiré. Un très bon disque.

• Titre : Adès : Violin Concerto & the Exterminating Angel Symphony.
• Artistes : Leila Josefowicz (violon), Minnesota Orchestra, Thomas Sondergard (direction).
• Format: PCM 24-bit, 96 kHz.
• Ingénieurs du son: Michael Osborne, Jay Perlman, Thomas Garneau.
• Editeur/Label: Pentatone.
• Année: 2025.
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Au Stade National, Lampizator a dévoilé son DAC Aphrodite dans la salle Amsterdam qui constitue son nouveau porte étendard. Pour un prix de 88 000 € HT, ce DAC se positionne donc au-dessus du Horizon et utilise une double alimentation avec deux tubes redresseurs et huit KT88. La section numérique intègre un nouveau système de reclocking avec un tampon FIFO et des oscillateurs à quartz à très faible bruit.

Le facteur d’enceintes Clarisys Audio a présenté dans cette même salle l’Aria, une enceinte à ruban magnétique planar dipolaire à quatre panneaux, affichée au prix de 143 000 €.

L’amplificateur utilisé était un VAC Master 300 iQ, un amplificateur de puissance stéréo piloté par un préamplificateur à tubes symétrique Lampizator Neptune.

Tous les câbles présents dans la pièce étaient signés David Laboga et leur coût à lui seul avoisinait les 40 000 euros.

Le résultat global était extrêmement propre, et pouvait être écouté des deux côtés du système, avant et arrière… Le point faible était sans doute l’écartement du panneau des aigus vis à vis du panneau médium-grave, qui, selon le positionnement des auditeurs, pouvait engendrer quelques non-linéarités. Bien installé, ce système doit sans doute être redoutable.

Le fabricant polonais J. Sikora a présenté sa platine vinyle Reference, fleuron de sa gamme, et proposée à 50 000 euros. La cellule, l’Aidas Mammoth Gold, utilise de l’ivoire de mammouth et coûte la bagatelle de 9 000 euros. Le préamplificateur phono J. Sikora Reference Line, conçu par Doshi Audio, était présenté en avant-première mondiale. Il s’agissait d’un prototype, dont le prix reste confidentiel.

Kharma démontrait ses enceintes Enigma Veyron 2D, dont le prix avoisine le demi-million d’euros. Les EV 2D bénéficient d’un coffret plus volumineux que les autres modèles de la gamme et utilisent largement des tweeters à dôme diamant, avec trois tweeters au centre de chaque enceinte.

Côté amplification, les blocs Golmund Telos 4800, capables de produire 1 kW de puissance par canal sous 4 ohms, faisaient leur job. Le préampli était un Mimesis Reference, toujours de chez Goldmund.

Cela a été pour moi la meilleure démonstration de l’édition 2025. L’association Kharma / Goldmund / J. Sikora fonctionnait à merveille. Le rendu était particulièrement dynamique et vivant. Je suis généralement habitué à ce son chez Kharma mais j’ai souvent eu l’impression qu’il n’était pas complètement naturel, voire un peu caricatural. Cette fois-ci, les grandes Enigma Veyron respiraient pleinement et développaient une scène sonore immense, fluide et organique sans aucun artefact. Certes l’addition commence à être lourdement salée, mais le résultat était clairement au rendez-vous.

Lorenzo Audio Labs présentait son enceinte haut de gamme LM1 mk2. Ce modèle quatre voies est équipé d’un haut-parleur de graves de 40 cm, d’un haut-parleur de médium de 28 cm à aimants Alnico, d’un moteur à compression en béryllium intégré à un pavillon et d’un super tweeter de 25 mm. Sa sensibilité est de 96 dB sous 8 ohms.

Le système comprenait également le convertisseur numérique-analogique MSB Cascade et les amplificateurs MSB M500.

C’était un système très vivant, très incarné et dynamique. J’ai beaucoup apprécié également.

La salle Dynaudio démontrait les Dynaudio Contour 20 Black Edition et Confidence 60, alimentées par les amplificateurs de puissance hybride Circle Labs M 500 (600 W sous 8 Ohms) et le préamplificateur P 300.

Il faut toujours un peu de puissance pour ouvrir ces enceintes et ici, elles étaient particulièrement bien servies. C’est toujours agréable d’entendre ces enceintes avec suffisamment de watts et d’ampérage pour les remuer.

Falcon Acoustics a présenté en avant-première européenne sa marque haut de gamme Oneiros Audio (le nom parle de lui-même), avec ses premières enceintes acoustiques proposées pour la modique somme d’un demi-million de livres sterling. Les coffrets utilisent des panneaux sandwich en composite de carbone de pointe. Chaque enceinte mesure 160 cm de haut et pèse 120 kg. Le système testé était composé d’un amplificateur Audio Research, de platines vinyles VPI équipées de cellules DS Audio, de câbles AudioQuest et d’un traitement acoustique GIK.

Oneiros Audio s’inscrit dans une démarche d’hyper luxe, proposant des niveaux de finition incroyables en option, pouvant faire grimper un prix déjà stratosphérique à des niveaux interstellaires. L’entreprise est basée à Silverstone et fait travailler les sous-traitants de l’industrie de la Formule 1.

Le son était finalement assez décevant au regard des tarifs revendiqués. Espérons que cette initiative puisse amener quelque chose de positif au monde de la haute-fidélité, mais rien n’est moins sûr…

Non loin d’Oneiros, la marque polonaise Lirogon présentait ses enceintes électrostatiques Origin, conçues et fabriquées en interne par Lirogon Instruments.

Everest Audio Labs, autre entreprise polonaise spécialisée dans les serveurs musicaux haut de gamme, dévoilait son dernier projet après quinze ans de développement. Ce serveur utilise une alimentation ATX entièrement linéaire à très faible bruit et une carte JCAT USB XE EVO avec une horloge OCXO Master JCAT externe.

C’était une des nouvelles très grandes salles du dernier étage du stade national et celle-ci était très populaire puisqu’elle représentait le fleuron de l’industrie polonaise. J’y suis passé deux fois de suite, mais je n’ai pas été particulièrement impressionné. Je pense qu’une acoustique plus appropriée, ainsi qu’une amplification plus ambitieuse que les blocs Sonic Frontier; auraient donné de biens meilleurs résultats, mais ces enceintes Lirogon sont néanmoins restée dans un coin de mon cortex. A réécouter très bientôt, j’espère…

Les enceintes Kroma Atelier Maribel ont été présentées ici en avant-première, alimentées par des blocs mono Ypsilon Electronics Silver Edition 4 et le préamplificateur maison. Côté source, le serveur Taiko Olympus était associé à la gamme d’accessoire du constructeur néerlandais.

Les Maribel mesurent plus de deux mètres de haut et adoptent une architecture à quatre voies, équipée de deux tweeters AMT, d’un haut-parleur médium à dôme de 7,6 cm, de deux haut-parleurs de médium-grave à cône papier de 20,3 cm et de deux haut-parleurs de graves à cône papier de 38,1 cm. Le prix demandé pour une paire d’enceintes dépasse la barre des 400 000 euros hors taxes.

Je pense que le mariage avec les électroniques Ypsilon n’était pas le meilleur choix et la sélection musicale n’aidait guère à se forger une opinion objective de la performance du système. Bref, une écoute assez décevante en dépit des moyens engagés.

Les enceintes Göbel Divin Noblesse, associées à deux caissons de basses Divin Sovereign; étaient alimentées par une amplification Solution et une source digitale Wadax. Les Noblesse utilisent des tweeters à ruban AMT, de grands haut-parleurs de médium de 20 cm et deux woofers de 30 cm, avec une sensibilité allant jusqu’à 95 dB. Le résultat n’était pas particulièrement convaincant, sans doute un peu trop de loudness dans cette association de maillons. Peut-être les caissons de grave étaient superflus…

Les Marten Parker Quintet étaient bien épaulées par Boulder et Wadax. Le système était très musical et ces « petites Marten » sont plutôt difficiles à prendre en défaut. J’ai aussi apprécié ces caissons Ascendo The28, bien raccordés aux enceintes principales, et quasiment indétectables. Une belle écoute.

L’installation composée d’amplificateurs monoblocs Electrocompaniet AW 800, du nouveau préamplificateur EC 5 Reference, d’un lecteur réseau ECM 1 MkII et d’un lecteur CD EMC 1 MkV, associés à des enceintes Rockport Technologies Lyra étaient assez convaincante. On n’était clairement pas dans l’écoute la plus démonstrative ou la plus ébouriffante du salon, mais ce que faisait ce système était très cohérent et globalement plaisant.

Le Studio 999 proposait un système original composé d’un magnétophone à bandes Sony, des blocs monophoniques Reference 750SEL Audio Research, d’un préamplificateur Karan et des enceintes Stenheim Alumine Five. C’était une belle écoute, une très belle reproduction du jeu d’un piano, avec toute la subtilité micro-dynamique et la richesse tonale qu’on est en droit d’attendre d’un système très haut de gamme. Ma meilleure écoute des Alumine Five à ce jour.

Unison Research démontrait son amplificateur intégré et sa série Unico, associés aux enceintes Opéra Grand Callas SE. Une écoute très agréable et charmeuse, comme savent le faire les petits fabricants italiens.

Closer Acoustics présentait ses enceintes Blocks, associées à une amplification polonaise Elins Audio en classe D. La source était une platine vinyle J. Sikora Aspire, équipée du bras de lecture KV9.

Les Blocks sont des enceintes cubiques modulables, pouvant s’empiler les unes sur les autres; à l’instar de ce que propose Audionec en France, mais dans une toute autre gamme. L’élément central reste le module large bande OKHO, le tweeter Fostex étant disponible en option.

Malgré l’entassement de visiteurs dans la salle qui rendait l’écoute compliquée, ce système semblait en donner beaucoup pour le prix demandé.

Clarisys Audio présentait des enceintes panneaux équipées de haut-parleurs à ruban en aluminium pur. PS Audio faisait la démonstration du lecteur réseau AirLens et du convertisseur numérique-analogique DirectStream DAC Mk2, et de ses blocs monophoniques. Le son était assez propre, manquant peut-être d’un peu de dynamique pour rendre l’écoute pleinement vivante. Ce n’était pas désagréable pour autant.

Vivid Audio a présenté en avant-première mondiale les enceintes G1 Spirit Cu. Cette troisième version des Giyas intégre des moteurs à membrane cuivrée dans les haut-parleurs de médium. Le coffret avait été repensé pour être plus léger et plus rigide.

Comme à Munich, les amplificateurs Mola Mola étaient de la partie, peut-être pas la meilleure amplification pour tirer partie des Vivid. La salle et le bruit alentour ne se prêtaient d’ailleurs pas à une démonstration de qualité. Pour la présentation de cette version Cu, Vivid Audio a étrenné une très belle couleur orange mate cuivrée, du plus bel effet…

Aidas Laboratory faisait des démonstrations de ses cellules à bobine mobile, en partenariat avec l’omniprésent J. Sikora.

Doshi Audio présentait ses amplificateurs Evolution à base de KT150. Ces amplificateurs étaient associés aux enceintes Joseph Audio Pearl Graphen Ultra. J’ai toujours été un peu déçu par les colonnes du fabricant qui sont moins impressionnantes que ses moniteurs. Cette dernière écoute n’est d’ailleurs pas venue chambouler mes convictions.

VTL présentait son haute de gamme en matière d’amplificateurs de puissance (Lohengrin). Il était accompagné du préamplificateur TL 7.5 III, de l’étage phono TP 6.5 II et d’une platine VPI. Les enceintes étaient des Rockport Technologies Lynx. L’écoute était somme toute banale. J’ai l’impression que ces schémas d’amplificateurs à base de KT88 deviennent un tantinet désuets…

Décidément, je ne sais si Horns a le nez creux pour choisir ses partenaires, mais chaque démonstration de ses enceintes fonctionnait toujours à merveille durant ce salon. Les grandes Universum étaient associées à une amplification hongroise Qualiton et un serveur audio Lucas Audio Lab. Une belle écoute, vivante et bien timbrée.

A l’instar de Munich, la marque allemande T+A démontrait son tout-en-un « Symphonia » qui alimentait sans difficulté les enceintes Talis 330. C’était encore une fois un système abordable particulièrement efficace. Lorsque les belles démonstrations se succèdent chez une marque, c’est qu’il y a indéniablement quelque chose de particulièrement réussi. Un très bon ensemble !

Une autre pièce où j’ai retrouvé un manufacturier d’enceintes croisé il y a trois ans, l’entreprise polonaise Horn Acoustic, avec son modèle deux voies « Vivo » utilisant une compression logée dans un pavillon débafllé et un haut-parleur de médium grave propriétaire.

La partie électronique était confiée à SoulNote.

J’ai à vrai dire moins apprécié qu’il y a deux ans, question d’association sans doute. Mais ces petites colonnes à pavillon sans néanmoins à ne pas perdre du vue, ou du moins d’oreille…

Les Magico S5 s’étaient associées à EMM Labs pour les électroniques. On comptait ainsi les blocs monophoniques MTRX2 V2, le nouveau préamplificateur PREi, le convertisseur numérique-analogique DA2i et le lecteur CD TXi.

Si la musique distillée ne faisait pas vraiment dans la dentelle, il faut bien reconnaître que ces enceintes s’expriment à merveille dès lors qu’il y a suffisamment de puissance de feu en amont, ce qui n’est a priori pas un problème pour cette amplification EMM Labs.

Le sommet de la gamme des enceintes Gryphon « Kodo » était associé aux nouveaux blocs monophoniques Antileon Revelation.

Le système comprenait également le préamplificateur Commander et le lecteur CD Ethos. Aurender fournissait le serveur musical N50 avec son horloge maître MC10.

C’était sans doute, et malheureusement, une des grandes attractions du salon en cette journée du samedi. Il était donc très difficile de se glisser dans la salle sans devoir jouer des coudes, et encore plus de faire une écoute attentive de ce système. C’est bien dommage…

Taga Harmony présentait en première mondiale leur HTA 2500B v.2, un amplificateur intégré hybride double mono de 2 x 200 watts sous 8 ohms, utilisant deux tubes 12AX7, intégrant un DAC 32 bit et la technologie Bluetooth aptX HD.

Les enceintes Nostalgic TH 15 m’ont assez convaincu, offrant un excellent compromis prix qualité sonore, et extension dans le grave bien évidemment…

JBL présentait sa nouvelle enceinte « Summit Makalu ». Celle-ci est équipée du tweeter à compression D2830K de 3 pouces, doté d’une double membrane et d’un double aimant, d’un haut-parleur de médium-grave de 20 cm et d’un woofer de 30 cm. L’électronique était fournie par leurs confrères de Mark Levinson.

L’acoustique de la pièce était largement perfectible et il était compliqué de cerner le potentiel de ces nouvelles enceintes.

C’est toujours un peu le problème du Groupe Harman aujourd’hui, et ça ne date pas seulement du rachat par Samsung. Espérons que dans le futur quelques belles démonstrations puissent avoir lieu afin de redorer le blason de ces grandes marques historiques.

Les enceintes allemandes Blumenhofer Gioia 2×220 étaient associées aux amplificateurs Cary Audio CAD-805RS. Une bonne écoute comme souvent avec Blumenhofer !

La toute nouvelle Magico S2 est équipée d’un tweeter au béryllium et de haut-parleurs à cône en graphène Nano Tec, le tout dans un coffret clos.

Le système incluait également l’amplificateur Pilium Leonidas MY25, le convertisseur numérique-analogique MSB Cascade, ainsi que de nouvelles sources numériques telles que le serveur musical Scion et le lecteur de streaming Pink Faun, sans oublier le serveur DSAS et le lecteur CD DST de Métronome Technologie. La lecture des vinyles était assurée par la platine Acoustic Signature Tornado Neo.

J’ai finalement davantage aimé ce système que celui avec les grosses S5 amplifiées par EMM Labs. Il y avait à mon goût plus d’humanité, de naturel dans la musique reproduite par ces petites S2. Une enceinte sans nul doute très prometteuse.

Plus j’écoute Jean-Nicolas Diatkine, et plus je comprends sa façon d’aborder les œuvres romantiques.

Il y a chez ce pianiste une volonté assumée de déclamer un air, un message musical. Jean-Nicolas Diatkine est pétri d’une grande solennité et d’un réel engagement dans son rôle d’interprète fidèle.

C’est ce qui caractérise sa musique. Il s’oppose à toute ornementation subjective, et pourtant, ses interprétations ne manquent pas de pathos et de sensibilité. Il reste seulement concentré sur la ligne droite, celle qui suit sans dériver la partition dont il respecte les intentions et les harmonies, sans vouloir l’imprégner de son propre ressenti.

Ainsi, il excelle dans la gestion des crescendi et decrescendi. Ils sont à mes oreilles d’une précision remarquable, non pas qu’ils incarneraient une certaine rigueur ou austérité qui n’a pas grand chose à voir avec la musique de Franz Schubert, mais plutôt qu’ils livrent la juste dose d’émotion et de chant qui fait toute la beauté de ces partitions.

Le tempo général adopté est pourtant variable dans les Moments Musicaux opus 94. Le second mouvement est particulièrement lent. Il n’en est pas moins superbe de délicatesse, d’articulation et de sensibilité.

Cette articulation devient un magnifique contrepoint au début du quatrième Moment, conférant à la musique une élégance rare, une éloquence qui nous fait adhérer totalement au message musical comme s’il nous racontait une véritable histoire.

Le sixième et dernier Moment Musical est joué encore une fois sur un tempo lent, encore moins rapide que celui emprunté par Claudio Arrau dans son enregistrement de 1961 réédité chez Warner dernièrement.

Il y a sans doute davantage de gravité exprimée dans cette interprétation. Nous sommes presque chez Beethoven, peut-être un peu moins dans la retenue plus nonchalante d’un Franz Schubert.

Pourtant, le résultat est convaincant, particulièrement beau et contemplatif, ce qui m’a permis de sans doute mieux appréhender les subtilités de la partition. Les variations dynamiques de Diatkine sont par ailleurs tellement subtiles qu’elles nous maintiennent captifs, prisonniers d’une telle beauté musicale.

Les 4 Impromptus opus 90 sont joués en revanche sur un tempo plutôt rapide, tranchant avec celui emprunté pour les Moments Musicaux.

Dès le premier, l’engagement de l’interprète est total, les accords sont puissants, le phrasé est presque martial.

J’ai en tête l’interprétation, si délicate et si puissante à la fois, de Radu Lupu en 1983 pour Decca. Ici avec Diatkine, on perd un peu de cette poésie et cela m’émeut moins.

On retrouve encore moins la poésie et le chant si envoûtant d’Alfred Brendel de 1987 pour Philips, mais n’est-ce pas là une référence quasi inatteignable ?

Néanmoins, si je m’attache à décrire ce qui pourrait me plaire dans l’interprétation de Jean-Nicolas Diatkine, sa main droite ne faiblit jamais, impulsant une forme d’élan continu. C’est aussi ça la musique, cette pulsation qui vous transporte. Cela, Diatkine le réussit fort bien.

La dimension plus tragique de cette interprétation me paraît presque un parti pris, comme j’ai pu le souligner en préambule de cette critique. On aime ou on n’aime pas.

Le second impromptu D899 me fait changer d’avis sur la qualité de l’interprétation de Diatkine qui n’a rien à envier ici en termes purement émotionnels aux autres grands spécialistes du répertoire.

Ce second impromptu nous fait tourner la tête, nous emmène vers une forme de valse infernale, dont le rythme est effréné mais pleinement maîtrisé.

Le troisième ne parvient pas à freiner le tempo suffisamment pour recréer ce momentum de poésie et de quiétude, qui est pourtant l’essence de cette musique.

Le tempo est certes un parti pris, mais il peut s’avérer parfois fatal. Sur cet Impromptu numéro 3, la conséquence de cette rapidité m’apparaît comme un manque de legato de la main gauche qui laisse une impression de manque de clarté et de cohésion avec la main droite.

Même constat pour le dernier, ma préférence va à des interprétations moins rapides et plus déliées.

Il y a pourtant une forme d’urgence qui se dégage de l’interprétation de Jean-Nicolas Diatkine, certes un peu tempétueuse, et le jeu nécessiterait davantage d’apaisement. Cette urgence ne mène en fait pas à grand chose : elle installe un climat tragique qui pourrait s’avérer hors sujet, même si Schubert reste sans doute une des personnalités musicales les plus complexes et ambiguës.

Ce disque se termine par la Mélodie Hongroise D817. L’interprète est sur ce dernier titre complètement à son aise et nous offre ainsi un jeu équilibré et engagé.

Au final, ce nouvel enregistrement de Jean-Nicolas Diatkine représente un intérêt certain, davantage vis-à-vis des Moments Musicaux que des Impromptus. Mais globalement, on retrouve cette personnalité attachante, entièrement engagée dans une interprétation sans fard ni artéfacts de ces pièces exigeantes, nécessitant sensibilité et virtuosité. Et ceci est bien agréable, voire rafraîchissant. Un bon disque.

Le saxophoniste napolitain Fabio Cesare nous livre dans ce second album (le premier, « Massar », ayant été enregistré avec le quatuor Avena et produit chez Indesens en 2023) sept de ses compositions personnelles.

Libellula est un voyage musical où le saxophone devient la voix d’un paysage sonore en perpétuelle transformation.

C’est un univers à géométries variables, qui n’est pas sans nous évoquer celui du clarinettiste – saxophoniste Michel Portal, naviguant entre deux eaux, celle du jazz ethnique et celle de la musique contemporaine.

On retrouve ainsi de belles sonorités orientales, notamment dans la composition intitulée « Magam », jouée en duo avec le contrebassiste Davide Le Léap.

C’est néanmoins le saxophone qui reste l’élément central de cette musique, et l’origine de cette analogie entre les virevoltes d’une libellule et les notes libres, planantes, stridentes, sans cesse changeantes du saxophone alto de l’Italien.

Ce saxophone alto est particulièrement rocailleux, rugueux, instable et percutant en introduction. Puis, il devient peu à peu plus lisse, plus lumineux.

J’ai beaucoup apprécié cette utilisation purement rythmique de l’instrument.

Dans « Echi Pulsanti », le saxophone baryton vient encore renforcer cette dimension en compagnie de la caisse claire de Christian di Meola.

Les deux duos baryton / alto et alto / soprano libèrent totalement l’instrument qui explore alors une large palette de couleurs et de climats musicaux.

Le saxophone alto finit par s’envoler, se libérant pleinement, pour danser sur une rythmique syncopée, traçant une élégante arabesque au dessus des 180 mètres de la « dune 45 »…

Le dernier morceau titre de l’album « Libellula » est l’occasion pour Fabio Cesare de renouer avec le Quatuor Avena.

C’est sans doute la composition la plus progressive et la plus proche d’un jazz ethnique ou fusion, aux confins de la musique traditionnelle orientale.

C’est une très belle façon de clore cet album dédié au saxophone dans tous ses états.

• Titre : Libellula.
• Artiste : Fabio Cesare (saxophone alto), Christian di Meola (Caisse claire), Adam Campbell (saxophone baryton), Nicolas Allard (saxophone soprano), Davide Le Léap (contrebasse), Quatuor Avena.
• Format: PCM 24 bit, 96 kHz.
• Ingénieur du son: Mathieu Pelletier.
• Editeur/Label: Klarthe.
• Année: 2025.
• Genre: Contemporain.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Réel.

Je suis retourné après deux années d’absence au salon Audio Vidéo de Varsovie (Warsaw AVS).

Autant dire d’ailleurs que la partie vidéo de cette manifestation est particulièrement modeste en comparaison de sa partie audio.

Il faut dire que nous sommes ici au pays de Frédéric Chopin, et que les Polonais sont dans l’ensemble très intéressés par les systèmes de haute-fidélité, en tout cas beaucoup plus que le public hexagonal peut le manifester.

Cet attrait pour la reproduction sonore de qualité n’a vraiment rien à voir avec ce qu’on peut expérimenter en France et même en Allemagne.

La haute-fidélité reste en Pologne une vraie attraction, alors que dans le bloc de l’ouest, il ne reste plus qu’une dimension bassement mercantile, faite et organisée pour un public majoritairement professionnel.

C’est pourquoi il est réconfortant pour nous, qui écrivons pour le grand public, ou du moins pour un groupe de consommateurs avertis, de voir qu’il y a encore autant de particuliers qui viennent en masse découvrir les nouveautés en matière de haute-fidélité.

Les chiffres de l’édition de cette année démontrent que le Warsaw Audio Video Show compte parmi les plus grandes manifestations sur la planète avec 230 exposants et 188 salles et quelques 19 mille visiteurs. Cela le positionne dans le top 3 des salons hi-fi mondiaux avec Munich et Hong-Kong.

C’est ainsi avec une certaine exaltation que je suis retourné au salon de Varsovie dont l’importance grandit chaque année.

Autre élément passionnant : l’offre commerciale locale et en provenance des pays avoisinants.

En effet, ces produits se destinent essentiellement au marché régional et on ne les croise quasiment nulle part ailleurs.

Les trois sites qui hébergent la manifestation ont chacun leur propre identité : Le Radisson Sobieski regroupe la grande majorité des acteurs régionaux et est sans doute celui des trois qui réserve le plus de surprises. Le Golden Tulip, situé à cinq minutes de marche du Sobieski, dispose de très peux d’emplacements, mais de plus grandes salles, qui permettent à certains fabricants de rester proche du site historique tout en bénéficiant de davantage d’espace.

Enfin, le Stade National fait la place aux grandes marques internationales, comme aux blasons moins renommés, et élargit encore cette année sa superficie utile en offrant 14 salles additionnelles de très grande superficie.

Devant tant de diversité, il m’est difficile d’établir un classement de ce qui m’a le plus marqué durant ces trois jours.

Je vais donc me contenter de faire une énumération des démonstrations qui auront retenu mon attention, pour de bonnes comme pour de mauvaises raisons, en partant du Radisson Sobieski, en poursuivant par le Golden Tulip, et en finissant par le Stade National.

Le Sobieski est vraiment le cabinet de curiosités, et c’est là que j’ai finalement passé le plus de temps.

Il regroupe en fait un très grand nombre d’exposants sur 8 niveaux. J’y ai retrouvé beaucoup de personnes que j’avais pu croiser il y a trois ans, ainsi que quelques nouveaux venus, à l’instar de Anti-Matter qui faisait ses tous débuts sur ce salon.

J’ai beaucoup apprécié le constructeur lithuanien Silent Pound. Si je n’avais pas été particulièrement impressionné la première fois que j’ai pu écouter ces enceintes en 2022, j’ai radicalement changé mon appréciation car ce transducteur compact 3 voies « Bloom » développait une image tellement structurée que cela en était vraiment bluffant. A l’instar de sa grande soeur « Challenger 2 », cette enceinte utilise le principe de directivité constante.

Silent Pound revendique ainsi de pouvoir réduire par trois le rayonnement acoustique dans la pièce (avec un indice de directivité d’environ 4,8 dB), notamment via un travail très spécifique sur les basses fréquences. Le fabricant recherche un équilibre acoustique optimal entre les gammes de fréquences moyennes et basses, améliorant ainsi la qualité sonore globale et offrant une scène sonore nettement plus nuancée et détaillée que les systèmes traditionnels. Difficile d’en savoir beaucoup plus. En synthèse, l’écoute s’est révélée très surprenante pour une enceinte de ce niveau de prix (environ 15.000 €).

Au rez-de-chaussée de l’hotel, on pouvait également apprécier l’écoute des enceintes autrichiennes Brodmann VC7 amplifiées par les excellents blocs monophoniques Mastersound PF 200 litz et leurs 200 W par canal en classe A. Cela faisait longtemps que je n’avais pas pu écouter dans de si bonnes conditions ces enceintes, et je dois avouer avoir été à nouveau conquis par leur musicalité.

Elles délivrèrent un très bel espace holographique et une densité tonale étonnante, tout cela enveloppé dans un écrin de douceur et de fluidité. Là encore, pour le prix de ces enceintes (les amplificateurs appartiennent à un tout autre niveau de budget), difficile de pouvoir espérer mieux. C’est vraiment très bien réalisé.

Velikinac Audio Lab est une marque serbe. Ce fabricant propose aussi bien des enceintes acoustiques que des cables et même des électroniques. Etaient en démonstration les enceintes 3 voies à pavillon « Fakir One ». Elles embarquent un boomer de 30 cm logé dans un coffret massif revêtu d’un placage naturel et doté d’un évent bass-reflex à l’arrière. La partie supérieure du coffret abrite les haut-parleurs de médiums et d’aigus débafflés et équipés de larges guides d’ondes se chevauchant partiellement. L’écoute avec l’amplificateur Trafomatic Rhapsody était également convaincante pour un système dans une si petite pièce. Une marque à découvrir.

Les systèmes Steinway Lyngdorf étaient très présents à Varsovie. Celui qui a le plus retenu mon attention était sans conteste un des systèmes les plus minimalistes avec les petits moniteurs S-15 de la gamme on-wall, épaulés par de gros subwoofers maisons et pilotés par le P100 2.1. J’ai trouvé le résultat très musical et cohérent, un système dont j’aimerais bien disposer dans mon salon…

Le fabricant sud coréen Orchestalls était présent au Sobieski cette année. Habitué des petites salles, sa démonstration était de qualité, sans surprise particulière par rapport à mes précédentes écoutes. Cela serait néanmoins vraiment intéressant de tester ce genre d’enceintes pour voir vraiment jusqu’où on peut aller en matière de réalisme sonore chez Orchestalls dans un environnement acoustique plus soigné.

Un autre joli système : celui des nouvelles enceintes Cube Audio Monet et des électroniques italiennes Tektron (distributeur de Cube Audio en Italie). Cela aurait clairement mérité une plus grande salle, et le peu de recul du point d’écoute par rapport aux enceintes bridait forcément les performances du système, qui laissa néanmoins entrevoir de belles qualités. Un ensemble à redécouvrir plus au calme car il le mérite vraiment.
Les « Monet » embarquent à ce jour la membrane la plus légère de toute la gamme du fabricant polonais.

Pour rester dans le thème de l’Italie, le manufacturier d’enceintes Diapason était aussi très présent cette année, avec les petites Karis III (alimentées par des électroniques espagnoles Ars-Sonum), et les toutes nouvelles Didascalìa, mises au point par l’équipe technique de Paolo Tezzon, fraîchement arrivé de chez Sonus faber.

Les enceintes polonaises Qualio étaient pareillement présentes dans de nombreuses salles, et chaque écoute s’est révélée particulièrement plaisante. Ces enceintes semi-ouvertes sont très naturelles et bien timbrées. La mise en oeuvre du grave dans son caisson bass reflex est également plutôt bien réalisée, ce qui en fait des haut-parleurs très polyvalents et versatiles. J’ai beaucoup apprécié l’écoute des grosses IQ30 avec la marque d’électroniques locales Bona Watt.

Les enceintes lithuaniennes AudioSolutions Virtuoso B m’ont aussi beaucoup impressionné avec leur système 3 voies et leur double cabinet, le woofer de grave rayonnant vers le bas.La finition des enceintes était par ailleurs de haute facture et le système, composé d’une amplification Line Magnetic et d’une source numérique Rockna, fonctionnait à merveille.

Les enceintes polonaises Intrada étaient associées aux électroniques italiennes Serblin & Son ainsi qu’à une source vinyle Zavfino Copperhead. . Un système plutôt charmeur, plein de finesse, qui m’a rappelé l’excellent test que j’avais pu faire de leur modèle tout en un « Frankie + ». Une écoute qualitative et naturelle.

Autre facteur d’enceintes reconnu en Pologne, mais aussi à l’étranger, Horns était présent dans plusieurs salles, avec bien souvent des démonstrations très convaincantes. A tel point d’ailleurs, que je suis à nouveau très intrigué par cette marque et aimerais bien pouvoir tester un de leurs gros modèles comme les Symphony ou les Universum.

L’association des colonnes Aria III MK3 avec les électroniques Mavis Lab a constitué pour moi une des meilleures écoutes du salon, particulièrement vivante, définie et timbrée. J’ai adoré. Cette marque encore très discrète du constructeur vietnamien ThivanLabs a vraiment retenu mon attention et mériterait clairement d’être plus connue. Elle était d’ailleurs aussi présente dans une autre salle en partenariat avec les enceintes Eros 7 de ThivanLabs.

Les Lettons d’Aretai étaient de nouveaux là cette année, en association avec les électroniques grecques hARt Lab et les platines lituaniennes Reed. J’ai pu de nouveau réécouter les petits moniteurs ContraS 100 qui m’avaient tant plu lors de mon précédent banc d’essai, et j’ai finalement craqué en passant ma commande. Comme quoi ces petites enceintes ont marqué ma mémoire de par leur musicalité et leur capacité à créer une image très large et structurée…

Les enceintes électrostatiques Vitorla du fabricant hongrois Popori Acoustics ont le mérite de l’originalité sans m’avoir pour autant vraiment convaincu. Il est néanmoins très difficile en règle générale de réussir de vraies belles démonstrations de ce type d’enceinte durant ce type de manifestations.

Le Polonais Closer Acoustics était très actif sur le salon AVS avec en particulier ses enceintes Full Ogy qui transforment le petit moniteur large bande star de la marque (Ogy) en une vraie enceinte full range, grâce à ce caisson baffle plan. Ces enceintes seront testées très prochainement dans leur format moniteur.

Une écoute très naturelle et charmeuse, en partie due à leur très bel amplificateur intégré 300B Provocateur Signature.

Le fabricant Dutch & Dutch présentait à Varsovie sa toute nouvelle enceinte compacte amplifiée 6c, version miniature de la précédente 8c. Le fabricant néerlandais devrait d’ailleurs lancer dans les prochains mois une version 6s entièrement cardioïde, histoire d’aller chatouiller d’un peu plus près les Allemands de Kii Audio. Les conditions d’écoute ne permettaient pas vraiment de se faire une idée très précise du potentiel de cette nouvelle 6c, mais c’est sans nul doute une excellente enceinte. A quand un test match entre la Kii Seven et la 6c ?

Le secteur de la production d’enceintes acoustiques en Pologne est décidément très encombré. La société Equilibrium Audio présentait sa dernière nouveauté : l’Inthensa. Elle était amplifiée par un amplificateur Pier Audio et alimentée par une source Denafrips. On la trouvait également dans une seconde salle avec un amplificateur polonais de la marque JJ Pure Audio.

La société norvégienne Ø Audio, comme au précédent salon munichois, démontrait ses enceintes Icon 12 deux voies avec les amplificateurs AW800M d’Electrocompaniet et une source dématérialisée DCS. Un combo somme toute plutôt puissant et efficace.

Kultura Dźwięku a présenté en avant-première les enceintes Soul 3. Ces enceintes étaient alimentées par des amplificateurs à tubes Bonawatt, un lecteur réseau Lumin et entièrement câblées avec des câbles Tellurium Q. Les Soul 3 sont des enceintes colonnes fines qui délivrent une image ample avec une réponse dans le grave plutôt généreuse au regard de leurs dimensions.

Dans cette pièce se trouvaient les enceintes hongroises Schetl Pathway, conçues selon le principe de la ligne de transmission. Elles étaient associées aux super-tweeters Arya Audio Labs AirBlade, à une amplification à tubes WE 300b intégrés à deux amplificateurs de puissance Phasemation MA-2000, un lecteur CD Wadax StudioPlayer et un convertisseur numérique-analogique HoloAudio. Difficile de se faire une idée du potentiel du système, un peu à l’étroit dans cet environnement confiné, et pourtant cette configuration était pleine de promesses…

La société allemande ADMD présentait en avant-première son nouveau convertisseur N/A R2R doté d’un mode « flat/vintage » commutable. L’amplification était confiée à un amplificateur intégré Electrocompaniet EC4.8 MKII alimentant une paire d’enceintes ADMD. C’était à mon opinion une des belles surprises du salon, avec beaucoup de fluidité et une densité tonale douce et chaleureuse.

La société polonaise Szemis Audio Konsultant présentait un vrai système DIY assez ambitieux. Celui-ci comprenait les blocs monophoniques Sugden MPA et des enceintes Grand Type-A. J’ai pu écouter avec bonheur du piano classique en DSD avec toute la subtilité micro-dynamique espérée. Cela a été une de mes deux très bonnes écoutes de piano, après celle réalisée sur les enceintes Brodmann.

La société Rada fabrique des électroniques à tubes. Leur système baptisé « Precious Tube » était relié à une paire d’enceintes ouvertes RiSound avec un filtre actif optimisé par Rada, ainsi qu’à une platine vinyle Technics PS10 MKII personnalisée par Meend, une platine Reed, un bras de lecture 2B personnalisé et des cellules Aidas.

L’Italien Grandinote présentait un système complet : amplificateur intégré Solo, lecteur réseau Volta, préamplificateur phono Celio et enceintes Mach 2 Estrema. J.Sikora fournissait la source vinyle et les câbles étaient ceux que j’utilise tous les jours, les Luna Cable red. Pas grand chose à dire de ce système qui était sans doute un peu à l’étroit dans cette salle, mais délivrant tout de même de jolis timbres.

Dans le genre « j’ai acheté mes enceintes chez Ikéa » ce montage en baffle plan regroupait un woofer de 46 cm, un haut-parleur de médium et un tweeter, le tout dans un coffret pour le moins minimaliste. L’amplification à tubes Zikra Audio de 17 W et le DAC Rockna offraient un son typé vintage mais assez plaisant. Un système pour lequel il est important de soigner la source…

Les enceintes danoises SV-Audio (Storgaard & Vestskov) offrent toujours un spectacle particulièrement dynamique. Leurs modèles Gro étaient associés cette fois avec des électroniques Accuphase, plutôt une bonne combinaison. La gestion des transitoires est extrêmement fine et les basses sont profondes sont trainage. j’aurais bien aimé les entendre sur un style de musique différent, car le rock et l’électro peuvent être parfois un peu fatigants à la longue…

La société polonaise WK Audio, que j’avais pu découvrir il y a deux ans, était toujours là avec ses câbles rouge vif. Le nouveau haut de gamme baptisé « TheRed MKII » constituait l’attraction principale. J’ai trouvé cette année la salle plus bruyante, et il m’a été difficile de me forger une opinion bien précise à propos de leurs produits.

L’entreprise Virtual HiFi propose une gamme d’accessoires audio, notamment des amplificateurs opérationnels, des pieds isolants, des câbles et des enceintes fabriquées avec des pièces imprimées en 3D. Les moniteurs exposés étaient deux nouveaux modèles : les Mini Monitor Viper et Monitor Cobra.

Si la musique diffusée n’étaient pas vraiment ma tasse de thé, ces enceintes m’ont semblé tout à fait intéressantes et bien conçues. Le système complet était très cohérent, et très exotique. Une production qui mérite qu’on s’y intéresse…

Le Polonais BMN présentait ses nouvelles enceintes : les Bauritius 2, Bauritius 3 et Berges 3i, associées à l’amplificateur canadien Simaudio Moon 641, et à la source Moon 681. Sous des aspects très conventionnels, le résultat global était largement au dessus de la moyenne des salles, grâce à une restitution aérée et très naturelle. Comme quoi un bon montage de haut-parleurs SEAS peut s’avérer plein de surprises…

Le fabricant sud-coréen Ella sonica démontrait des enceintes dotées de tweeters à dôme diamant ainsi qu’une gamme complète d’amplificateurs fonctionnant en classe D. Il était associé à un fabricant de câbles Athenamuse, originaire de Corée du Sud également. Le résultat était très convaincant et cette société, très discrète (je n’ai même pas réussi à trouver un site web), mérite sincèrement d’être plus connue. Une belle écoute…

La société Kaizen Audio présentait les enceintes Ancient Deva au look très vintage, fabriquées en bois et contreplaqué, et dont la façade est peinte à la main sur commande. Amorce de pavillon pour le tweeter textile à dome enduit de ferrofluide , haut-parleur à cone de médium avec membrane papier faite maison, et radiateur passif à l’arrière : ces Ancient deva sont finalement beaucoup plus sophistiquées qu’on pourrait se l’imaginer. Une bonne écoute dans cette salle.

BonaWatt a présenté la dernière version de son amplificateur intégré hybride Triton, doté de cartes d’extension modulaires, garantissant ainsi sa pérennité. Deux nouvelles cartes ont également été lancées : l’une intégrant un convertisseur numérique-analogique (DAC), l’autre un préamplificateur phono MM/MC développé en collaboration avec MuzgAUDIO. Le système de démonstration comprenait une platine vinyle BennyAudio, des enceintes OePhi (utilisant les haut-parleurs Purifi Ushindi) et un câblage OePhi. Une jolie écoute dans cette salle avec un son ample et aéré.

J’ai retrouvé avec beaucoup de plaisir ce fabricant de cables et de transformateurs et préamplificateurs phono « The Note ». Cette société a présenté un système entièrement analogique comprenant une cellule phono à bobine mobile, un préamplificateur phono à tubes, un amplificateur à tubes simple étage et des enceintes Telefunken à bobine mobile.

J’ai pu apprécié une nouvelle fois cette image tridimensionnelle et réaliste, ainsi que la qualité de timbres restituée par le système.

Revox présentait son tout dernier magnétophone à bande B77 MK III, associé à ses enceintes Prestige G140, son amplificateur M500 et un conditionneur de secteur Puritan. Un salle finalement un peu trop petite pour que les enceintes s’expriment pleinement. Beaucoup de douceur et de fluidité dans cette restitution, système à bandes oblige…

La salle du constructeur polonais Idhos hébergeait une platine vinyle Tentogra Gramy VTA, un préampli phono Idhos Reference, des blocs mono Idhos Reference, des enceintes large bande Idhos et des câbles Spinor Audio Silver Reference. J’ai beaucoup aimé le son de cette salle, très vivant et aéré. J’y serais resté volontiers plus longtemps.

A suivre…

C’est dans ce répertoire romantique, virtuose et enflammé, que Pierre Réach excelle. Même s’il est reconnu pour sa grande sensibilité dans les Variations de Goldberg ou les sonates de Beethoven, la Grande Sonate « Les quatre âges de la vie» de Charles Valentin Morhange, dit Alkan, reste un terrain de jeu privilégié pour le pianiste.

Cette réédition d’un enregistrement datant de plus de trente ans (qui remonte en fait à 1991) remémore, ou permet de découvrir, combien l’interprétation de Pierre Réach est habitée.

Il faut reconnaître qu’il y a beaucoup de similitudes entre ces élans dramatiques de la Grande Sonate opus 33 et ceux de la musique de Beethoven.

Si la partition flirte avec la complexité et le narratif lisztien ou beethovenien, l’éloquence de l’interprète vient rajouter encore une dose de poésie supplémentaire, un supplément d’âme qui sied parfaitement à ce répertoire fluctuant entre violence et tendresse.

La Grande sonate de 1847 a été composée lorsqu’Alkan avait 33 ans, et dédiée à son père. Il s’agit d’une oeuvre magnifique, sans doute injustement méconnue du grand public.

Cette allégorie des différentes périodes d’une vie permet de repenser l’idée même de la sonate romantique.

La jeunesse des vingt ans est symbolisée par un scherzo ponctué de scansions binaires et de dérapages de tonalités.

Les 30 ans « quasi Faust » sont annonciateurs de la sonate en si mineur de Liszt. Ce thème éminemment romantique nous envoûte, et Pierre Réach fait part ici de toute sa dévotion pour ce répertoire. Le temps est suspendu, et on souhaiterait ne jamais dépasser la trentaine. Là encore, les fortissimi alternent avec les pianissimi, dans une forme de flux organique, d’énergie vitale qui vous pousse implacablement toujours un peu plus loin.

Les 40 ans, ceux d’un heureux ménage, nous emportent en direction d’une douce sérénité.

C’est l’évocation sans nul doute du temps de l’harmonie familiale, entre couple et enfants, au travers d’accents de comptine et de sérénade.

Les 50 ans viennent clore cette grande sonate, et sont ceux de l’enchaînement de Prométhée.

C’est indéniablement un tableau plus sombre, extrêmement lent et grave. Où sont donc passés nos 30 ans ?

Sur un rythme de marche funèbre, Pierre Réach assène quelques accords d’une violence inouïe, stridents et incroyablement puissants.

La sonatine opus 61 n’a de miniature que le nom. Elle s’avère particulièrement exigeante et la virtuosité de Pierre Réach est impressionnante.

L’interprète se livre entièrement dans l’Allegro vivace ainsi que le second mouvement Allegramente. L’enivrant Scherzo Minuetto constitue une forme de paroxysme en matière de complexité et de contraste.

C’est d’ailleurs cette succession de contrastes qui fait qu’on ne s’ennuie jamais à l’écoute de cette musique. À chaque écoute, on la découvre un peu plus, comme si les contours de cette œuvre échappaient à toute tentative d’en synthétiser l’essence même. La musique semble ici échapper à toute contrainte technique.

Le finale « tempo giusto » est une apothéose romantique, presque folle, et toujours aussi troublante.

Il était donc particulièrement salutaire de rééditer cet enregistrement chez Anima records, initialement paru chez Vogue.

La prise de son d’Igor Kirkwood n’a d’ailleurs pas pris une seule ride. Un disque qui mérite indéniablement un Grand Frisson…

• Titre : Charles-Valentin Alkan – Grande Sonate opus 33 « lesQuatre Ages de la Vie » / Sonatine opus 61.
• Artiste : Pierre Réach (piano).
• Format: PCM 24 bit, 44,1 kHz.
• Ingénieur du son: Igor Kirkwood.
• Editeur/Label: Anima records.
• Année: 2025.
• Genre: Classique.
• Intérêt du format HD (Exceptionnel, Réel, Discutable): Discutable.